Cele mai bune filme de pe Netflix pot fi greu de găsit, dar nu este posibil să rămânem fără filme grozave în curând. Există o mulțime din care să alegeți, fie că sunteți în căutarea celor mai bune filme de acțiune, a celor mai bune filme de groază, a celor mai bune comedii sau a celor mai bune filme clasice de pe Netflix. Am actualizat lista pentru 2022 pentru a elimina filmele grozave care au dispărut și a evidenția excelența nevăzută.
În loc să pierdem timpul derulând prin categorii, încercând să găsim filmul perfect de vizionat, am făcut tot posibilul pentru a vă ușura lucrurile la Paste , actualizând lista noastră de Cele mai bune filme de vizionat pe Netflix în fiecare săptămână, cu adăugiri noi și trecute cu vederea. . filme deopotrivă.
Iată cele mai bune 50 de filme în flux pe Netflix chiar acum:
1. Dacă strada Beale ar putea vorbi
An: 2018
Regia: Barry Jenkins
Distributie: Kiki Layne, Stephan James, Regina King, Brian Tyree Henry, Colman Domingo, Michael Beach, Teyonah Pariss, Aunjanue Ellis
Rating: R
Durata: 117 minute
Este timpul pentru personajele noastre eliptice și povestea de dragoste dintre Tish (Kiki Layne) și Fonny (Stephan James), ritmul la care vom reveni din nou și din nou. În timp ce naratorul nostru, Tish vorbește atât în declarații scurte, cât și în koan-uri, scenariul lui Barry Jenkins traduce romanul lui James Baldwin într-un pic de voyeurism oniric: când cei doi își desăvârșesc relația după o viață întreagă (abia două decenii) de prietenie între ei și ei. familii. , starea de spirit este divină și revelatoare. Oamenii chiar fac sex așa? Doamne, nu, dar poate ne-am dori să avem. Și uneori ne convingem că avem, cu persoana potrivită, doar două trupuri singure, împotriva lumii, într-un spațiu — poate singurul spațiu — al nostru. Povestea cuplului este simplă și nu: Un polițist (Ed Skrein) cu un scor mic de rezolvat împotriva lui Fonny conspiră cu o femeie din Puerto Rican (Emily Rios) care a fost violată pentru a-l scoate pe Fonny dintr-un grup, în ciuda alibiului său și a tuturor dovezilor care sugerează contrariul. În prima scenă a filmului, o vedem pe Tish vizitând-o pe Fonny în închisoare pentru a-i spune că este însărcinată. El este extaziat; Recunoaștem imediat acea alchimie unică a terorii și bucuriei care însoțește orice proaspăt părinte, dar știm și că pentru un tânăr cuplu de negru, lumea este înclinată împotriva prosperității iubirii lor. „Sper că nimeni nu a fost nevoit vreodată să-și privească cei dragi prin sticlă”, spune Tish. Ai speranta? Spectacolele frumos cronometrate ale lui James și Layne sugerează că trebuie, o singură carne fără altă alegere. Ca mama lui Tish, Regina King poate înțelege cel mai bine răul acestei speranțe, jucându-l pe Sharon ca o femeie care nu poate obține ceea ce își dorește, dar care pare să simtă că un astfel de progres poate fi mai mare decât majoritatea în situația ei. Așezată, dar neînfricoșată, ea este matriarha filmului, o forță de atâta căldură încât, chiar și în frica noastră de a vedea cum burtica lui Tish crește și speranța se estompează, suntem liniștiți de prezența lui Sharon, nu că totul va fi bine, dar totul va fi bine. . sfarsitul o putere de o asemenea căldură încât, chiar și în teama noastră de a vedea cum burtica lui Tish crește și speranța ei se estompează, prezența lui Sharon ne liniștește, nu că totul va fi bine, ci că totul va fi bine. sfarsitul o putere de o asemenea căldură încât, chiar și în teama noastră de a vedea cum burtica lui Tish crește și speranța ei se estompează, prezența lui Sharon ne liniștește, nu că totul va fi bine, ci că totul va fi bine. sfarsitulDacă Beale Street ar putea vorbi este practic un dat, cu excepția cazului în care ignoranța ta te ghidează prin această lume idioată, dar mai există dragoste în acele momente finale, la fel de multă dragoste cât a fost în deschiderea simetrică a filmului. Există speranță în asta, chiar dacă este patetic de mică. — Dom Sinacola
2. Monty Python și Sfântul Graal
An: 1975
Regizori: Terry Gilliam, Terry Jones
Distributie: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Connie Booth
Gen: Comedie
Evaluare: PG
Este nasol că o parte din sclipici a fost luată din Sfântul Graal de propria sa ubicuitate copleșitoare. În zilele noastre, când auzim o „rană de carne”, un „ni!” sau „întinderi uriașe de pământ”, primele noastre gânduri sunt adesea la tocilari obsesivi necunoscuți care ne repetă scene întregi. Sau, în cazul meu, reluând scene întregi oamenilor ca un tocilar obsesiv și fără idee. Dar, dacă încerci să te distanțezi de factorul dezordine și să revezi filmul după câțiva ani, vei găsi glume noi care par la fel de proaspete și isterice ca cele pe care le cunoaștem cu toții. Sfântul Graal este, de fapt, cea mai densă comedie din canonul Python. sunt atâtea glumeîn acest film și este surprinzător cât de ușor îl uităm, având în vedere reputația lui. Dacă sunteți cu adevărat epuizat de acest film, vă rugăm să-l revedeți cu comentarii și să descoperiți al doilea nivel de apreciere care vine din inventivitatea cu care a fost realizat. Cu siguranță nu arată ca un film de 400.000 de dolari și este încântător să descoperi care dintre gaguri (cum ar fi jumătățile de nucă de cocos) s-au născut din nevoia de soluții cu un buget redus. Co-regiație pentru prima dată de actorul de pe ecran Terry Jones (care a regizat doar sporadic după despărțirea lui Python) și recluzatul american Terry Gilliam (care a transformat în mod prolific stilul cinematografic al lui Python în propriul său brand unic de fantezie de coșmar) se mișcă cu o eficiență suprarealistă. — Graham Techler
3. Irlandezul
An: 2019
Regia: Martin Scorsese
Vedete: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Jesse Plemons, Anna Paquin
Gen: Crimă, Dramă
Evaluare: R
