Las mejores películas en Netflix pueden ser difíciles de encontrar, pero no es probable que nos quedemos sin grandes películas en el corto plazo. Hay mucho para elegir, ya sea que esté buscando las mejores películas de acción, las mejores películas de terror, las mejores comedias o las mejores películas clásicas en Netflix. Hemos actualizado la lista para 2022 para eliminar grandes películas que se han ido y resaltar la excelencia no vista.
En lugar de perder el tiempo desplazándose por categorías, tratando de encontrar la película perfecta para ver, hemos hecho todo lo posible para facilitarle las cosas en Pegar al actualizar nuestra lista de Mejores películas para ver en Netflix cada semana con nuevas adiciones y pasadas por alto. películas por igual.
Aquí están las 50 mejores películas que se transmiten en Netflix en este momento:
1. Si Beale Street pudiera hablar
Año: 2018
Director: Barry Jenkins
Intérpretes: Kiki Layne, Stephan James, Regina King, Brian Tyree Henry, Colman Domingo, Michael Beach, Teyonah Pariss, Aunjanue Ellis
Calificación: R
Duración: 117 minutos
Tiempo para nuestros personajes elípticos, y la historia de amor entre Tish (Kiki Layne) y Fonny (Stephan James) el ritmo al que volveremos una y otra vez. Como nuestra narradora, Tish habla tanto en declaraciones breves como en koans, el guión de Barry Jenkins traduce la novela de James Baldwin como un poco de voyerismo onírico: cuando los dos finalmente consuman su relación después de una vida (apenas dos décadas) de amistad entre ellos y sus familias. , el estado de ánimo es divino y revelador. ¿La gente realmente tiene sexo así? Dios no, pero tal vez desearíamos haberlo hecho. Y a veces nos convencemos de que tenemos, con la persona adecuada, sólo dos cuerpos solos, contra el mundo, en un espacio —quizás el único espacio— propio. La historia de la pareja es simple y no: Un policía (Ed Skrein) con una cuenta insignificante que saldar contra Fonny confabula a una mujer puertorriqueña (Emily Rios) que fue violada para sacar a Fonny de una rueda de reconocimiento, a pesar de que su coartada y toda la evidencia sugieren lo contrario. En la primera escena de la película, vemos a Tish visitar a Fonny en la cárcel para decirle que está embarazada. Está extasiado; Inmediatamente reconocemos esa alquimia única de terror y alegría que acompaña a cualquier padre primerizo, pero también sabemos que para una joven pareja negra, el mundo está inclinado contra la prosperidad de su amor. “Espero que nadie haya tenido que mirar a sus seres queridos a través de un cristal”, dice Tish. ¿Tienen esperanza? Las actuaciones de James y Layne, tan maravillosamente sincronizadas, sugieren que deben hacerlo, una sola carne sin otra opción. Como madre de Tish, Regina King tal vez entienda mejor la maldad de esa esperanza, interpretando a Sharon como una mujer que no puede conseguir lo que quiere, pero que parece intuir que tal progreso puede ser mayor que el de la mayoría en su situación. Asediada pero impávida, ella es la matriarca de la película, una fuerza de tal calidez que, incluso en nuestro miedo de ver cómo crece la barriga de Tish y se desvanece su esperanza, la presencia de Sharon nos tranquiliza, no que todo estará bien, sino que todo estará bien. el fin deSi Beale Street pudiera hablar es prácticamente un hecho, a menos que tu ignorancia te guíe a través de este mundo idiota, pero todavía hay amor en esos momentos finales, tanto amor como había en la apertura simétrica de la película. Hay esperanza en eso, aunque sea patéticamente pequeña. —Dom Sinacola
2. Monty Python y el Santo Grial
Año: 1975
Directores: Terry Gilliam, Terry Jones
Intérpretes: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Connie Booth
Género: Comedia
Clasificación: PG
Apesta que algo del brillo haya sido quitado del Santo Grial por su propia ubicuidad abrumadora. Hoy en día, cuando escuchamos una “herida de carne”, un “¡ni!” o „enormes extensiones de tierra“, nuestros primeros pensamientos a menudo son que nerds obsesivos y despistados nos repitan escenas completas . O, en mi caso, de repetir escenas completas a la gente como un nerd obsesivo y despistado. Pero, si intentas distanciarte del factor de sobresaturación y vuelves a ver la película después de unos años, encontrarás nuevos chistes que se sienten tan frescos e histéricos como los que todos conocemos. Holy Grail es, de hecho, la comedia más densa del canon de Python. hay tantos chistesen esta película, y es sorprendente lo fácil que lo olvidamos, considerando su reputación. Si está verdaderamente agotado por esta película, vuelva a verla con comentarios y descubra el segundo nivel de apreciación que proviene de la inventiva con la que se hizo. Ciertamente no parece una película de $400,000, y es delicioso descubrir cuáles de los gags (como las mitades de coco) nacieron de la necesidad de soluciones alternativas de bajo presupuesto. La codirección por primera vez del actor en pantalla Terry Jones (quien solo dirigió esporádicamente después de que Python se separó) y el solitario estadounidense Terry Gilliam (quien transformó prolíficamente el estilo cinematográfico de Python en su propia marca única de fantasía de pesadilla) se mueve con una eficiencia surrealista. —Graham Techler
3. El irlandés
Año: 2019
Director: Martin Scorsese
Estrellas: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Jesse Plemons, Anna Paquin
Género: Crimen, Drama
Clasificación: R
Peggy Sheeran (Lucy Gallina) observa a su padre, Frank (Robert De Niro), a través de una puerta entreabierta mientras hace la maleta para un viaje de trabajo. Pantalones y camisas de ida, cada uno cuidadosamente metido y doblado contra el interior del equipaje. Entra el revólver de punta chata, la herramienta despiadada del oficio de Frank. No sabe que los ojos de su hija están puestos en él; ella es tranquila por naturaleza, y permanece así durante la mayor parte de su interacción como adultos. Cierra el caso. Ella desaparece detrás de la puerta. Su juicio persiste. La escena se desarrolla un tercio de la nueva película de Martin Scorsese, El irlandés ., llamado así por el apodo del mundo de la mafia de Frank, y se repite en su toma final, cuando Frank, viejo, decrépito y completamente solo, sin esperanza, abandonado por su familia y privado de sus amigos gánsteres a través del paso del tiempo, se sienta en su cama de hogar de ancianos. Tal vez esté esperando a la Muerte, pero lo más probable es que esté esperando a Peggy (interpretada como adulta por Anna Paquin), quien lo repudió y no tiene intención de perdonarle sus pecados. Peggy actúa como árbitro moral de Scorsese. Ella es una jueza dura: la película tiene una visión sombría del machismo expresado en el reino de la mafiosa y las tazas. Cuando los personajes principales de Scorsese no están tramando o pagando planes en actos de violencia, están haciendo berrinches, comiendo helado o, en un caso extremo, peleando a bofetadas en un derribo desesperadamente patético. Esta escena hace eco de escenas lamentables similares en Akira Kurosawa.Drunken Angel y Rashomon : peleas entre aspirantes a rudos temerosos de pelear, pero obligados a hacerlo por su propia bravuconería. El irlandés abarca desde la década de 1950 hasta principios de la de 2000, los años en que Frank trabajó para la familia criminal Bufalino, dirigida por Russell (Joe Pesci, retirado e intimidante). “Trabajar” significa asesinar a algunas personas, forzar a otras, incluso volar un auto o un edificio cuando la ocasión lo amerita. Cuando se libera del terrorismo del hampa, está en casa leyendo el periódico, viendo las noticias, arrastrando a Peggy a la tienda local para darle una paliza por empujarla. „Solo hice lo que deberías“, dice el pobre bastardo condenado antes de que Frank lo arrastre a la calle y le aplaste la mano contra la acera. el irlandéses una no ficción histórica, que relata la vida de Sheeran y, a lo largo de su vida, la vida de los Bufalino y sus asociados, en particular aquellos que murieron antes de tiempo (que son la mayoría de ellos). También es un retrato de la infancia a la sombra de la brutalidad desapasionada, y lo que una niña debe hacer para encontrar seguridad en un mundo definido por el derramamiento de sangre. —Andy Crump
4. No soy tu negro
Año: 2017
Director: Raoul Peck
Género: Documental
Calificación: PG-13
Raoul Peck se centra en el libro inacabado de James Baldwin, Remember This House , una obra que habría recordado a tres de sus amigos, Martin Luther King Jr., Malcolm X y Medgar Evers. Los tres hombres negros fueron asesinados con cinco años de diferencia, y en la película nos enteramos de que Baldwin no solo estaba preocupado por estas pérdidas como golpes terribles al movimiento por los derechos civiles, sino que se preocupaba profundamente por las esposas y los hijos de los hombres que fueron asesinados. asesinado. El dolor abrumador de Baldwin es tanto el tema de la película como su intelecto. Y entonces no soy tu negrono es solo un retrato de un artista, sino un retrato del duelo: cómo se ve, suena y se siente perder amigos, y hacerlo con todo el mundo mirando (y con tanto en Estados Unidos que se niega a entender cómo sucedió, y por qué seguirá sucediendo). Peck podría haber hecho poco más además de darnos este sentimiento, colocándonos de lleno en la presencia de Baldwin, y I Am Not Your Negro probablemente habría sido un éxito. Su decisión de alejarse del formato documental habitual, donde mentes respetadas comentan sobre un tema, crea una sensación de intimidad difícil de inspirar en películas como esta. El placer de sentarse con las palabras de Baldwin, y solo con sus palabras, es exquisito. No hay intérprete, nadie para explicar Baldwin sino Baldwin, y así es como debe ser. —Shannon M. Houston
5. La Naranja Mecánica
Año: 1971
Director: Stanley Kubrick
Intérpretes: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Adrienne Corri, Miriam Karlin
Clasificación: R
Duración: 136 minutos
Como ocurre con la mayoría (bueno, probablemente todas ) de las adaptaciones del libro a la pantalla de Stanley Kubric, A Clockwork Orange remezcla varios aspectos de la novela de Anthony Burgess, y probablemente para mejor (al menos Alex [un terriblemente eléctrico Malcolm McDowell] no es un pedófilo en la película de Kubrick, por ejemplo). Todavía es una sátira implacablemente viciosa que retrata a una sociedad permisiva de la cultura juvenil brutal, en la que la ciencia y la psicología modernas son las mejores contramedidas para combatir la Ultraviolencia™ que cometen hombres como Alex y sus compañeros „droogs“. Está dolorosamente claro que cuando el Ministro del Interior británico (Anthony Sharp) presenta a Alex como una víctima, ese (¡alerta de spoiler!) gana el mal. Cristo, ¿alguno de nosotros puede escuchar „Cantando bajo la lluvia“?lo mismo otra vez después de esta pesadilla? —Scott Wold
6. Gemas sin cortar
Año: 2019
Directores: Josh Safdie, Benny Safdie
Estrellas: Adam Sandler, Julia Fox, Eric Bogosian
Género: Thriller
Calificación: R
El propietario de una tienda exclusiva en el distrito de los diamantes de Nueva York, Howard Ratner (Adam Sandler) se las arregla bien para él y su familia, aunque no puede evitar apostar compulsivamente, debiendo a su cuñado Aron (Eric Bogosian, malévolamente viscoso ) una cantidad sustancial. Aún así, Howard tiene otros riesgos que equilibrar: su nómina está compuesta por Demany (Lakeith Stanfield), un buscador de clientes y productos, y Julia (Julia Fox, un faro inesperado en medio de la tormenta en su primer papel), una empleada con quien Howard está teniendo una aventura, „manteniéndola“ cómoda en su apartamento de Nueva York. Excepto el de su esposa (Idina Menzel, inmaculadamente hastiada) obviamente harta de su mierda, y mientras tanto él tiene una entrega especial que viene de África: un ópalo negro, la piedra que llegamos a conocer íntimamente en la primera escena de la película, que Howard estima que vale millones. . Luego, Demany trae a Kevin Garnett (como él mismo, sintonizado tan completamente con el tono de los hermanos Safdie) a la tienda el mismo día que llega el ópalo, lo que inspira una apuesta única para Howard, del tipo que cuadrarlo con Aron y algo más, así como una gran cantidad de cosas nuevas para aclarar. Sin duda, todo es estresante, realmente implacable, dolorosamente estresante, pero los Safdies, en su sexta película, parecen prosperar en la ansiedad, capturando la inercia de la vida de Howard y de las innumerables vidas que chocan con la suya, en toda su belleza corporal. . Justo antes de un juego, Howard le revela a Garnett su gran plan para un gran día de pago y le explica que Garnett lo obtendrá, ¿verdad? Que tipos como ellos están conectados a algo más grande, trabajando en una longitud de onda más alta que la mayoría, que así es como ganan. Él puede estar en algo, o puede estar sacando todo de su trasero, independientemente, siempre hemos sabido que Sandler lo tenía en él. Esto puede ser exactamente lo que teníamos en mente.—Dom Sinacola
7. Ella tiene que tenerlo
Año: 1986
Director: Spike Lee
Intérpretes: Tracy Camila Johns, Spike Lee, John Canada Terrell, Tommy Redmond Hicks
Género: Comedia, Romance
Clasificación: R
Una ópera prima explosivamente franca que inmediatamente anunció la nueva voz valiente y fresca de Lee en el cine estadounidense, She’s Gotta Have It , filmada como un documental, es una exploración sensata de una joven negra llamada Nola (Tracy Camilla Johns) que intenta decidir entre sus tres amantes masculinos, al mismo tiempo que coquetean con su aparente bisexualidad, para, ante todo, descubrir qué la hace feliz. Lo refrescante de la película es que Lee siempre plantea la posibilidad de que „ninguna de las anteriores“ sea una respuesta perfectamente viable tanto para Nola como para las mujeres solteras: un punto de inflexión en 1986. el realismo directo de la película. —Oktay Ege Kozak
8. El último bosque
Año: 2022
Director: Luiz Bolognesi
Calificación: NR
Un documental de 76 minutos del director Luiz Bolognesi y el coguionista/sujeto/líder yanomami Davi Kopenawa, The Last Forest combina apasionantes recreaciones mitológicas con imágenes de escenas de la vida para crear una mirada incisiva y perspicaz a una cultura indígena que se resiste a la corrupción: de la mente y el cuerpo, gracias a los productos químicos y al COVID-19, influencia de la codicia capitalista. En las selvas tropicales de Brasil, el atractivo del oro aún saca lo peor de los forasteros. A través de llamativos disparos empapados de verde y amarillo, y luego sumergidos en humo y sonido, Bolognesi prepara la escena mientras Kopenawa cuenta sus historias. Sus métodos se combinan para hacer The Last Forestuna protesta rítmica y liminal que te cautivará fácilmente con sus hábiles sensaciones. Pero las habilidades técnicas de Bolognesi para capturar el movimiento y el proceso no deben ignorarse, a pesar de la belleza a veces sutil de la película: ver un arco dibujar y soltar una flecha, o un niño acurrucado en una hamaca, es ingenioso y satisfactorio a través de su lente. En esa mezcla de practicidad y abstracción, realmente se siente como si Bolognesi y Kopenawa te dejaran entrar en sus vidas, y no hay mejor manera de generar empatía y respeto que esa.— Jacob Oller