Peggy Sheeran (Lucy Gallina) îl urmărește pe tatăl ei, Frank (Robert De Niro), printr-o ușă întredeschisă, în timp ce își face bagajele pentru o călătorie de afaceri. Pantaloni și cămăși, fiecare cu grijă înfipt și pliat pe interiorul bagajului. Intră în revolverul cu nasul moale, instrumentul nemilos al meseriei lui Frank. Nu știe că ochii fiicei lui sunt ațintiți asupra lui; ea este calmă din fire și rămâne așa pentru cea mai mare parte a interacțiunii lor ca adulți. Închideți cazul. Ea dispare în spatele ușii. Judecata lui persistă. Scena este plasată la o treime din noul film al lui Martin Scorsese, The Irishman., numit după porecla lui Frank din lumea mafiotă, și are ecou în ultima sa fotografie, când Frank, bătrân, decrepit și singur, abandonat fără speranță de familia sa și lipsit de prietenii săi gangsteri prin trecerea timpului, el stă în azilul său de bătrâni. pat. Poate că așteaptă Moartea, dar mai probabil că o așteaptă pe Peggy (interpretată ca adult de Anna Paquin), care l-a lepădat și nu are intenția să-l ierte pentru păcatele sale. Peggy acționează ca arbitru moral al lui Scorsese. Este o judecată dură: filmul are o abordare sumbră a machismului exprimat în tărâmul mafioților și al cănilor. Când personajele principale ale lui Scorsese nu complotează sau plătesc planuri în acte de violență, fac furie, mănâncă înghețată sau, într-un caz extrem, pălmuindu-se unul pe altul într-o doborare disperată de jalnică. Această scenă face eco de scene nefericite similare din Akira Kurosawa.Drunken Angel și Rashomon – Lupte între tocuri care le este frică să lupte, dar forțate de propria lor bravada. Irlandezul se întinde între anii 1950 și începutul anilor 2000, anii în care Frank a lucrat pentru familia criminală Bufalino, condusă de Russell (pensionat și intimidant Joe Pesci). „Munca” înseamnă uciderea unor oameni, forțarea altora, chiar aruncarea în aer a unei mașini sau a unei clădiri atunci când ocazie o cere. Când este eliberat de terorismul gangland, este acasă citind ziarul, urmărind știrile, târând-o pe Peggy la magazinul local să o bată pentru că a împins-o. „Tocmai am făcut ce trebuia”, spune bietul ticălos condamnat înainte ca Frank să-l tragă afară în stradă și să-i lovească mâna de trotuar. Irlandezul este o non-ficțiune istorică, care prezintă viața lui Sheeran și, de-a lungul vieții sale, viața soților Bufalino și a asociaților lor, în special a celor care au murit înainte de vremea lor (care sunt cei mai mulți dintre ei). Este, de asemenea, un portret al copilăriei în umbra brutalității nepasionale și a ceea ce trebuie să facă o fată pentru a găsi siguranță într-o lume definită de vărsare de sânge. — Andy Crump
4. Nu sunt negrul tău
An: 2017
Regizor: Raoul Peck
Gen: Documentar
Evaluare: PG-13
Raoul Peck se concentrează pe cartea neterminată a lui James Baldwin, Remember This House , o lucrare care i-ar fi amintit de trei dintre prietenii săi, Martin Luther King Jr., Malcolm X și Medgar Evers. Cei trei bărbați de culoare au fost uciși la cinci ani distanță, iar în film aflăm că Baldwin nu era doar îngrijorat de aceste pierderi ca fiind lovituri teribile aduse mișcării pentru drepturile civile, ci că ținea profund de soțiile și copiii bărbaților care au fost uciși. . ucis. Durerea copleșitoare a lui Baldwin este atât de mult subiectul filmului, cât și intelectul său. Și deci nu sunt negrul tăunu este doar portretul unui artist, ci un portret al durerii: ce arată, sună și se simte să-ți pierzi prietenii și să o faci cu toată lumea urmărită (și cu atât de multe în America care refuză să înțeleagă cum s-a întâmplat, și de altfel).ce se va întâmpla în continuare). Peck ar fi putut face mai mult decât să ne dea acest sentiment, punându-ne direct în prezența lui Baldwin, iar eu nu sunt negrul tău ar fi fost probabil un succes. Decizia lui de a se îndepărta de formatul obișnuit de documentar, în care minți respectate comentează un subiect, creează un sentiment de intimitate greu de inspirat în astfel de filme. Plăcerea de a sta cu cuvintele lui Baldwin și numai cu cuvintele lui este extraordinară. Nu există interpret, nimeni care să-l explice pe Baldwin, în afară de Baldwin, și așa ar trebui să fie. — Shannon M. Houston
5. O portocală mecanică
Anul: 1971
Regia: Stanley Kubrick
Distributie: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Adrienne Corri, Miriam Karlin
Rating: R
Durata: 136 minute
Ca și în cazul majorității (ei bine, probabil toate ) adaptărilor de la carte la ecran ale lui Stanley Kubric, A Clockwork Orange remixează diverse aspecte ale romanului lui Anthony Burgess și, probabil, în bine (cel puțin Alex [un Malcolm McDowell terifiant de electric] nu este un pedofil în filmul lui Kubrick, de exemplu). Este încă o satiră necruțător de vicioasă care descrie o societate permisivă cu o cultură brutală a tinerilor, în care știința și psihologia modernă sunt cele mai bune contramăsuri pentru a combate Ultraviolența™ comisă de bărbați precum Alex și colegii săi droogs. Este dureros de clar că atunci când ministrul britanic de interne (Anthony Sharp) îl aruncă pe Alex drept victimă, acel (alertă spoiler!) răul învinge. Doamne, poate cineva dintre noi să audă „Singin’ in the Rain”? la fel si dupa acest cosmar? — Scott Wold
6. Pietre netăiate
An: 2019
Regizori: Josh Safdie, Benny Safdie
Vedete: Adam Sandler, Julia Fox, Eric Bogosian
Gen: Thriller
Evaluat: R
Proprietarul unui magazin exclusivist din districtul diamantelor din New York, Howard Ratner (Adam Sandler) se descurcă foarte bine pentru el și familia sa, deși nu se poate abține să nu parieze compulsiv, din cauza cumnatului său Aron (Eric Bogosian, răuvoitor slimy ) o cantitate substanțială. Totuși, Howard are și alte riscuri de echilibrat: statul său de plată este format din Demany (Lakeith Stanfield), un cercetător pentru clienți și produse, și Julia (Julia Fox, un far neașteptat în furtuna în primul ei rol), o angajată cu care Howard este. având o aventură, „ținându-o” confortabil în apartamentul lui din New York. Cu excepția soției sale (idina Menzel obosită imaculată) evident sătulă de rahatul lui și, între timp, are o livrare specială care vine din Africa: un opal negru, piatra pe care o cunoaștem intim în prima scenă a filmului, estimată de Howard ca valorând milioane. . Apoi, Demany îl aduce pe Kevin Garnett (în calitate de el însuși, atât de în acord cu tonul fraților Safdie) la magazin în aceeași zi în care sosește opalul, inspirând un pariu unic pentru Howard – de genul pentru a se împacheta cu Aron și altceva. , precum și o mulțime de lucruri noi de clarificat. Sigur, totul este stresant, cu adevărat neiertător, dureros de stresant, dar cei de la Safdies, în al șaselea lor film, par să prospere pe baza anxietății, captând inerția vieții lui Howard și nenumăratele vieți care se ciocnesc cu ale lui, în toată frumusețea corpului lor. . Chiar înainte de un meci, Howard îi dezvăluie lui Garnett marele său plan pentru o zi de plată mare și îi explică că Garnett îl va primi. ADEVĂRAT? Că tipi ca ei sunt conectați la ceva mai mare, lucrând la o lungime de undă mai mare decât majoritatea, că așa câștigă. S-ar putea să se gândească la ceva sau s-ar putea să-și scoată totul din fund, indiferent, am știut întotdeauna că Sandler a avut asta în el. Acesta poate fi exact ceea ce am avut în vedere.— Dom Sinacola
7. Trebuie să-l aibă
An: 1986
Regie: Spike Lee
Distributie: Tracy Camila Johns, Spike Lee, John Canada Terrell, Tommy Redmond Hicks
Gen: Comedie, Romantic
Evaluare: R
Un debut exploziv de sincer, care a anunțat imediat noua voce curajoasă și proaspătă a lui Lee în cinematografia americană , filmată ca un documentar, She’s Gotta Have It este o explorare simplă a unei tinere negre pe nume Nola (Tracy Camilla Johns) care încearcă să se decidă între cele trei ei. iubitorii de sex masculin, în timp ce cochetează cu aparenta ei bisexualitate, pentru a descoperi, mai ales, ce o face fericită. Ceea ce este revigorant la film este că Lee ridică întotdeauna posibilitatea ca „niciuna dintre cele de mai sus” să fie un răspuns perfect viabil atât pentru Nola, cât și pentru femeile singure – un punct de cotitură în 1986. realismul direct al filmului. —Oktay Ege Kozak
8. Ultima pădure
Anul: 2022
Regia: Luiz Bolognesi
Rating: NR
Un documentar de 76 de minute realizat de regizorul Luiz Bolognesi și co-scenariul/subiectul/liderul Yanomami Davi Kopenawa, Ultima pădure combină reconstituiri mitologice captivante cu filmări cu scene din viață pentru a crea o privire incisivă și perspicace asupra unei culturi indigene care rezistă negării. corupție: a minții și a corpului, datorită chimicalelor și COVID-19, influenței lăcomiei capitaliste. În pădurile tropicale din Brazilia, atracția aurului încă scoate la iveală ceea ce este mai rău în străini. Prin fotografii atrăgătoare, udate în verde și galben, apoi cuprinse de fum și sunet, Bolognesi pune scena în timp ce Kopenawa își spune poveștile. Metodele lor se combină pentru a crea Ultima Pădure.un protest ritmic, liminal, care te va cuceri cu ușurință prin senzația sa abil. Însă abilitățile tehnice ale lui Bolognesi de a surprinde mișcarea și procesele nu trebuie ignorate, în ciuda frumuseții uneori subtile a filmului: a privi un arc trăgând și eliberând o săgeată, sau un copil ghemuit într-un hamac, este abil și satisfăcător prin prisma lui. În acel amestec de practic și abstractizare, se simte într-adevăr că Bolognesi și Kopenawa te lasă să intri în viața lor și nu există o modalitate mai bună de a construi empatie și respect decât asta. — Jacob Oller
9. Apocalypse Now Redux
An: 1979
Regia: Francis Ford Coppola
Distributie: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Dennis Hopper, Laurence Fishburne
Rating: R
Durata: 206 minute
Să-l invocăm pe Truffaut, pentru că spiritul său se simte la fel de relevant pentru o discuție despre sinistră adaptare a lui Francis Ford Coppola a lui Joseph Conrad Heart of Darkness , precum și pentru o discuție despre un film de război precum Paths of Glory și pentru a lua în considerare filmele de război. Poate, dacă îl credem pe Truffaut pe cuvânt, Apocalypse Now(și versiunea sa remasterizată cu încă 49 de minute de streaming pe Netflix) nu poate să nu susțină războiul pur și simplu prin actul de a-l recrea ca artă. Poate că asta nu împiedică filmul să transmită tezele conducătoare ale lui Coppola: războiul transformă oamenii în monștri, îi conduce la o coborâre într-o stare de spirit primitivă și fără lege, iar războiul însuși este iad, o frază de rău augur. suprasolicitare între 1979 și astăzi. Dacă filmul sancționează în mod natural războiul prin reprezentare, nu sancționează impactul războiului asupra umanității participanților săi. De fapt, apocalipsa acumrămâne una dintre cele mai perspicace ilustrații ale efectului corosiv pe care violența sancționată de națiune îl are asupra spiritului și psihicului unei persoane. Este bine că, 40 de ani mai târziu, suntem de acord să cităm acest film în reclame AT&T teribil de neplăcute sau să-i reutilizam fundalul de epocă pentru a face King Kong să se întâmple pentru publicul contemporan a doua oară, dar nu este nimic drăguț, sau chiar totul. Cât de citat, despre asta. Apocalypse Now strică, îmbolnăvește și cicatrice, pătrunzând în memoria noastră, așa cum pot face cu adevărat doar cele mai sumbre manifestări ale depravației umane. — Andy Crump
10. Urmăriți
An: 2015
Regia: David Robert Mitchell
Distributie: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto, Jake Weary, Olivia Luccardi, Lili Sepe
Gen: Horror
Rating: R
Spectrul vechiului Detroit bântuie It Follows . Într-un stand de înghețată dărăpănat de la 12 Mile, în casele în stil fermă din anii 1960 din Ferndale sau Berkley, într-un joc de ludo jucat de adolescenți palizi cu accente nazale, nimic, dacă nu ai fost niciodată, nu ai recunoaște niciodată vechi. nostalgie și gri care se strecoară în fiecare colț al filmului terifiant al lui David Robert Mitchell. Dar este acolo și se simte ca în sud-estul Michiganului. Muzica, paleta de culori mut, dar ciudat de somptuoasă, anacronismul necruțător: numai în stil, Mitchell este un autor aparent născut în întregime din pântecele nesănătos al Metroului Detroit. Ciclurile și cercurile completează concentric It Follows, de la regulile deosebit de insulare ale intrigii de groază a filmului, până la rotunjimea cărnoasă, tinerească, a fețelor și trupurilor acestui mic grup de personaje principale, fără a lăsa publicul să uite că, în multe privințe, acești oameni sunt încă copii. Cu alte cuvinte, Mitchell este clar despre povestea lui: asta s-a mai întâmplat și se va întâmpla din nou. Toate acestea nu ar funcționa dacă Mitchell ar fi mai puțin preocupat de crearea unui film cu adevărat tulburător, dar fiecare înflorire estetică, fiecare tigaie cu cerc complet este aservită pentru a insufla viață morbidă într-o singură imagine: cineva, oricine se separă încet de fundal, de pe sine.. coșmaruri și mergând spre tine, de parcă Moartea însuși ar apărea neanunțată lângă tine în public, gata să-ți taie