9. Apocalipsis Ahora Redux
Año: 1979
Director: Francis Ford Coppola
Intérpretes: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Dennis Hopper, Laurence Fishburne
Clasificación: R
Duración: 206 minutos
Invoquemos a Truffaut, porque su espíritu se siente tan relevante para una discusión sobre la siniestra adaptación de Francis Ford Coppola de Heart of Darkness de Joseph Conrad como para una discusión sobre una película de guerra como Paths of Glory , y para considerar las películas de guerra en general. Tal vez, si tomamos la palabra de Truffaut, Apocalypse Now(y su versión remasterizada con 49 minutos más de imágenes que se transmiten en Netflix) no puede evitar respaldar la guerra simplemente a través del acto de recrearla como arte. Tal vez eso no impida que la película transmita las tesis impulsoras de Coppola: la guerra convierte a los hombres en monstruos, los lleva a un descenso a un estado mental primitivo y anárquico, y la guerra es en sí misma un infierno, una frase siniestra convertida ahora en cliché a fuerza de uso excesivo bruto entre 1979 y hoy. Si la película sanciona de forma innata la guerra mediante la representación, no sanciona el impacto de la guerra en la humanidad de sus participantes. De hecho, Apocalipsis ahorasigue siendo una de las ilustraciones más profundas del efecto corrosivo que tiene la violencia sancionada por la nación en el espíritu y la psique de una persona. Es lindo que 40 años después estemos de acuerdo con citar esta película en comerciales de AT&T terriblemente desagradables, o reutilizar su telón de fondo de época para hacer que King Kong suceda para el público contemporáneo por segunda vez, pero no hay nada lindo, o incluso todo. que citable, al respecto. Apocalypse Now chamusca, enferma y cicatriza, grabándose a sí mismo en nuestra memoria como solo las muestras más sombrías de la depravación humana realmente pueden hacerlo. —Andy Crump
10. Sigue
Año: 2015
Director: David Robert Mitchell
Intérpretes: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto, Jake Weary, Olivia Luccardi, Lili Sepe
Género: Terror
Calificación: R
El espectro de Old Detroit acecha It Follows . En un puesto de helados en ruinas en 12 Mile, en las casas estilo rancho de los años 60 de Ferndale o Berkley, en un juego de parchís jugado por adolescentes pálidos con acentos nasales, nada, si nunca has estado, nunca reconocerías la nostalgia rancia y gris que se cuela en todos los rincones de la aterradora película de David Robert Mitchell. Pero está ahí, y se siente como el sureste de Michigan. La música, la paleta de colores apagada pero extrañamente suntuosa, el anacronismo incesante: solo en estilo, Mitchell es un autor aparentemente surgido completamente del útero malsano de Metro Detroit. Ciclos y círculos completan concéntricamente It Follows, desde las reglas particularmente insulares de la trama de terror de la película, hasta la redondez juvenil y carnosa de los rostros y cuerpos de este pequeño grupo de personajes principales, sin dejar que la audiencia olvide que, en muchos sentidos, estas personas todavía son niños. En otras palabras, Mitchell es claro acerca de su historia: esto ha sucedido antes y volverá a suceder. Todo lo cual no funcionaría si Mitchell estuviera menos preocupado por crear una película genuinamente desconcertante, pero cada floritura estética, cada paneo completamente circular está esclavizado para insuflar vida morbosa a una sola imagen: alguien, cualquiera que se separa lentamente del fondo, de uno mismo. pesadillas, y caminando hacia ti, como si la Muerte misma fuera a aparecer sin previo aviso junto a ti en público, lista para robarte el aliento con poco o ningún aplomo. Inicialmente, Toda la presunción de Mitchell, transmitir una obsesión a través del coito, parece enterrar la política sexual conservadora bajo los tropos típicos de las películas de terror, proclamando ser una película de género progresista cuando funcionalmente no hace nada para promover nuestras ideas de la tarifa slasher. Fornicas, encuentras castigo por tu pecado flagrante y sin amor, ¿verdad? (La película tiene más en común con un porro de Judd Apatow de lo que cabría esperar). En cambio, Mitchell nunca juzga a sus personajes por hacer lo que prácticamente todos los adolescentes quieren hacer; simplemente pone al desnudo, a través de una alegoría compleja, las realidades del sexo adolescente. No hay una implicación de principios detrás de la intención de Mitchell; la conclusión fría de las relaciones sexuales es que, de alguna manera, estás compartiendo un cierto grado de tu físico con todos aquellos con quienes tu pareja ha compartido lo mismo.Sigue del reino del juego moral disfrazado a un cuento enfermizo y aterrador sobre la mayoría de edad. Del mismo modo, Mitchell entiende inherentemente que no hay prácticamente nada más inquietante que lo ordinario un poco fuera de lugar, confiando el verdadero horror de la película a los trucos que nuestra mente juega cuando nos olvidamos de revisar nuestra periferia. It Follows es una película que prospera en las fronteras, no tanto sobre el horror que salta frente a ti, sino sobre la ansiedad más profunda que espera al borde de la conciencia, hasta que, un día no muy lejano, está allí, recordándote que tu el tiempo es limitado y nunca estarás a salvo. Olvídese de los riesgos del sexo adolescente, It Follows es una metáfora penetrante para crecer. —Dom Sinacola
11. Bonnie y Clyde
Año: 1967
Director: Arthur Penn
Intérpretes: Warren Beatty, Faye Dunaway, Michael J. Pollard, Gene Hackman
Calificación: R
Duración: 111 minutos
Hubo un breve período en la historia del cine estadounidense justo después de que el público en general se cansara de los dramas y comedias mundanos y empalagosos de los años 60, pero antes de que los estudios descubrieran los beneficios lucrativos de franquicias como Tiburón y Star Wars que podrían acumular secuela tras secuela, recaudar ingresos por mercadería y garantizar un flujo constante de mucho dinero independientemente del mérito artístico. En ese pequeño y extraño intervalo, los ejecutivos de los estudios no tuvieron mejor idea que simplemente arrojar dinero a los directores talentosos y esperar tener suerte. Películas como Bonnie and Clyde de Arthur Penn poseen un tipo de realismo descarnado que es tan inteligente y sabio como la Nueva Ola francesa, pero infundido con el espíritu libre estadounidense que aún no había sido sofocado por una agenda corporativa.—ShaneRyan
12. Una película de policías
Año: 2021
Director: Alonso Ruizpalacios
Género: Documental
Calificación: R
Duración: 107 minutos
De las muchas tomas impactantes capturadas en el híbrido de docuficción A Cop Movie, uno transmite la esencia del examen del director Alonso Ruizpalacios de la fuerza policial de México como ningún otro. Después de atarse la muñeca a una cuerda larga y endeble, la aprendiz de la academia de policía Teresa se prepara para saltar de una plataforma de buceo de 30 pies a una piscina. Es el último desafío que debe superar para graduarse, el de la „decisividad“, pero representa una enorme amenaza para su vida ya que no sabe nadar, y su probable destino de ahogarse se contrarresta cruelmente manteniendo su muñeca atada a tierra. Curiosamente, Teresa resulta ser menos un sujeto documental y más un avatar para que Ruizpalacios analice la perspectiva civil de la fuerza policial del país. Presentada como el tema central honesto durante casi la mitad de la película, Teresa (que esbasado en una persona real) resulta ser interpretado por la actriz Mónica del Carmen, quien se ha moldeado hábilmente a sí misma en la imagen del oficial de la vida real, recreando recuerdos de sus días como estudiante de la academia a sus problemas laborales más recientes patrullando las calles de México. Ciudad. A su lado está el también actor Raúl Briones, quien interpreta a Montoya (también un chico real), la segunda mitad del dúo apodado “la patrulla del amor” por otros policías debido a su coqueta relación de pareja. Aunque inicialmente se presentan como dos oficiales que simplemente hacen lo mejor que pueden dentro de un sistema que se desmorona, la segunda mitad de la película deja en claro que estos sentimientos son solo proyecciones sesgadas de sus contrapartes de la vida real. A través de la elaboración cuidadosa de esta ilusión y luego revelando sigilosamente la hipocresía detrás de ella, A Cop Moviees sutil pero audaz en su acusación de la corrupción policial y los oficiales individuales que la compran, malditas sean sus buenas intenciones. — Natalia Keogan
13. El discípulo
Año: 2021
Director: Chaitanya Tamhane
Estrellas: Aditya Modak, Arun Dravid, Sumitra Bhave
Calificación: TV-MA
Duración: 128 minutos
Dedicar tu vida a algo (arte, pasión, religión) se nos vende como admirable, pero a menudo solo si cumple con nuestros ideales románticos de cómo es esa vida. ¿Es el éxito, por tardío o póstumo que sea, la justificación del esfuerzo? El escritor/director/editor Chaitanya Tamhane explora esta idea a través de la vida del cantante clásico indio Sharad Nerulkar (Aditya Modak), un ferviente intransigente criado por su padre amante de la música y las grabaciones del legendario cantante/gurú Maai (Sumitra Bhave). ¿Será reconocido por su grandeza, saliendo de las sombras? ¿O seguirá a su padre en la oscuridad tangencial? Fascinantes tomas largas que resuenan con el mismo tipo de riqueza que se encuentra en su gran variedad de taanes ondulantes de cantantes que nos permiten mucho espacio para disfrutar de la música y la devoción que se muestra; agudo, el humor negro acentúa la película contemplativa con golpes en la testarudez. La excelente actuación de Modok contiene una profundidad similar, todo escondido detrás de una tensión anhelante y una mirada inquebrantable. Encarna al artista insatisfecho, uno que ve el éxito a su alrededor en los tontos y los palurdos, aunque no puede considerar qué podría estar frenándolo. Es una actuación desgarradora, entrañable y espinosa, y que crea un retrato verdaderamente ganador. Incluso cuando avanza de manera tan constante y desapasionada como la motocicleta de Sharad, interpretación entrañable y espinosa, y que crea un retrato verdaderamente ganador. Incluso cuando avanza de manera tan constante y desapasionada como la motocicleta de Sharad, interpretación entrañable y espinosa, y que crea un retrato verdaderamente ganador. Incluso cuando avanza de manera tan constante y desapasionada como la motocicleta de Sharad,The Disciple contiene calidez para su artista central de sacos y su dedicación para nunca venderse.— Jacob Oller
14. El Maestro
Año: 2012
Director: Paul Thomas Anderson
Intérpretes: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Laura Dern
Género: Drama
Clasificación: R
El Maestro estudia a sus personajes con tanta mística, tragedia y humor que no hay un momento que no sea fascinante. El guionista/director Paul Thomas Anderson continúa con algunas de las tendencias estilísticas de su última película, There Will Be Blood ., pero también encuentra formas de asumir riesgos constantemente y tomar decisiones audaces que son completamente impredecibles. Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) y su religión, La Causa, obviamente están inspirados en L. Ronald Hubbard y Scientology, y ese vínculo fue el punto central de la cobertura de prensa previa al lanzamiento de la película. Los paralelismos entre las dos ideologías son ineludibles, pero no son el punto. Anderson nunca adopta el punto de vista de la religión/culto como un espectáculo de fenómenos. Incluso en un montaje brillante que representa una serie de ejercicios extenuantes que Freddie (Joaquin Phoenix) no puede o no quiere permitir que lo ilumine, la lucha personal está en primer plano. La extrañeza de los rituales es casi incidental. Phoenix ofrece la actuación de su carrera como un veterano de la Segunda Guerra Mundial empapado en alcohol con cicatrices mentales y físicas. Habiendo obtenido pocos beneficios de un curso intensivo psiquiátrico para soldados que regresan con problemas postraumáticos, se tambalea en un lugar hasta que debe huir a otro, obsesionado con el sexo y haciendo alcohol experimental. Anderson siempre ha sido un virtuoso visual y utiliza los detalles añadidos con un efecto soberbio. Dodd aparece por primera vez durante una toma de seguimiento de Freddie, visto en la distancia como una figura diminuta pero exuberante en un crucero, pequeño pero aún así el centro de atención. Freddie aún no conoce a Dodd, pero el barco lo llama. Eso podría deberse a que Dodd conoció a Freddie en una vida pasada, o podría deberse a que Freddie es un borracho desesperado que busca un lugar para esconderse. La gran tragedia de Freddie es que la explicación menos atractiva no le da ninguna respuesta, mientras que la otra le da la respuesta equivocada. — obsesionarse con el sexo y hacer alcohol experimental. Anderson siempre ha sido un virtuoso visual y utiliza los detalles añadidos con un efecto soberbio. Dodd aparece por primera vez durante una toma de seguimiento de Freddie, visto en la distancia como una figura diminuta pero exuberante en un crucero, pequeño pero aún así el centro de atención. Freddie aún no conoce a Dodd, pero el barco lo llama. Eso podría deberse a que Dodd conoció a Freddie en una vida pasada, o podría deberse a que Freddie es un borracho desesperado que busca un lugar para esconderse. La gran tragedia de Freddie es que la explicación menos atractiva no le da ninguna respuesta, mientras que la otra le da la respuesta equivocada. — obsesionarse con el sexo y hacer alcohol experimental. Anderson siempre ha sido un virtuoso visual y utiliza los detalles añadidos con un efecto soberbio. Dodd aparece por primera vez durante una toma de seguimiento de Freddie, visto en la distancia como una figura diminuta pero exuberante en un crucero, pequeño pero aún así el centro de atención. Freddie aún no conoce a Dodd, pero el barco lo llama. Eso podría deberse a que Dodd conoció a Freddie en una vida pasada, o podría deberse a que Freddie es un borracho desesperado que busca un lugar para esconderse. La gran tragedia de Freddie es que la explicación menos atractiva no le da ninguna respuesta, mientras que la otra le da la respuesta equivocada. — visto en la distancia como una figura diminuta pero exuberante en un crucero, pequeño pero aún así el centro de atención. Freddie aún no conoce a Dodd, pero el barco lo llama. Eso podría deberse a que Dodd conoció a Freddie en una vida pasada, o podría deberse a que Freddie es un borracho desesperado que busca un lugar para esconderse. La gran tragedia de Freddie es que la explicación menos atractiva no le da ninguna respuesta, mientras que la otra le da la respuesta equivocada. — visto en la distancia como una figura diminuta pero exuberante en un crucero, pequeño pero aún así el centro de atención. Freddie aún no conoce a Dodd, pero el barco lo llama. Eso podría deberse a que Dodd conoció a Freddie en una vida pasada, o podría deberse a que Freddie es un borracho desesperado que busca un lugar para esconderse. La gran tragedia de Freddie es que la explicación menos atractiva no le da ninguna respuesta, mientras que la otra le da la respuesta equivocada. —jeremy mateo
15. Crudo
Año: 2016
Directora: Julia Ducournou Intérpretes
: Garance Marillier, Ella Rumpf, Laurent Lucas
Género: Terror
Puntuación: R
Duración: 99 minutos
Si eres el orgulloso dueño de un retorcido sentido del humor, podrías decirles a tus amigos que Raw de Julia Ducournau es una „película sobre la mayoría de edad“ en un intento de engañarlos para que la vean. Sí, la protagonista de la película, la ingenua estudiante universitaria entrante Justine (Garance Marillier), alcanza la mayoría de edad en el transcurso de su tiempo de ejecución; va de fiesta, sale de su caparazón y aprende quién es realmente como una persona al borde de la edad adulta. Pero la mayoría de los niños que llegan a la mayoría de edad en las películas no se dan cuenta de que se han pasado la vida reprimiendo sin darse cuenta una necesidad innata y casi insaciable de consumir carne cruda. “Oye”, estás pensando, “¡ese es el nombre de la película!”. ¡Estás bien! ¡Está! Permitidle a Ducournau su descaro. Más que un guiño y un guiño a los detalles viscerales de la imagen, Rawes una concesión abierta a la calidad desgarradora del sombrío florecimiento de Justine. A pesar de lo desagradable que se vuelve la película, y de hecho se vuelve desagradable, las sensaciones más duras que Ducournau articula aquí tienden a ser las que no podemos detectar simplemente mirando: el miedo a la sexualidad femenina, los legados familiares, la política de popularidad y la incertidumbre del autogobierno . Los horrores tanto como la carne expuesta y ensangrentada. Es un gorefest que no ofrece disculpas y mucho más para masticar que sus efectos. —Andy Crump
16. Da 5 sangres
Año: 2020
Director: Spike Lee
Estrellas: Clarke Peters, Delroy Lindo, Norman Lewis, Isiah Whitlock Jr., Chadwick Boseman, Jonathan Majors
Género: Drama
Clasificación: R
La búsqueda del oro enterrado no termina bien ni transcurre sin contratiempos. El largo camino hacia la reconciliación, ya sea con el trauma, la familia o la identidad nacional, nunca está exento de obstáculos. Pegue estas verdades junto con los efectos de desgaste del racismo institucional, agregue innumerables referencias a la historia (historia estadounidense, historia de la música, historia del cine) y obtendrá Da 5 Bloods de Spike Lee , una película de acción de Vietnam de estilo clásico hecha en su visión cinematográfica. Como en BlackKkKlansman de 2018, Lee conecta los puntos entre el pasado y el presente, vinculando la lucha por los derechos civiles expresada en la objeción de conciencia y la protesta con la propia lucha de los Estados Unidos contemporáneos contra el fascismo sancionado por el estado. Después de comenzar con un montaje de eventos que comprenden y figuras que hablan en contra de la Guerra de Vietnam, a la que se hace referencia predominantemente como la Guerra de los Estados Unidos durante el resto de la película, Lee presenta cuatro de las cinco sangres: Otis (Clarke Peters), Paul (Delroy Lindo) , Eddie (Norm Lewis) y Melvin (Isiah Whitlock Jr.), veteranos de Vietnam en régimen de servidumbre, regresaron a Ciudad Ho Chi Minh aparentemente para encontrar y recuperar los huesos de su líder de escuadrón caído, Norman (Chadwick Boseman). Hay más, por supuesto, „más“ siendo alrededor de $ 17 millones en lingotes de oro plantados en suelo vietnamita, propiedad de la CIA pero reapropiada por los Bloods como reparación por su sufrimiento personal como hombres que luchan en una guerra por un país gobernado por personas que no se preocupan por sus derechos. Lee está en el apogeo de sus poderes cuando argumenta sin rodeos que durante tanto tiempo como ha pasado desde la conclusión de la Guerra de Vietnam, Estados Unidos sigue librando obstinadamente las mismas guerras contra su propio pueblo y, en realidad, contra el resto del mundo. Y Lee todavía está enojado y descontento con el status quo, siendo la opresión continua de los estadounidenses negros a través de la brutalidad policial, la supresión de votantes y la negligencia médica. En este contexto, Estados Unidos sigue librando obstinadamente las mismas guerras contra su propio pueblo y, en realidad, contra el resto del mundo. Y Lee todavía está enojado y descontento con el status quo, siendo la opresión continua de los estadounidenses negros a través de la brutalidad policial, la supresión de votantes y la negligencia médica. En este contexto, Estados Unidos sigue librando obstinadamente las mismas guerras contra su propio pueblo y, en realidad, contra el resto del mundo. Y Lee todavía está enojado y descontento con el status quo, siendo la opresión continua de los estadounidenses negros a través de la brutalidad policial, la supresión de votantes y la negligencia médica. En este contexto,La amplitud de Da 5 Bloods es casi necesaria. Como diría Paul: A la derecha. —Andy Crump
17. Crecer
Año: 2014
Director: Patrick Brice
Intérpretes: Mark Duplass, Patrick Brice
Género: Terror
Calificación: R
Creep es una pequeña película de terror independiente algo predecible pero alegremente demente, el debut como director de Brice, quien también estrenó The Overnight de este año . Protagonizada por el siempre prolífico Mark Duplass, es un estudio de personajes de dos hombres: un videógrafo ingenuo y un recluso psicótico no tan secreto, el último de los cuales contrata al primero para que documente su vida en una cabaña en el bosque. Se apoya enteramente en sus actuaciones, que son excelentes. Duplass, que puede ser encantador y chiflado en algo como Seguridad no garantizada, brilla aquí como el lunático trastornado que se mete a la fuerza en la vida del protagonista y lo persigue en cada momento de su vigilia. Los primeros momentos de ida y vuelta entre la pareja crepitan con una especie de intensidad incómoda. Cualquier experto en géneros sin duda verá a dónde va, pero es un viaje bien elaborado que tiene éxito gracias a la química entre sus dos protagonistas principales de una manera que me recuerda a las escenas entre Domhnall Gleeson y Oscar Isaac en Ex Machina . —Jim Vorel
18. El conjuro
Año: 2013
Director: James Wan
Intérpretes: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Ron Livingston, Lili Taylor
Género: Terror
Calificación: R
Que se sepa: James Wan es, en cualquier estimación justa, un director de películas de terror por encima del promedio como mínimo. El progenitor de series de mucho dinero como Saw e Insidious tiene una habilidad especial para crear terror populista que aún lleva una veta de su propia identidad artística, un regalo de Spielberg para lo que le habla a la audiencia de multicine sin sacrificar por completo la caracterización. Varias de sus películas se ubican justo fuera del top 100, si esta lista alguna vez se expandiera, pero no se puede negar que The Conjuring es el representante de Wan porque es, de lejos, el más aterrador de todos sus largometrajes. Recordándome la experiencia de ver Actividad Paranormal por primera vez en un múltiplex abarrotado,The Conjuring tiene una forma de subvertir cuándo y dónde esperas que lleguen los sustos. Su historia de casa embrujada/posesión no es nada que no hayas visto antes, pero pocas películas en esta obra en los últimos años han tenido la mitad del estilo que Wan imparte en una antigua y crujiente granja en Rhode Island. La película juega con las expectativas de la audiencia arrojándote grandes sustos sin las acumulaciones estándar de Hollywood Jump Scare, evocando simultáneamente las clásicas historias de fantasmas de la época dorada como The Haunting de Robert Wise . Su intensidad, trabajo de efectos y naturaleza implacable lo colocaron varios niveles por encima del horror PG-13 contra el que competía principalmente. Es interesante notar que El Conjuroen realidad recibió una calificación de „R“ a pesar de la falta de „violencia“ abierta, sangre o sexualidad. Simplemente era demasiado aterrador para negarlo, y eso es digno de respeto. —Jim Vorel
19. Hombre Ip
Año: 2008
Director: Wilson Yip
Intérpretes: Donnie Yen, Lynn Hung, Dennis To, Syun-Wong Fen, Simon Yam, Gordon Lam
Género: Acción
Calificación: R
Ip Man de 2008 marcó, finalmente, el momento en que Donnie Yen, verdaderamente excelente pero nunca justamente respetado, se hizo realidad, interpretando una versión vagamente biográfica del legendario gran maestro de Wing Chung y maestro de varios futuros maestros de artes marciales (uno de los cuales fue Bruce Lee). En Foshan (una ciudad famosa por las artes marciales en el sur/centro de China), un modesto practicante de Wing Chung intenta capear pacíficamente la invasión y ocupación japonesa de China en 1937, pero finalmente se ve obligado a actuar. Esta película semihistórica llena de acción rompedora de extremidades y pulverizadora de rostros, que tiene un éxito glorioso tanto como drama convincente como como cebo para los fanáticos de las artes marciales. — K. Alejandro Smith
20. La hija perdida
Año: 2021
Directora: Maggie Gyllenhaal
Intérpretes: Olivia Colman, Dakota Johnson, Jessie Buckley, Paul Mescal, Dagmara Dominczyk, Oliver Jackson-Cohen, Peter Sarsgaard, Ed Harris
Género: Drama
Clasificación: R
Duración: 124 minutos
En la playa en la que la estudiosa de literatura comparada Leda (Olivia Colman) holgazanea a lo largo de La hija perdida, los cielos son de un azul cristalino, las playas de un blanco brillante, el agua cálida y translúcida. Pero la orilla también está infestada de gente grosera y ruidosa; Fruto de Leda infectado por una podredumbre maligna; su dormitorio contaminado con chinches chirriantes; la muñeca de una niña corrompida por un líquido negro nocivo e insectos que se retuercen. Esta tensión tonal es sintomática del espíritu de la película: es una manzana brillante que se descompone rápidamente de adentro hacia afuera. La película tiene lugar durante un par de días mientras Leda se instala en unas lujosas vacaciones de trabajo. Sin embargo, su relajación se ve interrumpida cuando ve por primera vez a Nina (Dakota Johnson), una hermosa e inescrutable joven madre. Leda se obsesiona con Nina, ya que esta última sin darse cuenta resurge recuerdos inquietantes de las experiencias angustiosas de Leda como madre. A partir de ese momento, los recuerdos inquietantes de Leda impregnanla hija perdidahasta que la manzana esté completamente negra. Si bien la narrativa en sí, adaptada de la novela del mismo nombre de Elena Ferrante de 2006, es relativamente sencilla, la directora debutante Maggie Gyllenhaal, quien también escribió el guión, aborda temas de sexismo internalizado y externalizado con agilidad y complejidad. El sutil y complejo estado mental de Leda no habría sido posible transmitir si no fuera por la extraordinaria sensibilidad visual de Gyllenhaal. Las luchas de Leda son en gran parte internas, pero confío en que la narración excepcionalmente táctil de Gyllenhaal dice mucho más de lo que podrían decir las palabras. Cuando Leda acaricia la mugrienta muñeca de Elena, su toque es suave y de alguna manera lleno de arrepentimiento. Cuando desliza un alfiler en el sombrero de Nina, suena siniestro como una espada desenvainada, pero su colocación cuidadosa es casi sensual. Y cuando una Leda más joven corta la pulpa de una naranja, su corte suave y discreto casi se siente siniestro. La extraordinaria dirección de Gyllenhaal, junto con las actuaciones excepcionales deLas actrices principales de The Lost Daughter culminan en una tormenta perfecta que produce un retrato astuto de las dolorosas expectativas de la feminidad.— Aurora Amidon
21. Perdí mi cuerpo
Año: 2019
Director: Jérémy Clapin Intérpretes
: Hakim Faris Hamza, Victoire Du Bois, Patrick d’Assumçao
Género: Animación, Drama
Clasificación: TV-MA
Duración: 81 minutos
Mientras estamos a bordo, al menos de forma pasiva, por la cantidad de secuelas que Pixar quiera dar a Toy Story , paciente por el tiempo que tome otra, Perdí mi cuerpoes una película de animación singular, cada vez más de esas que, francamente, ya no se hacen. En parte porque las características dibujadas a mano hechas por pequeños estudios son más raras que nunca, pero sobre todo porque es una película animada desafiantemente para adultos, envuelta en una narración oblicua y llena de dolor. Aparentemente sobre una mano antropomórfica que sube y se desliza por la ciudad para encontrar a la persona a la que alguna vez estuvo unida (la historia de cómo se corta lentamente sale a la luz), la belleza de las imágenes del director Jérémy Clapin, a menudo delineadas en suciedad y decadencia, es en lo reveladores que pueden ser cuando están atados tan irrevocablemente a la perspectiva de una pequeña mano que navega tanto en su naciente vida en el traicionero subsuelo urbano como en los traumáticos recuerdos del pasado de su cuerpo anfitrión. Perdí mi cuerpoes un logro sin pretensiones, silenciosamente desgarrador, uno que la Academia necesita priorizar ahora más que nunca sobre la tarifa de gran estudio que se espera competente. —Dom Sinacola
22. Cristina
Año: 2016
Director: Antonio Campos
Intérpretes: Rebecca Hall, Michael C. Hall, Tracy Letts, Maria Dizzia, J. Smith-Cameron, John Cullum, Timothy Simons
Género: Drama
Clasificación: R
¿Por qué la periodista de televisión Christine Chubbuck se quitó la vida frente a la cámara en 1974? La brillantez de este drama de Antonio Campos es que intenta responder a esa pregunta sin dejar de respetar la enormidad y el desconocimiento de un acto tan violento y trágico. Rebecca Hall es trascendental como Christine, una mujer profundamente infeliz cuya ambición nunca ha igualado su talento, y la actriz es increíblemente comprensiva en el papel. A medida que nos acercamos a la inevitable muerte de Christine, llegamos a comprender que Christine no es una novela morbosa, sino una mirada compasiva a la desigualdad de género y la soledad. —Tim Grierson
23. ¡Culpa!