răsuflarea cu puțin sau deloc aplomb. Inițial, îngâmfarea lui All Mitchell, care transmite o obsesie prin actul sexual, pare să îngroape politica sexuală conservatoare sub tropii tipice ale filmelor de groază, pretinzând a fi un film de gen progresiv, când funcțional nu face nimic pentru a promova ideile noastre despre tariful slasher. Curve, găsești pedeapsă pentru păcatul tău flagrant și fără dragoste, nu? (Filmul are mai multe în comun cu o articulație cu Judd Apatow decât v-ați aștepta.) În schimb, Mitchell nu își judecă niciodată personajele pentru că fac ceea ce aproape orice adolescent își dorește să facă; pur și simplu scoate la iveală, printr-o alegorie complexă, realitățile sexului adolescentin. Nu există nicio implicație de principiu în spatele intenției lui Mitchell;Urmează de la tărâmul jocului de moralitate costumat la o poveste bolnavă și înfricoșătoare despre maturitate. În mod similar, Mitchell înțelege în mod inerent că nu există aproape nimic mai neliniștitor decât obișnuitul doar puțin, încredințând adevărata groază a filmului trucurilor pe care mintea noastră le joacă atunci când uităm să ne verificăm periferia. It Follows este un film care prosperă pe granițe, nu atât despre groaza care îți sare în față, cât despre anxietatea mai profundă care așteaptă la marginea conștiinței, până când, într-o zi nu prea departe, e acolo, amintindu-ți. că timpul tău este limitat și nu vei fi niciodată în siguranță. Uitați de riscurile sexului în adolescență, It Follows este o metaforă pătrunzătoare a creșterii. — Dom Sinacola
11. Bonnie și Clyde
An: 1967
Regia: Arthur Penn
Distributie: Warren Beatty, Faye Dunaway, Michael J. Pollard, Gene Hackman
Rating: R
Durata: 111 minute
A existat o scurtă perioadă în istoria filmelor americane, imediat după ce publicul larg s-a săturat de dramele și comediile banale și stânjenitoare din anii ’60, dar înainte ca studiourile să descopere beneficiile profitabile ale unor francize precum Jaws și Star Wars . după continuare, obțineți venituri din marfă și asigurați un flux constant de bani mari, indiferent de meritul artistic. În acel mic interval ciudat, directorii de studio nu au avut o idee mai bună decât să arunce cu bani în regizorii talentați și să spere că au avut noroc. Filme precum Bonnie și Clyde de Arthur Penn posedă un fel de realism crud care este la fel de inteligent și înțelept ca noul val francez, dar infuzat cu spiritul liber american care nu fusese încă înăbușit de o agendă corporativă. — ShaneRyan
12. Un film polițist
An: 2021
Regizor: Alonso Ruizpalacios
Gen: Documentar
Rating: R
Durata: 107 minute
Din multele fotografii șocante surprinse în hibridul de docuficțiune A Cop Movie, unul transmite ca nimeni altul esența examenului directorului forțelor de poliție din Mexic Alonso Ruizpalacios. După ce și-a legat încheietura de o frânghie lungă și subțire, stagiarul academiei de poliție Teresa se pregătește să sară de pe o platformă de scufundări de 30 de picioare într-o piscină. Este ultima provocare pe care trebuie să o depășească pentru a absolvi, aceea a „hotărârii”, dar reprezintă o amenințare uriașă la adresa vieții lui, deoarece nu poate înota, iar probabila lui soartă de a se îneca este contrabalansată crunt prin menținerea încheieturii mâinii de pământ. Interesant, Teresa se dovedește a fi mai puțin un subiect de documentar și mai mult un avatar pentru Ruizpalacios pentru a analiza perspectiva civilă a forței de poliție a țării. Prezentat ca tema melodie sinceră pentru aproape jumătate din film, Teresa (care estebazat pe o persoană reală) se dovedește a fi interpretat de actrița Mónica del Carmen, care s-a modelat inteligent în imaginea ofițerului din viața reală, recreând flashback-uri din zilele ei ca studentă la academie până la cele mai recente probleme de muncă. străzile Mexicului. Oraș. Alături de el se află colegul actor Raúl Briones, care îl interpretează pe Montoya (de asemenea, un băiat adevărat), a doua jumătate a duo-ului supranumită „patrula dragostei” de către alți polițiști din cauza relației lor de flirt. Deși inițial prezentați ca doi ofițeri pur și simplu făcând tot ce pot într-un sistem care se prăbușește, a doua jumătate a filmului arată clar că aceste sentimente sunt doar proiecții denaturate ale omologilor lor din viața reală. Un film cu polițiști este subtil, dar îndrăzneț în acuzarea de corupție a poliției și a ofițerilor individuali care îl cumpără, bunele intenții să fie naibii. — Natalia Keogan
13. Ucenicul
Anul: 2021
Regia: Chaitanya Tamhane
Vedete: Aditya Modak, Arun Dravid, Sumitra Bhave
Rating: TV-MA
Durata: 128 minute
A-ți dedica viața ceva (artă, pasiune, religie) ne este vândut ca fiind admirabil, dar de multe ori numai dacă ne îndeplinește idealurile romantice despre cum este acea viață. Este succesul, oricât de tardiv sau postum, este justificarea efortului? Scriitorul/regizorul/editorul Chaitanya Tamhane explorează această idee prin viața cântărețului clasic indian Sharad Nerulkar (Aditya Modak), un fervent die-hard crescut de tatăl său iubitor de muzică și înregistrările legendarului cântăreț/guru Maai (Sumitra Bhave). . Va fi recunoscut pentru măreția sa, ieșind din umbră? Sau își va urma tatăl în întuneric tangențial? Lucrări lungi fascinante care rezonează cu același tip de bogăție care se găsește în gamă largă de cântăreți ondulați, permițându-ne mult spațiu pentru a ne bucura de muzica și devotamentul expuse; ascuțit, umorul negru punctează filmul contemplativ cu lovituri la încăpățânare. Performanța excelentă a lui Modok conține o adâncime similară, toate ascunse în spatele tensiunii dornice și a unei priviri neclintite. El întruchipează artistul nemulțumit, unul care vede succesul peste tot în jurul său în smucituri și juguri, deși nu se gândește la ce l-ar putea reține. Este o performanță îngrozitoare, îndrăzneață și înțepătoare, și una care creează un portret cu adevărat câștigător. Chiar și atunci când se mișcă la fel de constant și nepăsător ca motocicleta lui Sharad, o performanță drăguță și înțepătoare care creează o portretizare cu adevărat câștigătoare. Chiar și atunci când se mișcă la fel de constant și nepăsător ca motocicleta lui Sharad, o performanță drăguță și înțepătoare care creează o portretizare cu adevărat câștigătoare.Discipolul conține căldură pentru artistul său de bază și dăruirea de a nu se epuiza niciodată . — Jacob Oller