Año: 2017
Director: Hiroyuki Seshita
Estrellas: Sora Amamiya, Kana Hanazawa, Takahiro Sakurai
Género: Anime, Ciencia ficción
Calificación: TV-14
Cuando se trata de ciencia ficción industrial oscura, Tsutomu Nihei es un visionario. Formado como arquitecto antes de seguir una carrera como autor de manga, el arte de Nihei es a la vez escaso y laberíntico, su cuerpo de trabajo se define por una obsesión unificadora con los espacios inventados. Fábricas bizantinas con acentos góticos que se extienden a través de abismos imposibles, pobladas por sintoides de piernas arqueadas y depredadores macabros que pregonan espadas de hueso dentadas y pistolas de cartílago pulsante. Su primera y más famosa serie, Blame!, es considerado el texto clave en el legado estético de Nihei, llegando incluso a inspirar todo, desde los videojuegos hasta la música, e incluso el arte y la moda. Se han realizado intentos anteriores para adaptar la serie a un anime, aunque ninguno ha podido materializarse con éxito. Es decir, hasta ahora. Con el apoyo de Netflix, Hiroyuki Seshita de Polygon Pictures ha entregado ese tan esperado Blame! película. Ambientado en una Tierra del futuro lejano consumida por una superestructura masiva autorreplicante conocida como ‚La Ciudad‘, ¡Blame!sigue a Killy, un solitario taciturno, que deambula por las capas del planeta en busca de un ser humano que posea el ‚gen terminal de la red‘, un rasgo esquivo que se cree que es el único medio para detener la expansión hostil perpetua de la ciudad. Con un guión escrito por Sadayuki Murai, famoso por escribir en series como Cowboy Bebop y Perfect Blue de Satoshi Kon., y supervisada por el mismo Nihei, la película de Seshita abrevia gran parte de los primeros capítulos del manga y simplifica la historia en un asunto mucho más narrativo e impulsado por la acción. El director de arte Hiroshi Takiguchi replica hábilmente la estética distintiva de Nihei, logrando en color lo que antes era solo monocromático, mientras que Yuki Moriyama mejora hábilmente los diseños de personajes uniformes del original, impartiendo a sus actores rasgos y siluetas distintas y fácilmente identificables que mejoran en gran medida la capacidad de análisis de la historia. . ¡Culpa! es una adaptación lo más fiel posible y una introducción tan adecuada a la serie como el manga mismo. ¡Culpa!construye un caso sólido por ser no solo una de las películas de anime más entretenidas conceptualmente de los últimos tiempos, sino también por ser una de, si no la mejor película de anime original para honrar a Netflix en mucho tiempo. —Toussaint Egan
24. gángster americano
Año: 2007
Director: Ridley Scott
Intérpretes: Denzel Washington, Russell Crowe, Chiwetel Ejiofor, Cuba Gooding Jr., Josh Brolin
Calificación: R
Duración: 156 minutos
Con American Gangster , Ridley Scott se remonta al estilo más mesurado de hacer cine evidenciado en su definitorio documento de ciencia ficción Blade Runner .. Las habilidades de construcción de mundos del director, nunca en duda, están a la vista cuando recrea el Harlem de mediados de los 70. Pero su narración una vez más prioriza el carácter sobre la acción rápida. Denzel Washington y Russell Crowe, con la ayuda de un talentoso elenco de apoyo, iluminan la pieza de este actor, convirtiendo al público en una delicia tras otra. Washington es Frank Lucas, una vez la mano derecha de un señor del crimen de Harlem y, finalmente, el traficante de heroína más poderoso e independiente de la ciudad de Nueva York. Criminal o no, Lucas define el sueño americano. Crowe es Ritchie Roberts, un policía demasiado honesto con licencia para crear una unidad antidrogas independiente, y se sumerge en Roberts, mostrando sus considerables habilidades en cada cuadro. Mientras tanto, Josh Brolin, Chiwetel Ejiofor, Ted Levine y Armand Assante contribuyen con una fuerza y credibilidad únicas. Scott incluso hace que TI y RZA parezcan actores. Pero la película pertenece a Washington y Crowe; el primero frío y amenazador, el segundo desplomado y despeinado. Cuando finalmente chocan, la película se dispara a toda marcha. De principio a fin,American Gangster crepita con solo actuaciones que hacen que el cine de género parezca arte.— Russ Fischer
25. Atenea
Fecha de estreno: 23 de septiembre de 2022
Director: Romain Gavras
Estrellas: Dali Benssalah, Sami Slimane, Anthony Bajon, Ouassini Embarek, Alexis Manenti
Calificación: R
Duración: 97 minutos
Ha pasado más de una década desde que Romain Gavras llenó su crudo video musical de „No Church in the Wild“ con Molotovs, caballos policiales robados y escudos antidisturbios pateados, motivos visuales de actos heroicos de protesta, y lo único que ha cambiado es nuestra familiaridad con el secuelas. La rabia detrás de estas imágenes aún arde, pero sabemos el frío consuelo que queda cuando las brasas finalmente se apagan. Sin embargo, lo único que se puede hacer es volver a encender el fuego, lo que Gavras hace en el fascinante y vital Athena .. Una epopeya de guerra entre el pueblo y el estado, atraviesa un movimiento de resistencia de base como un incendio forestal: cegador, peligroso, que lo consume todo. La zona de guerra es Athena, un proyecto de vivienda francés, donde la tragedia ha reunido a una comunidad, formada a partir de una familia. Idir, de 13 años y el menor de cuatro hermanos, Karim (Sami Slimane), Abdel (Dali Benssalah) y Moktar (Ouassini Embarek), ha sido asesinado a golpes por la policía. Alguien lo grabó en su teléfono. Pero descubrimos esto en fragmentos salpicados de exposición, convertidos en confeti y flotando en el aire lleno de humo. Nuestra atención inmediata está en Karim, liderando un grupo de vecinos en chándal y jóvenes afines, asaltando una estación de policía. La escena de apertura, la primera de muchas hazañas increíbles de planificación, trabajo de cámara y operación de drones, te hará vibrar a través de tu asiento.La apertura de Athena es una de las mejores del año, una pieza de acción implacable, que levanta los puños, aprieta la mandíbula y pone la piel de gallina que no se detiene hasta que estás completamente radicalizado. Es entonces cuando comienzas a mirar a través del estilo, viendo cómo refleja las personalidades de sus personajes en perspectiva. Hay una razón por la que Athena se siente como un ataque al corazón en movimiento. Hay dolor y pánico. Tu frecuencia cardíaca no se dispara solo por la prisa. Pero hasta que nos demos cuenta de eso, Karim y su equipo protagonizan una epopeya arrolladora a gran escala: un moderno 1917 donde la horrible euforia de la guerra ha vuelto a casa. Ateneano está aquí por sutilezas. Está aquí para sacarte los tambores de los oídos, los párpados de los ojos, el plomo de los zapatos. Con tomas que comienzan en “jodidamente increíble” y se disparan hacia “im-jodidamente posible”, su grandiosa visión apunta a definir un símbolo internacional de la modernidad: la protesta como guerra. Benssalah y Slimane, más gradientes políticos que personas, nos guían a lo largo de la creación de mitos hasta que comprendemos por completo el absurdo de que Atenea sea tanto el Dios de la sabiduría como el de la guerra. Pero, como canta Frank Ocean en “No Church in the Wild”, ¿qué es un Dios para un no creyente? Athena se enciende brillante y rápido, grabando su inolvidable grito de batalla en la pantalla durante solo 99 minutos. Su acción idealista permanecerá contigo por mucho más tiempo.— Jacob Oller
26. Dick Johnson está muerto
Año: 2020
Directora: Kirsten Johnson
Intérpretes: Kirsten Johnson, Dick Johnson
Género: Documental
Clasificación: PG-13
Si todo gran documental trata sobre la responsabilidad de la observación, Cameraperson de Kirsten Johnson también trata sobre la fragilidad de esa observación. Con su seguimiento, Dick Johnson Is DeadJohnson continúa cuestionando esa fragilidad, elaborando una oda profundamente personal a aquello sobre lo que no tiene control: la muerte de su padre. Ayuda que Dick Johnson sea un alma meliflua, un hombre incesantemente cálido y radiante rodeado de amigos, colegas y conocidos que todos lo aman de manera uniforme y genuina, pero desde sus primeras tomas, Johnson deja en claro que la naturaleza maravillosa de su padre solo hará decir adiós a él que mucho más difícil. Y el momento en que debe hacerlo se cierne cada vez más cerca. Su ímpetu, reconoce a regañadientes, es en parte egoísta, ya que decide ayudar a su padre a familiarizarse con el final de su vida, recreando en espléndidas viñetas cinematográficas las muchas formas en que podría salir, desde la caída de la unidad de aire acondicionado, hasta las uñas festoneadas. 2 × 4 en la cara, en tu caída normal y corriente por las escaleras, repleta de cuello roto. Cuanto más se pierde Johnson en el proyecto, dedicando más esfuerzo a consultar a los dobles de riesgo, a los directores de arte y a una variedad de miembros del equipo que a su propio padre (sentado pacíficamente en el set, generalmente durmiendo la siesta, sin ser una gran molestia), más se da cuenta de que puede estar explotar a alguien a quien ama, alguien que está comenzando a mostrar signos alarmantes de demencia y que ya no puede comprender completamente el alto concepto que una vez aceptó, para aliviar su propia ansiedad. A medida que la memoria de su padre se disipa junto con su capacidad para cuidar de sí mismo, cuanto más se da cuenta de que puede estar explotando a alguien a quien ama, alguien que está comenzando a mostrar los signos alarmantes de la demencia y que ya no puede comprender completamente el alto concepto con el que una vez estuvo de acuerdo, para aliviar su propia ansiedad. A medida que la memoria de su padre se disipa junto con su capacidad para cuidar de sí mismo, cuanto más se da cuenta de que puede estar explotando a alguien a quien ama, alguien que está comenzando a mostrar los signos alarmantes de la demencia y que ya no puede comprender completamente el alto concepto con el que una vez estuvo de acuerdo, para aliviar su propia ansiedad. A medida que la memoria de su padre se disipa junto con su capacidad para cuidar de sí mismo,Dick Johnson Is Dead satisface menos la necesidad de Dick de preservar algún sentido de la inmortalidad que la necesidad de su hija, toda nuestra necesidad, de dejar ir. —Dom Sinacola
27. mandarina
Año: 2015
Director: Sean Baker Intérpretes
: Alla Tumanian, Mya Taylor, Karren Karagulian
Calificación: R
Duración: 87 minutos
Uno de los mejores del cineasta Sean Baker, TangerineLa fábula de las trabajadoras sexuales navideñas que navegan por el amor y la pérdida en Hollywood es todo por lo que el gran indie es conocido: íntimo, cálido, tonto, sincero y lo suficientemente sucio. Filmada íntegramente en iPhones, esta subversiva película festiva celebra a la familia encontrada en tiendas de donas, lavanderías y baños de bares. Nos recuerda que, a veces, el mejor regalo de todos es un amigo que te presta su peluca mientras la tuya está en el lavado. Kitana Kiki Rodríguez y Mya Taylor llevan la película en toda su complejidad emocional y tonal, mientras que el interés compasivo de Baker por la gente que se encuentra fuera de los márgenes hace que el estilo guerrillero del cine parezca más amoroso que explotador. Acercarse a sus sujetos con empatía y darles tanto espacio para absorbernos en su mundo, está completamente dentro del espíritu navideño, incluso si un encuentro sexual en un lavado de autos podría no ser tan saludable como algo de Jimmy Stewart. Pero para cierto tipo de persona, y paraEl tipo muy seguro de amistad de Tangerine , „Feliz Nochebuena, perra“, es todo lo que se necesita decir. —Jacob Oller
28. Lamento molestarte
Año: 2018
Director: Boots Riley
Estrellas: Lakeith Stanfield, Tessa Thompson, Armie Hammer, Stephen Yeun, Patton Oswalt, David Cross, Terry Crews, Danny Glover
Calificación: R
Duración: 105 minutos
Sorry to Bother You tiene tantas ideas saliendo de cada costura, tanta ambición, tantas cosas que quiere decir con tanta urgencia, que se siente casi grosero señalar que la película termina gloriosamente fuera de control. Esta es la primera película del rapero y productor Boots Riley, y muestra, en todas las formas posibles (buena, mala, increíble, ridícula), como si él no supiera si alguna vez podría hacer otra, así que lanzó cada idea que alguna vez tuvo en esto. Hay momentos en Perdón por molestarteeso hará que quieras saltar vertiginosamente por el teatro. También hay momentos que te harán preguntarte quién en el mundo le dio una cámara a este lunático. (Algunos de esos momentos también son bastante vertiginosos). El primero supera con creces al segundo. Lakeith Stanfield interpreta a Cassius, un tipo de buen corazón que siente que su vida se le está escapando y, por lo tanto, prueba suerte en el telemercadeo, y falla en ello (en una serie de escenas fantásticas en las que su escritorio literalmente cae en las casas de quienquiera que esté). está marcando) hasta que un colega (Danny Glover, interesante hasta que la película lo descarta por completo) le recomienda usar su „voz blanca“ en las llamadas. De repente, Stanfield suena exactamente como David Cross en su forma más nasal y se ha convertido en una superestrella en la compañía, lo que lo lleva „arriba“, donde los „superllamadores“ como él van tras los líderes de Glengarry. Ese es solo el punto de partida: en todo momento, conocemos a un empresario tipo Tony Robbins (Armie Hammer) que también podría ser un traficante de esclavos, la novia artista radical de Cassius (Tessa Thompson), que usa aretes con tantos lemas que es un milagro que ella puede levantar la cabeza, y un compañero de trabajo revolucionario (Stephen Yeun) que intenta irritar a los trabajadores para que se rebelen contra sus amos. También hay muchas otras personas, y solo algunas de ellas son completamente humanas. Es toda una película. También hay muchas otras personas, y solo algunas de ellas son completamente humanas. Es toda una película. También hay muchas otras personas, y solo algunas de ellas son completamente humanas. Es toda una película.—Will Leitch
29. RRR
Año: 2022
Director: SS Rajamouli
Estrellas: NT Rama Rao Jr., Ram Charan, Ajay Devgn, Alia Bhatt, Shriya Saran, Samuthirakani, Ray Stevenson, Alison Doody, Olivia Morris
Calificación: NR
Duración: 187 minutos
Una epopeya en telugu que rivaliza incluso con las travesuras exageradas de los grandes éxitos de taquilla anteriores del escritor/director SS Rajamouli (las dos películas de Baahubali ), RRREl título entrañablemente repetitivo y simple refleja un jugueteo de tres horas a través de la historia colonial india llena de los placeres primarios de la hermandad y los bailes. Casi caricaturescamente política, su historia de los mejores amigos Alluri Sitarama Raju (Ram Charan) y Komaram Bheem (NT Rama Rao Jr.) se centra en contrastes superficiales que enmascaran similitudes profundas. Basado en dos revolucionarios superheroicos, que nunca, pero deberían haberlo hecho, salvaron a un niño haciendo bungee simultáneamente en una motocicleta y un caballo amarrados en lados opuestos de un puente, los héroes enfrentados representan los polos rurales y urbanos que se oponen a los colonizadores británicos. Caricaturas del rompecorazones urbano y la bestia noble del bosque, las dos encarnaciones del orgullo cultural que luchan contra las bestias generadas por ordenador, británicos ridículos y entre ellos, aunque no puedes evitar esperar que terminen abrazándose fuertemente. (Hacen sentadillas mientras se montan a cuestas. Vamos.) Su amistad de ida y vuelta, relucientemente homoerótica, camina por una cuerda floja narrativa tensa, pero con el cine maximalista de la película como su barra de equilibrio. Una banda sonora fenomenalmente vibrante y con una redacción divertida acompaña algunas de las secuencias de acción más rimbombantes del año y encantadoras escenas de baile sin despeinarse ni un solo bigote. Los dos protagonistas fornidos e hipermasculinos abarcan la comedia muda, la destreza musical de canto y baile y la elegante coreografía de lucha como el tipo de estrellas que lo hacen todo que ya no tenemos en los EE. UU. A medida que su camino moralmente turbulento se enfurece contra la maldad pura de los crueles opresores blancos, cualquier duda de que Vamos.) Su amistad de ida y vuelta, relucientemente homoerótica, camina por una cuerda floja narrativa tensa, pero con el cine maximalista de la película como su barra de equilibrio. Una banda sonora fenomenalmente vibrante y con una redacción divertida acompaña algunas de las secuencias de acción más rimbombantes del año y encantadoras escenas de baile sin despeinarse ni un solo bigote. Los dos protagonistas fornidos e hipermasculinos abarcan la comedia muda, la destreza musical de canto y baile y la elegante coreografía de lucha como el tipo de estrellas que lo hacen todo que ya no tenemos en los EE. UU. A medida que su camino moralmente turbulento se enfurece contra la maldad pura de los crueles opresores blancos, cualquier duda de que Vamos.) Su amistad de ida y vuelta, relucientemente homoerótica, camina por una cuerda floja narrativa tensa, pero con el cine maximalista de la película como su barra de equilibrio. Una banda sonora fenomenalmente vibrante y con una redacción divertida acompaña algunas de las secuencias de acción más rimbombantes del año y encantadoras escenas de baile sin despeinarse ni un solo bigote. Los dos protagonistas fornidos e hipermasculinos abarcan la comedia muda, la destreza musical de canto y baile y la elegante coreografía de lucha como el tipo de estrellas que lo hacen todo que ya no tenemos en los EE. UU. A medida que su camino moralmente turbulento se enfurece contra la maldad pura de los crueles opresores blancos, cualquier duda de que Una banda sonora fenomenalmente vibrante y con una redacción divertida acompaña algunas de las secuencias de acción más rimbombantes del año y encantadoras escenas de baile sin despeinarse ni un solo bigote. Los dos protagonistas fornidos e hipermasculinos abarcan la comedia muda, la destreza musical de canto y baile y la elegante coreografía de lucha como el tipo de estrellas que lo hacen todo que ya no tenemos en los EE. UU. A medida que su camino moralmente turbulento se enfurece contra la maldad pura de los crueles opresores blancos, cualquier duda de que Una banda sonora fenomenalmente vibrante y con una redacción divertida acompaña algunas de las secuencias de acción más rimbombantes del año y encantadoras escenas de baile sin despeinarse ni un solo bigote. Los dos protagonistas fornidos e hipermasculinos abarcan la comedia muda, la destreza musical de canto y baile y la elegante coreografía de lucha como el tipo de estrellas que lo hacen todo que ya no tenemos en los EE. UU. A medida que su camino moralmente turbulento se enfurece contra la maldad pura de los crueles opresores blancos, cualquier duda de queRRR es un mito moderno que se desvanece en las sombras de la jungla. Rebosante de símbolos, taquigrafías políticas y estereotipos de todo tipo, RRR sube, ruge y se rebela con poder cinematográfico puro y suficiente densidad fascinante como para merecer ser visto y discutido una y otra vez.— Jacob Oller
30. No es otra película para adolescentes
Año: 2001
Director: Joel Gallen
Intérpretes: Chris Evans, Jaime Pressly, Randy Quaid
Género: Comedia
Clasificación: R
Es posible que Chris Evans haya pasado a cosas más grandes y mejores, pero su actuación extremadamente modesta como un atleta engañado en la parodia del subgénero Not Another Teen Movie fue un pico temprano para el Capitán América. Reforzado por un montón de líneas citables y una estética cortada por expertos del director y elemento básico de Comedy Central, Joel Gallen, Not Another Teen Movie es una respuesta hilarante y mordaz a la ola de enrevesadas comedias sexuales para adolescentes que se desarrollaron desde los años 80 hasta 2001. liberar. Básicamente, esta película le hizo a las comedias románticas adolescentes lo que Walk Hard: The Dewey Cox Storyhizo con biopics musicales: la parodia es tan buena que, después de verla, es difícil tomar en serio las entradas serias. Atrevida pero nítida, la película se extiende a horcajadas sobre lo bajo y lo alto con mucho éxito, con una Molly Ringwald cabreada que culmina todo en un cameo perfecto.— Jacob Oller
31. Mirai
Año: 2018
Director: Mamoru Hosoda Intérpretes
: Haru Kuroki, Moka Kamishiraishi, Gen Hoshino
Género: Anime, Fantasía
Clasificación: PG
La mayoría, si no todas, las películas originales de Mamoru Hosoda producidas en la última década funcionan, en mayor o menor medida, como ejercicios de autobiografía. Summer War , aparte de una premisa más o menos reciclada del debut como director de Hosoda en 2000, Digimon Adventure: Our War Game! , fue la historia muchas veces eliminada de Hosoda conociendo a la familia de su esposa por primera vez. Wolf Children de 2012 se inspiró en el fallecimiento de la madre de Hosoda, animada en parte por las ansiedades y aspiraciones ante la perspectiva de su propia paternidad inminente. The Boy and the Beast de 2015 se completó justo después del nacimiento del primer hijo de Hosoda, producto de sus propias preguntas sobre qué papel debería desempeñar un padre en la vida de su hijo. Mirai, la séptima película del director, no es de la propia experiencia de Hosoda, sino filtrada a través de las experiencias de su hijo primogénito conociendo a su hermanito por primera vez. Contada desde la perspectiva de Kun (Moka Kamishiraishi), un niño pequeño que se siente desplazado e inseguro tras el nacimiento de su hermana Mirai, Mirai es un hermoso drama de aventuras y fantasía que lleva al espectador a una deslumbrante odisea a través del árbol genealógico completo de Kun, que culmina en una conmovedora conclusión que enfatiza la belleza de lo que significa amar y ser amado. Mirai es la película más lograda de Hosoda, la ganadora de la primera nominación al Premio de la Academia por una película de anime no producida por Studio Ghibli, y una experiencia tan edificante como un placer para la vista. —Toussaint Egan
32. holgazanes
Año: 2018
Director: Sandi Tan
Género: Documental
Calificación: NR
Duración: 96 minutos
Dar sentido al pasado de uno puede ser tanto una tarea de toda la vida como una propuesta espinosa. En Shirkers , la novelista Sandi Tan logra el más complicado de los esfuerzos, dirigiendo un documental sobre sí misma que no es empalagoso ni vergonzoso. Muy por el contrario, su película es refrescantemente sincera y autocrítica: ella puede ser la estrella del espectáculo, pero tiene una historia que contar y la perspectiva correcta para enmarcarla adecuadamente. Tan narra el documental como una pieza de memoria, contando su infancia en Singapur con su mejor amiga Jasmine, donde eran los dos niños geniales en su bonita escuela cuadrada, soñando con ser cineastas y dejar su huella. Para promover esa ambición, colaboraron con otra amiga, Sophia, en una road movie surrealista llamada Shirkers., que sería dirigida por el mentor de Tan, un maestro mayor llamado Georges que se comportaba como alguien que sabía manejar una cámara de cine. En su adolescencia tardía y tal vez enamorada de este hombre que le mostró tanta atención (el documental es cauteloso sobre el tema), Tan estaba intoxicada por la emoción de hacer una película que ella escribió y de la que sería la estrella. Entonces, ¿cómo es que nunca lo hemos visto? El documental sigue el extraño y misterioso viaje del proyecto, que fue asaltado por Georges que se escabullía con los rollos de película con la vaga promesa de terminar el trabajo. Eso nunca sucedió, y 20 años después, Tan decide abrir esas viejas heridas, conectándose con sus viejos amigos e intentando determinar qué fue de Georges. Escenas de la película inacabada aparecen en Shirkers, informando a la audiencia sobre el hecho de que habrá una resolución feliz para la búsqueda de Tan. Pero el documental termina siendo menos sobre rastrear los botes de película que una exploración de la nostalgia, la amistad y el encanto de los mentores. Tan es una compañía animada y modesta en todo momento, su voz tiene el matiz sardónico justo, pero sus visitas a Jasmine y Sophia son particularmente encantadoras y esclarecedoras, lo que sugiere cómo los amigos de toda la vida pueden vernos de una manera que nosotros no podemos. —Tim Grierson
33. Su casa
Año: 2020
Director: Remi Weekes
Estrellas: Wunmi Mosaku, Sope Dirisu, Matt Smith
Género: Terror
Calificación: NR
Nada absorbe la energía del horror como las películas que se abstienen del horror. Las películas pueden asustar al público de varias maneras, por supuesto, pero lo mínimo que una película de terror puede ser es dar miedo en lugar de joder. His House de Remi Weekes no se anda con rodeos. La película comienza con una tragedia, y dentro de los 10 minutos posteriores a esa apertura supera fácilmente a The Grudge al dejar fantasmas esparcidos en el piso y en las escaleras donde sus protagonistas pueden tropezar con ellos. En última instancia, esta es una película sobre el ineludible dolor innato de las historias de inmigrantes, una pieza complementaria del cine independiente contemporáneo como Mediterranea de Jonas Carpignano., que captura los peligros que enfrentan los inmigrantes en el camino y en sus destinos con brutal claridad neorrealista. Weekes está profundamente interesado en Bol y Rial como personas, en de dónde vienen, qué los llevó a irse y, sobre todo, qué hicieron para irse. Pero Weeks está igualmente comprometido en hacer que sus espectadores salten de su piel. —Andy Crump
34. Los hermanos Sparks
Año: 2021
Director: Edgar Wright
Género: Documental
Calificación: R
Duración: 135 minutos
The Sparks Brothers es una evaluación y apreciación completa y encantadora de una banda idiosincrásica, y el mayor elogio que se le puede dar es que comparte una sensibilidad con sus músicos inimitables. No es una tarea fácil cuando se trata de Ron y Russell Mael. Los hermanos californianos han estado ejecutando Sparks desde finales de los años 60 (sí, los años 60), saltando a través de los géneros tan rápido como sus letras hacen y descartan chistes. Glam rock, disco, pioneros electrónicos, e incluso cuando se sumergen en los rincones más experimentales y orquestales de sus intereses musicales, mantienen un genio constante del power pop reforzado por las flautas de Russell y las teclas pegadizas de Ron. Es aquí, en el increíble rango pero con la personalidad solidificada de Sparks, que rápidamente comienzas a entender que The Sparks Brotherses el matrimonio de dos sujetos perfectos que comparten una misión. Ron y Russell, expertos en una forma de arte que se interesan mutuamente, se vinculan con el director Edgar Wright por un irónico deseo de divertirse y convertirlo en arte también. Uno hizo una trilogía de parodias que se destaca en sus géneros individuales (películas de zombis, policías, ciencia ficción). Los otros hicieron canciones subversivas como „Music That You Can Dance To“ que logran igualar (y a menudo superar) los mismos bops que hacen razz. Sus poderes combinados, The Sparks Brothersse convierte en un documental musical consciente de sí mismo y profundamente serio. Slapstick, con una amplia gama de clips de películas antiguas que dan puñetazos y caídas, y gags visuales sacan de quicio a sus impresionantes cabezas parlantes cada vez que sueltan un cliché de documental musical más gruñón. „¿Empujar el sobre?“ Espere ver un tira y afloja postal entre los Maels. Este sentido del humor, que aprecia la fruta más tonta y la referencia más alta, proviene de la admiración de los hermanos por cineastas franceses seriamente poco serios como Jacques Tati (con quien Sparks casi hizo una película; recuerden, les encanta el cine) y de un afinidad particularmente formativa por la música británica. No derriba por completo las fachadas, ya que incluso las obras más personales de Wright todavía transmiten emociones a través de un caparazón protector de comedia física y referencias, pero tienes una idea de los Mael como trabajadores, hermanos, artistas y humanos en términos con los que se sientan cómodos. La película de casi dos horas y media es una epopeya, no se puede negar. No necesitarás otra película de Sparks después de esta. Sin embargo, es menos una biografía definitiva que una invitación, que atrae tanto a los recién llegados como a los oyentes veteranos a través de su total comprensión y adoración por sus temas.—jacob oller