14. Maestrul
An: 2012
Regia: Paul Thomas Anderson
Distribuție: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Laura Dern
Gen: Dramă
Evaluare: R
Maestrul își studiază personajele cu atâta mistică, tragedie și umor încât nu există momente care să nu fie fascinante. Scriitorul/regizorul Paul Thomas Anderson continuă unele dintre tendințele stilistice din cel mai recent film al său, There Will Be Blood., dar găsește și modalități de a-și asuma în mod constant riscuri și de a lua decizii îndrăznețe care sunt complet imprevizibile. Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) și religia sa, The Cause, sunt în mod evident inspirate de L. Ron Hubbard și Scientology, iar această legătură a fost punctul central al acoperirii de presă care a condus la lansarea filmului. Paralelele dintre cele două ideologii sunt inevitabile, dar nu ele reprezintă ideea. Anderson nu consideră niciodată religie/cult ca pe un spectacol ciudat. Chiar și într-un montaj genial care înfățișează o serie de exerciții istovitoare pe care Freddie (Joaquin Phoenix) nu poate sau nu își permite să fie iluminat, lupta personală este în prim-plan. Ciudățenia ritualurilor este aproape întâmplătoare. Phoenix oferă performanța carierei sale de veteran al celui de-al Doilea Război Mondial îmbibat de alcool, cu cicatrici mentale și fizice. După ce a strâns puține beneficii de la un curs psihiatric rapid pentru soldații care se întorc cu probleme post-traumatice, el se clătinește într-un loc până când trebuie să fugă în altul, obsedat de sex și de a face alcool experimental. Anderson a fost întotdeauna un virtuoz vizual și folosește detalii suplimentare pentru un efect superb. Dodd apare pentru prima dată în timpul unei fotografii de urmărire a lui Freddie, văzut în depărtare ca o figură diminuată, dar exuberantă pe o navă de croazieră, mică, dar încă în centrul atenției. Freddie nu l-a întâlnit încă pe Dodd, dar nava îl strigă. Asta ar putea fi pentru că Dodd l-a întâlnit pe Freddie într-o viață trecută, sau ar putea fi pentru că Freddie este un bețiv disperat care caută un loc unde să se ascundă. Marea tragedie a lui Freddie este că explicația cel mai puțin atrăgătoare nu-i dă niciun răspuns, în timp ce cealaltă îi dă răspunsul greșit. — a deveni obsedat de sex și a face alcool experimental. Anderson a fost întotdeauna un virtuoz vizual și folosește detalii suplimentare pentru un efect superb. Dodd apare pentru prima dată în timpul unei fotografii de urmărire a lui Freddie, văzut în depărtare ca o figură diminuată, dar exuberantă pe o navă de croazieră, mică, dar încă în centrul atenției. Freddie nu l-a întâlnit încă pe Dodd, dar nava îl strigă. Asta ar putea fi pentru că Dodd l-a cunoscut pe Freddie într-o viață anterioară sau pentru că Freddie este un bețiv disperat care caută un loc unde să se ascundă. Marea tragedie a lui Freddie este că explicația cel mai puțin atrăgătoare nu-i dă niciun răspuns, în timp ce cealaltă îi dă răspunsul greșit. — a deveni obsedat de sex și a face alcool experimental. Anderson a fost întotdeauna un virtuoz vizual și folosește detalii suplimentare pentru un efect superb. Dodd apare pentru prima dată în timpul unei fotografii de urmărire a lui Freddie, văzut în depărtare ca o figură diminuată, dar exuberantă pe o navă de croazieră, mică, dar încă în centrul atenției. Freddie nu l-a întâlnit încă pe Dodd, dar nava îl strigă. Asta ar putea fi pentru că Dodd l-a cunoscut pe Freddie într-o viață anterioară sau pentru că Freddie este un bețiv disperat care caută un loc unde să se ascundă. Marea tragedie a lui Freddie este că explicația cel mai puțin atrăgătoare nu-i dă niciun răspuns, în timp ce cealaltă îi dă răspunsul greșit. — văzută în depărtare ca o figură diminuată, dar exuberantă pe un vas de croazieră, mică, dar totuși în centrul atenției. Freddie nu l-a întâlnit încă pe Dodd, dar nava îl strigă. Asta ar putea fi pentru că Dodd l-a cunoscut pe Freddie într-o viață anterioară sau pentru că Freddie este un bețiv disperat care caută un loc unde să se ascundă. Marea tragedie a lui Freddie este că explicația cel mai puțin atrăgătoare nu-i dă niciun răspuns, în timp ce cealaltă îi dă răspunsul greșit. — văzută în depărtare ca o figură diminuată, dar exuberantă pe un vas de croazieră, mică, dar totuși în centrul atenției. Freddie nu l-a întâlnit încă pe Dodd, dar nava îl strigă. Asta ar putea fi pentru că Dodd l-a cunoscut pe Freddie într-o viață anterioară sau pentru că Freddie este un bețiv disperat care caută un loc unde să se ascundă. Marea tragedie a lui Freddie este că explicația cel mai puțin atrăgătoare nu-i dă niciun răspuns, în timp ce cealaltă îi dă răspunsul greșit. —jeremy mathew
15. Crude
An: 2016
Regia: Julia Ducournou Distributie
: Garance Marillier, Ella Rumpf, Laurent Lucas
Gen: Horror
Scor: R
Durata: 99 minute
Dacă sunteți mândru proprietar al unui simț al umorului întortocheat, le-ați putea spune prietenilor dvs. că Raw de Julia Ducournau este un „film privind maturizarea” în încercarea de a te păcăli să-l vezi. Da, protagonista filmului, studenta naiva, Justine (Garance Marillier), devine majoră pe parcursul duratei sale; petrece, iese din carapacea lui și învață cine este cu adevărat ca persoană aflată în pragul maturității. Dar cei mai mulți copii care ajung la majoritate în filme nu își dau seama că și-au petrecut viața reprimând din neatenție o dorință înnăscută, aproape nesățioasă, de a consuma carne crudă. „Hei”, te gândești, „așa se numește filmul!” Tu esti bine! Este! Lasă-i lui Ducournau nervii. Mai mult decât o încuviințare din cap și o semnătură la detaliile viscerale ale imaginii, Raweste o concesie deschisă la calitatea sfâșietoare a înfloririi sumbre a lui Justine. Oricât de urât devine filmul și, într-adevăr, devine urât, sentimentele mai dure pe care Ducournau le articulează aici tind să fie cele pe care nu le putem detecta doar privind: frica de sexualitatea feminină, moștenirile familiei, politica de popularitate și incertitudinea de sine. -guvernul . Ororile la fel de mult ca carnea expusă, însângerată. Este un gorefest fără scuze și mult mai mult de mestecat decât efectele sale. — Andy Crump
16. Dați 5 sânge
An: 2020