35. Apóstol
Año: 2018
Director: Gareth Evans
Intérpretes: Dan Stevens, Lucy Boynton, Michael Sheen
Género: Terror, Drama
Clasificación: NR
Después de que las dos primeras entradas de The Raid lo convirtieran en una figura monolítica entre los adictos a las películas de acción, Apóstol funciona como la introducción del mundo en general a los estilos cinematográficos viscerales del director galés Gareth Evans. Mientras que sus primeras películas casi cobran vida con la estética de un videojuego (son lo más parecido a una adaptación cinematográfica de Streets of Rage que jamás encontrarás ), Apóstol también podría representar el deseo de Evans de ser capturado. seriamente como director visual y autor. Para hacerlo, ha explorado un terreno muy trillado en la forma de la „película de infiltración de culto“ rural, haciendo comparaciones con The Wicker Man (o incluso The Sacrament de Ti West).) inevitable. Sin embargo, Apostle se abre camino en la conversación de fin de año del mejor cine de terror de 2018 a través de puro estilo y entusiasmo. Cada cuadro está bellamente compuesto, desde la premonitoria llegada del ardiente personaje de Dan Stevens al complejo de culto de la isla, hasta el fantásticamente repugnante Grand Guignol del tercer acto, en el que las vísceras fluyen con hedonista abandono. Evans sabe exactamente cuánto tiempo para pinchar a la audiencia con un misterio de combustión lenta antes de que estallen las represas de sangre; su conclusión abarca tanto la locura sobrenatural como la violencia humana incómodamente realista. Atrás quedó la precisión de combate de The Raid, reemplazada por una marca más torpe de salvajismo desenfrenado que está fortalecido no por el honor sino por la fe desesperada. Evans concluye correctamente que esta forma de violencia es mucho más aterradora. —Jim Vorel
36. Al otro lado del viento
Año: 2018
Director: Orson Welles
Intérpretes: John Huston, Peter Bogdanovich, Robert Random, Susan Strasberg, Oja Kodar
Género: Drama
Clasificación: R
Tan llamativo e inexplicable como su título, The Other Side of the Wind , sin embargo, canta con la fuerza de su movimiento silbando más allá de sus limitaciones. El viento sopla: Orson Welles lo canaliza a través de su letargo infligido/autoinfligido en el estudio, y en ese proceso encuentra una melodía orgánica, o mejor dicho, jazz. El documental de creación They’ll Love Me When I’m Dead , lanzado por Netflix para acompañar esta película, el mejor momento del gigante del streaming, muestra a Welles, enorme y medio cocido, describiendo lo que él llama „accidentes divinos“. Estos accidentes fueron los responsables de algunos de los mejores detalles de su obra (donde Dios reside), como la ruptura del huevo en Touch of Evil; eran algo que pretendía perseguir (como perseguir el viento) con este, su proyecto final, lanzado varias décadas después de su filmación cuando Netflix abrió sus arcas para abrir el ataúd en el que estaba encerrado el metraje en bruto. Sus antiguos compañeros de rodaje, Peter Bogdanovich y Frank Marshall, cumplen su viejo juramento a su maestro de completar la película para él y, al encontrar el espíritu de la cosa, nos entregan una obra maestra que apenas merecemos. Un accidente divino. John Huston interpreta a John Huston como Jake Hannaford, quien también es Orson Welles, tratando de terminar The Other Side of the Wind al igual que Welles trató de terminar The Other Side of the Wind ., a lo largo de años sin presupuesto real y por los asientos-de-los-pantalones-de-todos. Por el contrario, el escenario de la película se desarrolla en el transcurso de una tarde y una noche, Hannaford rodeada de „discípulos“ y compañeros que son invitados a una fiesta para proyectar algunas de las imágenes de lo que el director espera sea su mayor obra maestra, en lo que Welles esperaba que fuera suyo. La película dentro de la película es un riff de cine de arte, quizás con los guiños más fuertes a Michelangelo Antonioni y Zabriskie Point.. La vida imita al arte: la casa de Hannaford está a la vuelta de la esquina de la que Zabriskie voló en pedazos. Acertadamente, esa casa es el escenario de la mayor parte de la película sobre Hannaford, en teoría construida a partir de imágenes encontradas del cineasta paparazzi. La densidad es vertiginosa, el intelecto feroz. En términos de la filmografía de Welles, es como el último acto de Citizen Kane sentido por Touch of Evil , luego despojado y destripado por el meta-punk de F for Fake . Ningún arte existe en el vacío, pero The Other Side of the Wind , más que la mayoría, sangra su propio contexto. Se trata de Orson Welles, mostrándose. Suicidándose. —Chad Betz
37. Una voz silenciosa
Año: 2016
Director: Naoko Yamada
Intérpretes: Miyu Irino, Saori Hayami, Megumi Han
Género: Anime, Drama
Clasificación: NR
En un medio que con demasiada frecuencia se siente a veces restringido por la primacía de las sensibilidades estéticas masculinas y saturado con representaciones hipersexualizadas de mujeres codificadas coloquialmente como „servicio de fans“, la presencia de Naoko Yamada es una bienvenida bocanada de aire fresco, por no hablar de la calidad inimitable de sus propias películas. Inspirado en personajes como Yasujiro Ozu, Alejandro Jodorowsky, Sergei Parajanov, Sofia Coppola o Lucile Hadžihalilovic, Yamada es un director por excelencia, capaz de captar la atención y evocar melancolía y catarsis agridulce a través de delicadas composiciones de sonido diestro, montaje veloz y color efímero. paletas y personajes con ricas vidas internas llenas de luchas complicadas e identificables. Una voz silenciosa, adaptado del manga del mismo nombre de Yoshitoki Oima, es un excelente ejemplo de todas estas sensibilidades en juego. Cuando Shoya Ishida conoce a Shoko Nishimiya, una estudiante transferida sorda, en la escuela primaria, la intimida sin descanso para diversión de sus compañeros de clase. Un día, cuando Shoya va demasiado lejos y obliga a Shoko a transferirse nuevamente por temor a su propia seguridad, sus compañeros lo tachan de paria y se retira a un estado de aislamiento autoimpuesto y odio a sí mismo. Años más tarde, Shoya se encuentra con Shoko una vez más, ahora como adolescentes, e intenta enmendar el daño que le infligió, todo mientras lucha por comprender sus propias motivaciones para hacerlo. Una voz silenciosaes una película de tremenda profundidad emocional: un retrato conmovedor del abuso adolescente, la reconciliación y el perdón por el daño perpetrado por otros y por nosotros mismos. —Toussaint Egan
38. A la caza de los salvajes
Año: 2016
Director: Taika Waititi
Estrellas: Sam Neill, Julian Dennison, Rima Te Wiata, Rachel House, Oscar Kightley, Tioreore Ngatai-Melbourne, Rhys Darby
Género: Comedia, Drama
Clasificación: NR
El primer encuentro de Bella (Rima Te Wiata) con Ricky (Julian Dennison), el nuevo niño adoptivo al que accedió a acoger, no inspira confianza, especialmente con sus torpes bromas a expensas de su peso. A su vez, con la representante de servicios infantiles Paula (Rachel House) pintando a Ricky como un niño salvaje e ingobernable, uno teme la perspectiva de ver al niño pasar por encima de esta madre posiblemente loca. Pero Bella lo desgasta con amabilidad. Y Ricky termina siendo menos duro de lo que él, con su afición por el gangsta rap y todo lo que eso implica, inicialmente trató de proyectar. Una adaptación de la novela de Barry Crump Wild Pork and Watercress , Taika Waititi’s Hunt for the Wilderpeopleprospera en volcar nociones preconcebidas. El director muestra simpatía por la inocencia de Ricky, lo que se refleja en el estilo de gran aventura de la película. Los amplios y coloridos panoramas del director de fotografía Lachlan Milne y una estructura narrativa basada en capítulos le dan a Hunt for the Wilderpeople la sensación de una fábula de libro de cuentos, pero gracias a la cálida dinámica entre Ricky y Hec (Sam Neill), incluso los momentos más caprichosos de la película transmiten una sensación de dolor subyacente real: ambos personajes son forasteros que buscan en última instancia un hogar al que llamar propio. —Kenji Fujishima
39. Estoy pensando en terminar con las cosas
Año: 2020
Director: Charlie Kaufman
Estrellas: Jessie Buckley, Jesse Plemons, Toni Collette, David Thewlis
Calificación: R
Muchos espectadores pensarán en terminar Estoy pensando en terminar las cosasno mucho después de que haya comenzado. Una cascada de tomas toscas de disolución cruzada detalla el interior de una casa de campo o un apartamento, o el interior de un interior. Una mujer que aún no hemos visto está prácticamente en la mitad de la narración, diciéndonos algo para lo que no tenemos contexto. Se siente mal, desagradable. Algo no está bien. No es así como se supone que funcionan las películas. Finalmente vemos a la mujer, interpretada brillantemente por Jessie Buckley. Está parada en la calle mientras los copos de nieve hinchados comienzan a caer, como si estuviéramos dentro de una bola de nieve tridimensional con ella. Mira hacia una ventana un par de pisos más arriba. Vemos a un anciano mirando hacia abajo por una ventana. Vemos a Jesse Plemons mirando hacia abajo por una ventana. Vemos a Jesse Plemmons en la siguiente toma recogiendo a Jessie Buckley en su auto desgastado. La música de la película centellea y se arremolina. Lucy o Lucia o Amy de Jessie Buckley está pensando en terminar las cosas con Jake de Jesse. Las cosas no van a ir bien, parece ser el razonamiento. Jake conduce el auto ya veces habla; sus comportamientos parecen bastante consistentes hasta que dejan de serlo, hasta que algún gesto hierve como un objeto extraño de otro yo. Louisa o Lucy está próxima, una fuente de personalidad y conocimiento e intereses. Pero a veces se vuelve más lenta, o se queda callada, y de repente es otra persona que es la misma pero tal vez con diferentes recuerdos, diferentes intereses. A veces es pintora, a veces física, a veces ninguna de las dos. Jessie y Jesse son geniales. Sus actuaciones y sus personajes son difíciles de describir. La mejor película de 2020 es terrible para ser una „película“. No se suscribe a patrones, ritmos o tropos comunes. Ni siquiera intenta ser una gran película, en realidad, simplemente trata de diseccionar la vida de la mente del otro, y hacerlo por cualquier medio cinematográfico posible. La autoconciencia de la película podría haber sido insoportable, excepto que la conciencia (y nuestra experiencia fragmentaria de ella) es completamente el punto de todo lo que la película envuelve y que está envuelto en ella. Decir que la película acepta tanto la belleza como la fealdad de la vida sería un lugar común que la propia película rechaza. Decir que “el amor todo lo vence”, más aún. Pero estas falsas verdades revolotean en la visión periférica de la película: ilusiones o fantasmas, pero bienvenidos. — excepto que la conciencia (y nuestra experiencia fragmentaria de ella) es completamente el punto de todo lo que la película está envuelta dentro y eso está envuelto dentro de ella. Decir que la película acepta tanto la belleza como la fealdad de la vida sería un lugar común que la propia película rechaza. Decir que “el amor todo lo vence”, más aún. Pero estas falsas verdades revolotean en la visión periférica de la película: ilusiones o fantasmas, pero bienvenidos. — excepto que la conciencia (y nuestra experiencia fragmentaria de ella) es completamente el punto de todo lo que la película está envuelta dentro y eso está envuelto dentro de ella. Decir que la película acepta tanto la belleza como la fealdad de la vida sería un lugar común que la propia película rechaza. Decir que “el amor todo lo vence”, más aún. Pero estas falsas verdades revolotean en la visión periférica de la película: ilusiones o fantasmas, pero bienvenidos. — pero bienvenidos. — pero bienvenidos. —chad betz
40. Hilo fantasma
Año: 2017
Director: Paul Thomas Anderson
Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Lesley Manville, Vicky Krieps
Calificación: R
hilo fantasmaes una película que está tan maravillosamente hecha, tan meticulosa en su construcción, tan profundamente sentida en su ejecución, que casi puedes pasar por alto lo espinosa y escabrosa que es. Esta tiene que ser la película más deliciosa de ver jamás, que trata en gran parte sobre cuán egocéntrico e inflexible puede ser el mundo de las relaciones, cómo podemos renunciar a gran parte de nosotros mismos y depende de nuestra pareja. para descubrir cómo lidiar con eso, si es que quieren hacerlo. Esta es una película intransigente sobre dos personas intransigentes que intentan vivir juntas sin perder una parte demasiado grande de sí mismas, y los extremos, a veces, que harán para salirse con la suya. Daniel Day-Lewis interpreta a Reynolds Woodcock, un modista de fama mundial que viste a celebridades, a la realeza y, a veces, para su disgusto, a vulgares ricos desclasados. Casi todo lo que no cumple con sus exigentes estándares es vulgar, hasta que un día, mientras está en la campiña inglesa, Reynolds se encuentra con una camarera llamada Alma (Vicky Krieps) que cumple con los requisitos físicos de Reynolds (específicamente para que él pueda hacerle vestidos) y tiene cierto coraje que instantáneamente encuentra fascinante. Los dos principales dePhantom Thread son absurdos y locos a su manera, y una de las muchas emociones de la película es verlos rebotar entre sí y luego chocar nuevamente. Es la pequeña historia de amor más extraña, tan extraña que ni siquiera estoy seguro de que se trate de amor en absoluto. Mi colega Tim Grierson dijo esto primero , pero es una observación demasiado buena para ignorarla: esta película trata en gran parte sobre la incognoscibilidad absoluta de las relaciones de otras personas. Desde el exterior, no tiene sentido que Reynolds y Alma tengan este tipo de conexión entre ellos; es difícil decir lo que cualquiera de las personas está obteniendo de esto. Pero lo que tiene de insondable es también lo que lo hace tan poderoso. —Will Leitch