Regie: Spike Lee
Vedete: Clarke Peters, Delroy Lindo, Norman Lewis, Isiah Whitlock Jr., Chadwick Boseman, Jonathan Majors
Gen: Dramă
Evaluare: R
Căutarea aurului îngropat nu se termină bine sau merge fără probleme. Drumul lung către reconciliere, fie că are traume, familie sau identitate națională, nu este niciodată lipsit de obstacole. Lipiți aceste adevăruri împreună cu efectele de uzură ale rasismului instituțional, adăugați nenumărate referințe la istorie (istoria americană, istoria muzicii, istoria filmului) și aveți Da 5 Bloods de Spike Lee , un film de acțiune în stil clasic din Vietnam. viziune cinematografică. Ca și în BlackKkKlansman din 2018, Lee conectează punctele dintre trecut și prezent, legând lupta pentru drepturile civile exprimată în obiecție de conștiință și protest cu propria luptă a Americii contemporane împotriva fascismului sancționat de stat. După ce a început cu un montaj de evenimente cuprinzând și figuri care vorbesc împotriva Războiului din Vietnam, care este denumit în mod predominant Războiul American în restul filmului, Lee prezintă patru dintre cele cinci sângeri: Otis (Clarke Peters), Paul ( Delroy Lindo), Eddie (Norm Lewis) și Melvin (Isiah Whitlock Jr.), veterani din Vietnam în robie, s-au întors în Ho Chi Minh City aparent pentru a găsi și recupera oasele liderului lor de echipă, Norman (Chadwick Boseman). Există mai mult desigur „plus” fiind în jur de 17 milioane de dolari în lingouri de aur plantate pe pământ vietnamez, deținute de CIA, dar reînsușite de Bloods ca reparație pentru suferința lor personală ca bărbați care duc un război pentru o țară condusă de oameni cărora nu le pasă drepturile lor. Lee este la apogeul puterilor atunci când susține fără îndoială că, atâta timp cât a trecut de la încheierea războiului din Vietnam, Statele Unite continuă cu îndârjire să ducă aceleași războaie împotriva propriului popor și, într-adevăr, împotriva restului lumea.. Și Lee este încă furios și nemulțumit de status quo-ul, fiind opresiunea continuă a americanilor de culoare prin brutalitatea poliției, suprimarea alegătorilor și malpraxis medical. În acest context, Statele Unite continuă cu încăpățânare să ducă aceleași războaie împotriva propriului popor și, într-adevăr, împotriva restului lumii. Și Lee este încă furios și nemulțumit de status quo-ul, fiind opresiunea continuă a americanilor de culoare prin brutalitatea poliției, suprimarea alegătorilor și malpraxis medical. Pe acest fundal, Statele Unite continuă cu încăpățânare să ducă aceleași războaie împotriva propriului popor și, într-adevăr, împotriva restului lumii. Și Lee este încă furios și nemulțumit de status quo-ul, fiind opresiunea continuă a americanilor de culoare prin brutalitatea poliției, suprimarea alegătorilor și malpraxis medical. În acest context, fiind opresiunea continuă a americanilor de culoare prin brutalitatea poliției, suprimarea alegătorilor și malpraxis medical. Pe acest fundal, Statele Unite continuă cu încăpățânare să ducă aceleași războaie împotriva propriului popor și, într-adevăr, împotriva restului lumii. Și Lee este încă furios și nemulțumit de status quo-ul, fiind opresiunea continuă a americanilor de culoare prin brutalitatea poliției, suprimarea alegătorilor și malpraxis medical. În acest context, fiind opresiunea continuă a americanilor de culoare prin brutalitatea poliției, suprimarea alegătorilor și malpraxis medical. Pe acest fundal, Statele Unite continuă cu încăpățânare să ducă aceleași războaie împotriva propriului popor și, într-adevăr, împotriva restului lumii. Și Lee este încă furios și nemulțumit de status quo-ul, fiind opresiunea continuă a americanilor de culoare prin brutalitatea poliției, suprimarea alegătorilor și malpraxis medical. În acest context, fiind opresiunea continuă a americanilor de culoare prin brutalitatea poliției, suprimarea alegătorilor și malpraxis medical. În acest context, fiind opresiunea continuă a americanilor de culoare prin brutalitatea poliției, suprimarea alegătorilor și malpraxis medical. În acest context,Lățimea lui Da 5 Bloods este aproape necesară. După cum ar spune Pavel: La dreapta. — Andy Crump
17. Creste
An: 2014
Regia: Patrick Brice
Distributie: Mark Duplass, Patrick Brice
Gen: Horror
Evaluare: R
Creep este un mic film de groază indie oarecum previzibil, dar vesel nebun, debutul regizoral al lui Brice, care a lansat și anul acesta The Overnight . Cu mereu prolificul Mark Duplass, este un studiu de caracter al doi bărbați: un videograf naiv și un reclus psihotic nu atât de secret, cel din urmă îl angajează pe primul pentru a-și documenta viața într-o cabană din pădure. Se bazează în totalitate pe performanțele sale, care sunt excelente. Duplass, care poate fi fermecător și ciudat în ceva de genul Securitate negarantată, strălucește aici ca nebunul deranjat care își forțează drum în viața protagonistului și bântuie fiecare moment de trezire. Primele momente de dus și înapoi între pereche trosnesc cu un fel de intensitate stânjenitoare. Orice expert în genul va vedea, fără îndoială, unde se duce, dar este o călătorie bine concepută, care reușește datorită chimiei dintre cele două protagoniste principale într-un mod care îmi amintește de scenele dintre Domhnall Gleeson și Oscar Isaac din Ex Machina . — Jim Vorel
18. Conjurarea
An: 2013
Regia: James Wan
Distributie: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Ron Livingston, Lili Taylor
Gen: Horror
Evaluare: R