41. Roma
Año: 2014
Director: Alfonso Cuarón Intérpretes
: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta
b>Género: Drama
Calificación: R
La película más íntima de Alfonso Cuarón es también la de mayor distanciamiento. La cámara se recuesta, en blanco y negro, enfocada no en los niños burgueses que representan al director de fotografía, escritor y director y sus hermanos que crecieron en la Ciudad de México hace varias décadas, sino más bien en la mujer indígena (Yalitza Aparicio) que cuida ellos y el hogar. Ni siquiera centrado del todo en ella, tal vez más centrado en sus composiciones clasicistas de un lugar que ya no existe tal como lo recuerda Cuarón. La cámara mira y se mueve en una secuencia transplanar, brindándonos elementos de primer plano, medio plano y fondo con una claridad digital absoluta. La mezcla de sonido es Dolby Atmos y envolvente. Pero la base estética y narrativa es Fellini, o el perdido neorrealismo mexicano, o el Playtime de Tati.pero con bromas visuales reemplazadas por preocupación social y ensueño personal. Reservada e inmersiva, introspectiva y abierta, vieja y nueva, algunos han acusado a Roma de ser demasiado calculada en lo que intenta hacer, el acto de equilibrio que intenta lograr. Tal vez no se equivoquen, pero es para el inmenso crédito de Cuarón como técnico reflexivo y narrador de historias que, de hecho, lo logra. El resultado es una experiencia cinematográfica singular, una que recrea algo que se perdió y luego lo navega de tal manera que encuentra la historia emergente, y luego, a partir de eso, encuentra el impacto emocional. Para que cuando lleguemos a ese punto tarde en Roma, ni siquiera nos damos cuenta del proceso lento y orgánico por el cual nos hemos involucrado completamente en la película; no estamos listos para ser golpeados tan fuerte como cuando llegan los golpes y las olas rompen. Es casi insoportable, pero lo soportamos porque nos preocupamos por estas personas con las que nos hemos involucrado. Y así es la vida. —Chad Betz
42. El poder del perro
Año: 2021
Director: Jane Campion
Estrellas: Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Genevieve Lemon, Keith Carradine, Frances Conroy
Clasificación: R
Basado en la novela homónima de 1967 de Thomas Savage, el tan esperado regreso de Jane Campion al medio cinematográfico, después de Bright Star de 2009 y sus años posteriores trabajando en televisión, se siente apto para un director que ha demostrado destreza en la elaboración de un atmósfera de aguda inquietud. Y así va para El poder del perro., una película con una vena espasmódica perpetua, llevada por la sensación omnipresente de que alguien podría romperse en cualquier momento, hasta que lo haga. En 1925 en Montana, los hermanos Phil (Benedict Cumberbatch) y George Burbank (Jesse Plemons) son ganaderos prósperos pero hermanos incompatibles. Phil es la máxima imagen del machismo, dando vueltas por el rancho siempre adornado con su traje de vaquero y una gruesa capa de mugre en la cara, un cigarrillo liado colgando contra su labio inferior; un personaje que actúa desafiando el trabajo anterior de Cumberbatch. Phil se opone tanto a cualquier cosa incluso adyacente a lo que podría considerarse „femenino“ que cosas como bañarse, tocar un instrumento que no sea un banjo y simplemente ser amable con las mujeres son el tipo de actividades que podrían llevar a Phil a preguntar „Amigos, ¿Es gay si…? en Twitter. De la castración de los toros en el rancho de Burbank, al estatus de Phil como la oveja negra de su respetable familia, a la naturaleza del paisaje occidental vinculado a la actuación de la masculinidad de Phil, el subtexto es tan visualmente torpe que sigue siendo subtextual solo en virtud de que no se habla directamente en voz alta. Pero la torpeza en el enfoque de la película sobre el tema está respaldada por las convincentes actuaciones en todos los ámbitos, en particular de Cumberbatch, cuya encarnación de un ranchero brusco y mugriento es al principio ridículamente increíble en relación con las actuaciones que han definido el carrera del inglés. Pero es, quizás, debido a este mismo contraste con sus papeles anteriores que Cumberbatch se las arregla para encajar en el personaje de Phil tan agudamente, llevando consigo una incomodidad e inquietud inherentes en su propia piel a pesar del terror que infunde en el corazón de alguien como Rose. Le iguala la escalofriante partitura, compuesta por el inimitable Johnny Greenwood (The Master , Phantom Thread ), y la impecable cinematografía de Ari Wegner ( Zola , The True History of the Kelly Gang ), que forman una unión perfecta de tensión, intimidad y aislamiento en una película donde el sonido de cada rebanada, recorte y clic evoca la misma sensación angustiosa independientemente de la fuente. ¿Qué significa ser un hombre? El Poder del Perro considera la pregunta pero nunca la responde. En cambio, está preocupado por un fenómeno atemporal: el sufrimiento soportado por el bien mismo de la virilidad. — Brianna Zigler
43. Procesión
Año: 2021
Director: Robert Greene
Calificación: R
Duración: 116 minutos
En sus películas, Robert Greene ha tratado de traer el pasado alienado al presente. Kate Plays Christine , de 2016, utiliza la preparación de Kate Lyn Sheil para interpretar a Christine Chubbuck, la presentadora de noticias que se suicidó en el aire 42 años antes, en parte para navegar por las responsabilidades de un actor cuando intenta resucitar a una persona real relegada al folclore. Bisbee ’17 de 2018relató la recreación, en el 100 aniversario del evento, de la remoción forzada y el abandono de más de 1200 mineros en huelga de sus hogares en el desierto de Arizona. A medida que los miembros de la comunidad de Bisbee asumen los roles de matones corporativos delegados y trabajadores que exigen una vida mejor, en muchos casos habitando las personas de sus propios antepasados, llegan a comprender mejor la influencia que esa historia aún tiene en la actualidad. Incluso en actriz, el retrato de Greene de 2014 de Brandy Burre regresando a la actuación mientras reinventa su vida personal, reevaluar el pasado es un acto de tomar el control. Cuando Burre vuelve lentamente al escenario, interactuando con viejos amigos y con la emoción visceral de estar frente a una audiencia, comienza a alejar su vida de un matrimonio tóxico y a definirse a sí misma de nuevo. Se da cuenta de que ya no está obligada a aferrarse a su antiguo yo. Procesión, la última película de Greene y la primera para Netflix, trata nuevamente de absolver el presente del pasado. Comienza con una conferencia de prensa de 2018 en Kansas City, Missouri. La abogada Rebecca Randles se encuentra con tres de los sobrevivientes y afirma que pueden denunciar a más de 230 miembros del clero católico conocido en el área de Kansas City como parte de una red de abuso sexual de gran alcance. Al ver esto, Greene se acercó a Randles con la idea de utilizar la terapia de drama, guiada de cerca por la terapeuta de drama registrada Monica Phinney, para darle a un pequeño grupo de sobrevivientes la oportunidad de transformar sus pesadillas en algo dramático, para transformar potencialmente su trauma en algo sobrevivible. . Procesiónpresenta este enfoque: Seis hombres escribiendo guiones, guiones gráficos, búsqueda de locaciones y finalmente filmando sus peores recuerdos, como quieran interpretarlos, intercalados con los resultados completos. El joven actor que protagoniza cada uno de los segmentos, Terrick Trobough, pasa gran parte de la película en compañía de los seis sobrevivientes, escuchando sus historias y haciendo su trabajo de manera tranquila y profesional. Los ve llorar y golpear cosas y desvincularse, no porque sean frágiles, sino porque están rotos. Terrick responde que cree en sus historias. Más tarde, con Dan (uno de los supervivientes) después de un momento emotivo, Terrick le pregunta: „¿Cómo estás?“ Tal vez solo está siendo cortés, pero los pequeños gestos de empatía de Terrick brillan intensamente. Al igual que Procesión, cuando la belleza del cine de Greene satisface la inteligencia y claridad de sus métodos. “Espero que la fuerza que mostraste sea recompensada con paz y satisfacción”, se dice a sí mismo otro sobreviviente cerca del final de la película, retrocediendo décadas hacia el pasado. Un primer plano de su rostro le permite a la audiencia saber si esa esperanza se ha resuelto. Es muy bueno el cine. —Dom Sinacola
44. Los Mitchell contra las máquinas
Año: 2021
Director: Mike Rianda, Jeff Rowe (codirector)
Estrellas: Abbi Jacobson, Danny McBride, Maya Rudolph, Eric Andre, Fred Armisen, Beck Bennett, Olivia Colman
Género: Animación, Comedia, Ciencia ficción
Clasificación: PG
Las divisiones generacionales animadas nunca se han parecido más a un carnaval de ciencia ficción que en The Mitchells vs. the Machines . El debut cinematográfico del guionista y director Mike Rianda (él y el coguionista y director Jeff Rowe se formaron en el programa excelentemente espeluznante y tonto Gravity Falls) es a partes iguales absurdo, entrañable y aterrador. Es fácil sentirse perdido o abrumado por las luces intermitentes y las vistas emocionantes como la familia central que lucha en un lado de la pelea por el título, pero es igualmente fácil salir con el regocijo exhausto de las secuelas de una larga y cansada excursión al parque temático. Su familia incrustada en el género irrumpe a través de cada marco desordenado y repleto como si estuvieran tratando de escapar (a menudo lo hacen), y en el proceso crean la comedia animada más enérgica y entrañable en lo que va del año. Y su premisa comienza tan humildemente. La cineasta y animadora Katie (Abbi Jacobson) se va de casa para ir a la universidad y, para llegar allí, tiene que hacer un viaje por carretera con su familia: Rick (Danny McBride), su padre ludita al aire libre; Linda (Maya Rudolph), su madre pacificadora; y Aaron (Rianda), su hermano pequeño dino-freak. Es posible que puedas adivinar que Katie y su papá no siempre están de acuerdo, incluso cuando los ojos de Katie no están pegados a su teléfono o computadora portátil. Esa tecnocrítica, donde “tiempo frente a la pantalla” es una frase obscena y la figura paterna constructora de cabañas quiere que su familia experimente el mundo real, podría ser tan chiflada como la duodécima temporada de una comedia de situación de Tim Allen.The Mitchells vs. the Machines escapa de ese peligro no solo a través de algunos matices intencionales en su escritura, sino también de algunos grandes anti-matices: en la mitad del viaje, las compañías tecnológicas malvadas se equivocan y los robots creados por teléfonos deciden disparar a todos los humanos al espacio. Esta película necesitaba algo así de grande desde el punto de vista narrativo para respaldar sus gloriosas imágenes de fregadero de cocina. La película de Sony utiliza parte de la misma tecnología que hizo que Spider-Man: Into the Spiderverse se vea tan nítido y único, agregando un sombreado cómico a su expresivo CG. De hecho, una vez que despeguen algunos de los escenarios más extraños, no te sorprendería ver a Miles Morales entrar para salvar el día. Los Mitchell contra las máquinasEl giro en la estética de Spidey proviene de Katie, obsesionada con los memes y las películas, cuya imaginación a menudo se abre paso en el mundo real y cuyos garabatos extraños, de neón y llenos de filtros adornan la paleta ya emocionante de la película con una rareza explosiva. Este estilo único e inteligente encaja bien con la payasada maravillosamente cronometrada de The Mitchells vs. the Machines , chocando y aplastando con una violencia inesperada, equilibrada con un pug realmente tonto y muchos apartes visuales que se burlan de lo que sea que esté sucediendo.— jacob oller
45. La bestia marina
Año: 2022
Director: Chris Williams
Estrellas: Karl Urban, Zaris-Angel Hator, Jared Harris, Marianne Jean-Baptiste, Dan Stevens, Kathy Burke
Clasificación: PG
Cuando los cartógrafos permitían que sus sentidos de la imaginación y la autopreservación llenaran las regiones inexploradas de sus mapas, solían advertir sobre criaturas como leones, elefantes y morsas. Criaturas más allá de la comprensión, con dientes, trompas y colmillos fáciles de caricaturizar en peligro. Pero sobre todo recordamos que cuando navegas hacia el borde desvanecido del conocimiento, hay dragones. La Bestia Marina perfecciona hábilmente este antiguo miedo humano en una punta de lanza afilada, golpeando la ignorancia. Su aventura de capa y espada navega por un mar lleno de criaturas enormes que seguramente despertarán el apetito de los niños por la piratería, las películas de Godzilla y la animación emocionante. La primera película del clásico de la historia de Disney, Chris Williams, después de dejar House of Mouse para Netflix, The Sea Beast .es, parafraseando a Ahab-like Captain Crow de Jared Harris, todo pis y vinagre. El hecho de que la película incluso aluda a la frase y suelte algunas otras líneas ligeramente saladas que podría esperar de algunos lobos de mar experimentados, es indicativo de su separación del gigante desinfectado. Se ve violencia a los ojos; no tiene miedo de hacer realidad sus amenazas. Todo con razón. Contar una historia fantástica de cazadores, tripulaciones de mercenarios financiadas por una corona colonialista para acabar con los kaijus que pueblan el océano, no sería correcto sin al menos un poco de ventaja. Nuestro camino hacia el mundo, la joven Maisie (Zaris-Angel Hator), ha experimentado sus peligrosas realidades de primera mano: sus padres se hundieron con un barco, dejándola como una de las docenas de cazadores huérfanos. Pero eso no le ha impedido exaltar a su familia mártir (algo explícitamente alentado por la monarquía) y buscar su propia gloria. De polizón en el barco de Crow, el Inevitable, ella y el capaz Jacob (Karl Urban) se enfrentan a las ambiciones legendarias que han construido en sus propias cabezas. Williams y el coguionista Nell Benjamin nos sumergen de inmediato en la búsqueda de Inevitable para acabar con la ballena roja con cuernos y dientes de Crow, apodada Red Bluster, con total confianza de que no hay mejor momento que el marítimo. A medida que nuestros ojos giran y se inclinan a través de las olas impresionantemente realistas y nuestros oídos intentan seguir el timonel meticulosamente detallado, las escenas de caza nos atrapan como la pesca del día. Entendemos la jerarquía de la diversa tripulación, el código de honor entre los cazadores, las tácticas necesarias para derribar criaturas imponentes que se parecen a Toho convirtieron sus grandes éxitos en Pokémon. Es una escritura sabia y respetuosa, puesta en acción legible por la mano experta de Williams, que confía en que su entorno y tema sean intrínsecamente geniales, y en su audiencia para seguirlo con avidez. Para cuando las lanzas vuelan, los cañones disparan y las criaturas mueren, ¿o no?, estás tan profundamente enganchado como cualquier padre mirandoMaestro y Comandante . Una encantadora deconstrucción de la nueva escuela de la aventura romántica de la vieja escuela que nunca compromete la exuberancia del escenario, el color y la emoción inherentes a esta última, The Sea Beast se eleva al frente de las ofertas animadas de Netflix como una marea alta.— Jacob Oller