Să se știe: James Wan este, după orice estimare corectă, un regizor de filme de groază peste medie, cel puțin. Precursorul unor spectacole cu bani mari, precum Saw și Insidious , are un talent pentru a crea groază populistă care încă poartă o strigă a propriei sale identități artistice, un cadou de la Spielberg pentru ceea ce vorbește publicului multiplex fără a sacrifica complet caracterizarea. . Câteva dintre filmele sale se clasează chiar în afara primelor 100, dacă această listă s-ar extinde vreodată, dar nu se poate nega că The Conjuring este reprezentantul lui Wan, deoarece este de departe cel mai înfricoșător dintre toate lungmetrajele sale. Amintindu-mi de experiența de a viziona Activitatea paranormală Pentru prima dată într-un multiplex aglomerat, The Conjuring are o modalitate de a submina când și unde vă așteptați să lovească sperieturi. Povestea lui cu casa bântuită/posesiune nu este nimic pe care nu l-ați văzut până acum, dar puține filme din această operă din ultimii ani au avut jumătate din stilul pe care Wan îl dă într-o fermă veche scârțâitoare din Rhode Island. Filmul corespunde așteptărilor publicului, aruncându-vă mari sperieturi fără acumularea standard de Hollywood Jump Scare, evocând simultan poveștile clasice cu fantome ale epocii de aur, cum ar fi The Haunting a lui Robert Wise . Intensitatea sa, efectele funcționează și natura necruțătoare l-au pus cu câteva crestături deasupra oroarei PG-13 cu care a concurat în primul rând. Este interesant de observat că The Conjuring a primit de fapt un rating „R” în ciuda lipsei de „violență” evidentă, sângerări sau sexualitate. Era prea înfricoșător pentru a nega, și asta merită respect. — Jim Vorel
19. Ip Man
An: 2008
Regie: Wilson Yip
Distribuție: Donnie Yen, Lynn Hung, Dennis To, Syun-Wong Fen, Simon Yam, Gordon Lam
Gen: Acțiune
Evaluat: R
Ip Man din 2008 a marcat în sfârșit momentul în care Donnie Yen, cu adevărat excelent, dar niciodată respectat, a luat viață, jucând o versiune vag biografică a legendarului mare maestru Wing Chung și profesor al mai multor viitori maeștri de arte marțiale (unul dintre care a fost Bruce Lee). În Foshan (un oraș renumit pentru artele marțiale din sudul/centrul Chinei), un modest practicant Wing Chung încearcă să reziste pașnic invaziei și ocupației japoneze a Chinei în 1937, dar în cele din urmă este forțat să acționeze. Acest film semi-istoric plin de acțiune care zdrobește membrele și pulverizează fața, care are un succes glorios atât ca o dramă convingătoare, cât și ca momeală pentru fanii artelor marțiale. — K. Alexander Smith
20. Fiica pierdută
An: 2021
Regia: Maggie Gyllenhaal
Distribuție: Olivia Colman, Dakota Johnson, Jessie Buckley, Paul Mescal, Dagmara Dominczyk, Oliver Jackson-Cohen, Peter Sarsgaard, Ed Harris
Gen: Dramă
Evaluare: R
Durata: 124 minute
Pe plaja, unde cercetătoarea de literatură comparată Leda (Olivia Colman) se relaxează în The Lost Daughter, cerurile sunt de un albastru cristal, plajele albe strălucitoare, apa caldă și translucidă. Dar malul este infestat și de oameni nepoliticoși și gălăgioși; Fructe de Leda infectate de putregai malign; dormitorul ei contaminat cu insecte care scârțâie; o păpușă de fată coruptă de lichidul negru nociv și de insecte zvârcolite. Această tensiune tonală este simptomatică pentru spiritul filmului: este un măr strălucitor care se descompune rapid din interior spre exterior. Filmul are loc pe parcursul a câteva zile, în timp ce Leda se instalează pentru o vacanță de lucru fastuoasă. Cu toate acestea, relaxarea lui este întreruptă când o întâlnește pentru prima dată pe Nina (Dakota Johnson), o tânără mamă frumoasă și de nepătruns. Leda devine obsedată de Nina, pe măsură ce acesta din urmă reapare din neatenție amintiri bântuitoare ale experiențelor chinuitoare ale Ledei ca mamă. Din acel moment, amintirile bântuitoare ale Ledei pătrundfiica pierdutăpână când mărul este complet negru. În timp ce narațiunea în sine, adaptată după romanul omonim al Elenei Ferrante din 2006, este relativ simplă, regizoarea pentru prima dată Maggie Gyllenhaal, care a scris și scenariul, abordează problemele sexismului interiorizat și exteriorizat cu agilitate și complexitate. Starea de spirit subtilă și complexă a Ledei nu ar fi fost posibil de transmis dacă nu ar fi extraordinara sensibilitate vizuală a lui Gyllenhaal. Luptele Ledei sunt în mare parte interne, dar sunt încrezător că povestirea excepțional de tactilă a lui Gyllenhaal spune mult mai mult decât ar putea cuvintele vreodată. Când Leda mângâie încheietura murdară a Elenei, atingerea ei este blândă și cumva plină de regret. Când strecoară un ac în pălăria Ninei, sună sinistru ca o sabie scoasă, dar amplasarea sa atentă este aproape senzuală. Și când o Leda mai tânără tăie carnea unei portocale, tăietura ei netedă și discretă aproape că se simte sinistră. Regia extraordinară a lui Gyllenhaal, alături de performanțe excepționale aleActrițele principale din The Lost Daughter culminează într-o furtună perfectă care produce o portretizare inteligentă a așteptărilor dureroase ale feminității. — Aurora Amidon
21. Mi-am pierdut corpul
An: 2019
Regia: Jérémy Clapin Distributie
: Hakim Faris Hamza, Victoire Du Bois, Patrick d’Assumçao
Gen: Animatie, Drama
Clasificare: TV-MA
Durata: 81 minute
În timp ce suntem la bord, cel puțin pasiv, pentru oricâte sequel-uri pe care Pixar vrea să le dea Toy Story , răbdătoare cât durează alta, mi-am pierdut corpul .este un film de animație singular, din ce în ce mai mult de genul care, sincer, nu se mai face. Parțial pentru că trăsăturile desenate manual realizate de studiourile mici sunt mai rare ca niciodată, dar mai ales pentru că este un film animat sfidător orientat spre adulți, învelit într-o povestire oblică, plină de durere. Aparent despre o mână antropomorfă care se ridică și alunecă prin oraș pentru a găsi persoana de care a fost odată atașată (povestea despre cum este decupată încet iese la iveală), frumusețea imaginilor regizorului Jérémy Clapin, prin Adesea conturată în murdărie și descompunere, I Lost My Body este o realizare modestă, liniștitoare sfâșietoare, pe care Academia trebuie să o acorde acum mai mult ca niciodată prioritate față de cursul de studii care se așteaptă să fie competent. — Dom Sinacola
22. Cristina
An: 2016
Regia: Antonio Campos
Distribuție: Rebecca Hall, Michael C. Hall, Tracy Letts, Maria Dizzia, J. Smith-Cameron, John Cullum, Timothy Simons
Gen: Dramă
Evaluare: R
De ce jurnalista de televiziune Christine Chubbuck și-a luat viața în fața camerei în 1974? Stralucirea acestei drame Antonio Campos este că încearcă să răspundă la această întrebare respectând enormitatea și ignoranța unui act atât de violent și tragic. Rebecca Hall este importantă ca Christine, o femeie profund nefericită a cărei ambiție nu a egalat niciodată talentul ei, iar actrița este incredibil de înțelegătoare în rol. Pe măsură ce ne apropiem de moartea inevitabilă a lui Christine, ajungem să înțelegem că Christine nu este un roman morbid, ci o privire plină de compasiune asupra inegalității de gen și a singurătății. — Tim Grierson