46. El trasero negro de Ma Rainey
Año: 2020
Director: George C. Wolfe
Intérpretes: Viola Davis, Chadwick Boseman, Glynn Turman, Colman Domingo, Michael Potts
Género: Drama
Calificación: R
Oportunamente, el papel final de Chadwick Boseman tiene que ver con el blues. La aparición del difunto actor en Ma Rainey’s Black Bottom de Netflix , la adaptación de August Wilson del director George C. Wolfe y el escritor Ruben Santiago-Hudson, es a partes iguales un escaparate actoral, un elogio enojado y un lamento integral, hervidos juntos en la cocina sudorosa de un años 20 Sesión de grabación de Chicago. Una historia de múltiples facetas de la ambición y eventuales puntos finales, Ma Raineygira en torno a aquellos que orbitan alrededor de su personaje principal (Viola Davis). Es una leyenda del blues en la cima de su carrera, finalmente apreciada (al menos en algunas partes del país) y lista para ser explotada por hombres blancos con traje. Como si ella los hubiera dejado. Llega cómodamente tarde para grabar un álbum, dejando que todos los demás se levanten y disparen la mierda al más puro estilo Wilson, con Santiago-Hudson encontrando la esencia del trabajo de Wilson. La actuación brutal de Davis, que se hizo aún más potente por su avalancha de maquillaje y sudor reluciente, prepara perfectamente la escena. Ella, junto con corbatas sueltas y ventiladores que zumban, le da a la película la temperatura y la gravedad deseadas para que Boseman y el resto de los miembros de su banda puedan moverse como luciérnagas en el calor del verano. Con trágica casualidad, Boseman nos deja un regalo: está en llamas. Inclinarse, con las ubicaciones de las cámaras y los accesorios que enfatizan sus extremidades desgarbadas (hay una razón por la que empuña un fliscorno aplastado y rechoncho, un elemento básico del jazz que funciona mejor visualmente), Levee es un papel muy físico a pesar del material original hablador: se trata de captar la atención. , a veces literalmente bailando tap para ello, con una pizca de vergüenza invadida por una energía ansiosa. Nervioso, nervioso y tenso durante un monólogo de casi cinco minutos, Levee parece sentir que la ventana a su sueño se está cerrando: el tiempo se está acabando. con una pizca de vergüenza invadida por una energía ansiosa. Nervioso, nervioso y tenso durante un monólogo de casi cinco minutos, Levee parece sentir que la ventana a su sueño se está cerrando: el tiempo se está acabando. con una pizca de vergüenza invadida por una energía ansiosa. Nervioso, nervioso y tenso durante un monólogo de casi cinco minutos, Levee parece sentir que la ventana a su sueño se está cerrando: el tiempo se está acabando.Black Bottom de Ma Rainey es más que la actuación de Boseman, claro, con Davis y Colman Domingo llorando deliciosamente y las palabras de Wilson continuando abrasadoras y volando en igual medida. Pero la propiedad de Boseman de la película, una instantánea de potencial y deseo digna de un Oscar, le da a una tragedia encantadora y amplia algo específico sobre lo que cantar. —Jacob Oller
47. La mano de Dios
Año: 2021
Director: Paolo Sorrentino Intérpretes
: Filippo Scotti, Toni Servillo, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Luisa Ranieri, Renato Carpentieri, Massimiliano Gallo, Betti Pedrazzi, Biagio Manna, Ciro Capano
Calificación: R
Duración: 130 minutos
Paolo Sorrentino enmarca su nueva obra sobre la mayoría de edad, La mano de Dios , con representación divina, y pasa cada momento quejándose del interminable desfile de decepción de la vida. La humanidad es terrible. Todo es un fracaso. La realidad es pésima. “Qué mundo de mierda es este”, opina una mujer alrededor de los 45 minutos de película. “Vas a comprar el postre y cuando regresas, tu esposo está en la cárcel”. Los detalles son irrelevantes. Es el sentimiento lo que aterriza. El diálogo se lee como Sorrentino soliloquiando a través de sus personajes, ventilando queja tras queja sobre el efecto de puesta a tierra de La mano de Dios .La historia de su trama: Ambientada en la Nápoles de los años 80, atendiendo a la rica y aburrida rutina que comprende las idas y venidas de la muy unida familia Schisa: el padre Saverio (Toni Servillo) y la madre María (Teresa Saponangelo), y sus hijos, Marchino mayor (Marlon Joubert) y Fabietto más joven (Filippo Scotti): Sorrentino construye la película con menos florituras surrealistas que en sus obras de los últimos días, al estilo Loro de 2018, Juventud de 2015 y La gran belleza de 2013 , donde un hombre hace desaparecer una jirafa. en el aire en medio de un coliseo romano. Colocada junto a estas imágenes, La Mano de Dios es francamente normal. Puede que la normalidad no satisfaga a los personajes de Sorrentino, ya sea de principio o de apoyo, pero La Mano de Diosencuentra abundancia en las convenciones italianas cotidianas: abundancia de significado, abundancia de belleza, abundancia de comedia y, para evitar enterrar el lede, La mano de Dios es constantemente hilarante durante la primera hora más o menos (a pesar de una escena inicial de violencia doméstica) . La Mano de Dios no es escapismo, lo que contradice los objetivos de carrera de Fabietto en la última etapa. es _un aullido entretenido y un drama conmovedor que se suaviza en un ejercicio de duelo en su segunda mitad, donde Fabietto distrae su mente de una tragedia trascendental fanboying sobre Capuano y meterse en problemas con Armando (Biagio Manna), el arma secreta de Sorrentino : Un contrabandista de cigarrillos sociable cuya vena salvaje desmiente la lealtad permanente a quien él llama „amigo“. Es imposible mantenerse al día. La Mano de Dios no intenta hacerlo. En cambio, guiada por Fabietto, la película se toma su tiempo. mira. respira Captura la vida con una claridad que ni siquiera los mejores esfuerzos de Sorrentino han logrado, lo que lo convierte en su mejor esfuerzo hasta la fecha.— Andy Crump
48. El cuerpo recuerda cuando el mundo se abrió
Año: 2019
Directores: Elle-Máijá Tailfeathers, Kathleen Hepburn Intérpretes
: Elle-Máijá Tailfeathers, Violet Nelson, Barbara Eve Harris
Género: Drama
Calificación: NR
Nada vale la pena en El cuerpo recuerda cuando el mundo se abrió . Cada detalle narrativo, que exige una resolución, pasa mayormente desapercibido: cuando Rosie (Violet Nelson) toma dinero del bolso de Áila (codirectora Elle-Máijá Tailfeathers), por ejemplo, esperamos que el tiempo que pasen juntos, los 90 minutos más o menos , le dará una lección a Rosie, la animará a devolver los billetes. Eso no sucede. En cambio, el cuerpo recuerda cuando el mundo se abrióhabla de un encuentro casual entre dos mujeres de las Primeras Naciones, divididas por la estabilidad socioeconómica pero unidas porque ambas acaban de experimentar violaciones: el de Rosie es el último de una serie de incidentes de abuso doméstico, mientras que a Áila le insertaron un DIU en medio de un procedimiento frío e impersonal, le dispararon por el director de fotografía Norm Li en 16 mm con el compromiso de capturar cada mueca y mueca casi traumatizada de Áila. Li sigue a Áila desde la oficina hasta la calle, donde ve a Rosie descalza bajo la lluvia, tal vez en estado de shock, y desde allí las dos escapan del enfurecido novio de Rosie al apartamento tipo loft seco y ventilado de Áila. Li siempre está justo detrás, el resto de la película se edita en una sola toma continua mientras Áila intenta descubrir qué hacer para ayudar a Rosie, y Rosie intenta descubrir cómo evitar ser víctima de la virtud que señala a los extraños. Que Áila sea también una mujer de las Primeras Naciones poco le importa a Rosie; ella apenas parece la parte. Por supuesto, cuando se separan, Rosie se traga cualquier culpa que pueda haber desarrollado por haberle robado a Áila, y los cuidadores de la casa de seguridad le recuerdan a Áila cuando Rosie no quiere quedarse que a veces la gente necesita siete u ocho veces para ceder y salir de su situación abusiva. Esperamos una resolución, una señal de que las cosas mejorarán. Cuando no lo hacen, buscamos otras señales y esperamos, solo nos queda la paciencia: observar, y nunca dejar de observar, y soportar el peso de eso, para pagar el costo de la empatía. y los cuidadores de la casa segura le recuerdan a Áila que cuando Rosie no quiere quedarse, a veces la gente necesita siete u ocho veces para ceder y dejar su situación abusiva. Esperamos una resolución, una señal de que las cosas mejorarán. Cuando no lo hacen, buscamos otras señales y esperamos, solo nos queda la paciencia: observar, y nunca dejar de observar, y soportar el peso de eso, para pagar el costo de la empatía. y los cuidadores de la casa segura le recuerdan a Áila que cuando Rosie no quiere quedarse, a veces la gente necesita siete u ocho veces para ceder y dejar su situación abusiva. Esperamos una resolución, una señal de que las cosas mejorarán. Cuando no lo hacen, buscamos otras señales y esperamos, solo nos queda la paciencia: observar, y nunca dejar de observar, y soportar el peso de eso, para pagar el costo de la empatía.—Dom Sinacola
49. Historia de matrimonio
Año: 2019
Director: Noah Baumbach Intérpretes
: Scarlett Johansson, Adam Driver, Azhy Robertson, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty, Merritt Wever
Género: Drama
Calificación: R
La forma en que Adam Driver termina „Being Alive“, que su personaje en Marriage Story acaba de cantar en su totalidad (incluidos los diálogos aparte de los amigos del protagonista de Company ), es como verlo drenar lo que queda de su espíritu en el suelo, en frente a su pequeña audiencia (que nos incluye a nosotros). La actuación comienza un poco tonta, el niño del teatro no invitado toma las riendas para cantar uno de los mejores espectáculos de Broadway, pero luego, en otro aparte, dice: “ Quiero algo… quiero un poco „.cosa…” Él comienza a entenderlo. Comienza a comprender el peso de la vida, la insatisfacción de la intimidad desperdiciada y lo que puede significar convertirse finalmente en un adulto: abrazar todas esas contradicciones, toda esa alienación y soledad. Toma una profunda exhalación después de las notas finales, después del cinturón final; finalmente se da cuenta de que tiene que crecer, acabar con su antigua vida, hacer algo nuevo. Es muy parecido a vivir en Internet en estos días; la imposibilidad de crear un “yo auténtico”, por insignificante que sea el término, se ve agravada por un paisaje cultural que se niega a admitir que la “autenticidad” es una actuación tan poco auténtica como cualquier otra cosa. Trabajar a través de las identidades es doloroso y feo. Podría decirse que todos estamos trabajando en cómo ser nosotros mismos en relación con quienes nos rodean. Y eso es lo que Bobby,Compañía , está haciendo. La escena obliga al espectador a hacer conexiones sobre su humanidad, el arte que está experimentando y el mundo cada vez más insensible en el que todo existe. Charlie agarra el micrófono, agotado, dándose cuenta de que tiene que averiguar qué tiene que hacer a continuación, para rehacer su vida de nuevo. Todos nosotros, lo estamos armando también. O intentándolo, al menos. Eso cuenta para algo . —Kyle Turner
50. Bien
Año: 2017
Director: Bong Joon-ho
Intérpretes: Tilda Swinton, Paul Dano, An Seo Hyun, Byun Heebong, Steven Yeun, Lily Collins, Yoon Je Moon, Woo Shik Choi
Género: Ciencia ficción, Acción
Calificación: NR
Okja toma más riesgos creativos en sus primeros cinco minutos que la mayoría de las películas en todo su lapso, y no se detiene a partir de ahí. Lo que parece ser un punto de conflicto para algunos críticos y audiencias, particularmente los occidentales, es el tono aparentemente errático, desde el sentimiento hasta el suspenso, la acción vertiginosa, la fantasía, el horror y lo que sea que esté haciendo Jake Gyllenhaal. Pero esto es parte integrante de lo que hace que las películas de Bong Joon-ho, bueno, sean películas de Bong Joon-ho: tienen matices y son complejas, pero no son exactamente sutiles ni restringidas. Tienen atención al detalle, pero no son delicados en su manejo. Tienen múltiples intenciones, y juntan esas intenciones para improvisar . Son obras imaginativas que generan impulso a través de alternancias entre partes y contrapartes, y Okjaes quizás el mejor ejemplo hasta ahora del salvaje movimiento pendular de la tonalidad rítmica de una película de Bong. Okja tampoco es una película sobre veganismo, pero es una película que pregunta cómo podemos encontrar la integridad y, sobre todo, cómo podemos actuar con humanidad hacia otras criaturas, incluidos los humanos. Las respuestas que obtiene Okja son simples y vitales, y sin decirlas realmente te ayuda a escuchar esas respuestas por ti mismo porque ha hecho todas las preguntas correctas, y las ha hecho de una manera intensamente atractiva. —Chad Betz