23. Vina!
An: 2017
Regia: Hiroyuki Seshita
Vedete: Sora Amamiya, Kana Hanazawa, Takahiro Sakurai
Gen: Anime, Science Fiction
Rating: TV-14
Când vine vorba de sci-fi industrial întunecat, Tsutomu Nihei este un vizionar. Antrenat ca arhitect înainte de a urma o carieră ca autor de manga, arta lui Nihei este atât rară, cât și labirintică, corpul său de lucrări fiind definit de o obsesie unificatoare pentru spațiile inventate. Fabrici bizantine, cu accente gotice, care se întind peste prăpastii imposibile, populate de sinteți cu picioare arcuite și de prădători macabri care vând săbii de oase zimțate și pistoale cu cartila care pulsa. Primul și cel mai faimos serial al său, Blame!, este considerat textul cheie în moștenirea estetică a lui Nihei, mergând atât de departe încât să inspire totul, de la jocuri video la muzică, și chiar artă și modă. Au existat încercări anterioare de a adapta seria într-un anime, deși niciuna nu a avut succes. Adică până acum. Cu sprijinul Netflix, Hiroyuki Seshita de la Polygon Pictures a lansat acel mult așteptat Blame! film. Amplasat într-un viitor Pământ îndepărtat, consumat de o suprastructură masivă auto-replicabilă cunoscută sub numele de „Orașul”, Blame!îl urmărește pe Killy, un singuratic taciturn, care rătăcește prin straturile planetei în căutarea unui om care posedă „gena terminală a rețelei”, o trăsătură evazivă despre care se crede că este singurul mijloc de a opri expansiunea ostilă perpetuă a orașului. Cu un scenariu scris de Sadayuki Murai, renumit pentru că a scris în seriale precum Cowboy Bebop și Perfect Blue al lui Satoshi Kon .și supravegheat de însuși Nihei, filmul lui Seshita prescurtează multe dintre primele capitole ale manga și simplifică povestea într-o poveste mult mai narativă și bazată pe acțiune. Directorul de artă Hiroshi Takiguchi reproduce cu îndemânare estetica distinctivă a lui Nihei, realizând în culoare ceea ce înainte era doar monocrom, în timp ce Yuki Moriyama îmbunătățește cu dibăcie desenele uniforme ale caracterelor originale, oferind actorilor săi trăsături și siluete distincte și ușor de identificat, care îmbunătățesc considerabil capacitatea de a analiza istoria. . . Vinovăţie! este o adaptare cât se poate de fidelă și o introducere la fel de potrivită pentru serie ca și manga în sine. Vinovăţie!construiește un argument puternic pentru a fi nu numai unul dintre cele mai distractive filme anime din memoria recentă, ci și pentru a fi unul dintre, dacă nu cel mai bun film anime original care a împlinit Netflix de mult timp. — Tousaint Egan
24. gangster american
An: 2007
Regie: Ridley Scott
Distributie: Denzel Washington, Russell Crowe, Chiwetel Ejiofor, Cuba Gooding Jr., Josh Brolin
Rating: R
Durata: 156 minute
Cu American Gangster , Ridley Scott se întoarce la stilul mai măsurat de filmare evidențiat în documentul său SF Blade Runner.. Abilitățile regizorului de a construi lumea, fără îndoială, sunt expuse pe deplin, în timp ce recreează Harlem-ul de la mijlocul anilor 70. Dar povestirea lui pune din nou prioritate caracterului în detrimentul acțiunii rapide. Denzel Washington și Russell Crowe, cu ajutorul unei distribuții secundare talentate, luminează rolul acestui actor, transformând publicul într-o încântare după alta. Washington este Frank Lucas, cândva mâna dreaptă a unui lord al crimei din Harlem și, în cele din urmă, cel mai puternic și independent dealer de heroină din New York City. Criminal sau nu, Lucas definește visul american. Crowe este Ritchie Roberts, un polițist prea cinstit, autorizat să creeze o unitate independentă de droguri, și se aruncă în Roberts, arătându-și abilitățile considerabile în fiecare cadru. Între timp, Josh Brolin, Chiwetel Ejiofor, Ted Levine și Armand Assante contribuie cu o putere și o credibilitate unice. Scott chiar îi face pe TI și RZA să arate ca niște actori. Dar filmul aparține lui Washington și Crowe; primul rece și amenințător, al doilea s-a prăbușit și s-a dezordonat. Când în cele din urmă se ciocnesc, filmul se îndreaptă spre exces. De la inceput la sfarsit,Gangsterul american trosnește doar cu spectacole care fac ca cinematograful de gen să pară artă.— Russ Fischer
25. Atena
Data lansării: 23 septembrie 2022
Regia: Romain Gavras
Vedete: Dali Benssalah, Sami Slimane, Anthony Bajon, Ouassini Embarek, Alexis Manenti
Evaluat: R Durată
: 97 minute
A trecut mai bine de un deceniu de când Romain Gavras și-a umplut videoclipul de muzică de la „No Church in the Wild” cu molotovi, cai de poliție furați și scuturi anti-revolte lovite, motive vizuale ale eroismului protestului, iar singurul lucru care s-a schimbat este familiaritatea noastră cu urmările. Furia din spatele acestor imagini încă mocnește, dar știm confortul rece care rămâne atunci când jarul este în sfârșit stins. Totuși, tot ce se poate face este să reaprindeți focul, ceea ce Gavras face în fascinanta și vitala Athena.. O epopee a războiului dintre oameni și stat, trece printr-o mișcare de rezistență de la bază ca un foc de sălbăticie: orbitoare, periculoasă, consumatoare. Zona de război este Athena, un proiect de locuințe francez, unde tragedia a reunit o comunitate, formată dintr-o singură familie. Idir, în vârstă de 13 ani și cel mai mic dintre cei patru frați, Karim (Sami Slimane), Abdel (Dali Benssalah) și Moktar (Ouassini Embarek), a fost bătut până la moarte de poliție. Cineva a înregistrat-o pe telefonul său. Dar am descoperit asta în fragmente împrăștiate cu expunere, transformate în confetti și plutind prin aerul fumuriu. Atenția noastră imediată este asupra lui Karim, care conduce un grup de vecini îmbrăcați în trening și tineri care au aceleași păreri, care năvălesc într-o secție de poliție. Scena de deschidere, prima dintre multele fapte incredibile de planificare,Lansarea Athenei este una dintre cele mai bune ale anului, o piesă de acțiune necruțătoare, care ridică pumnul, strânge maxilarul și care induce pielea de găină, care nu se oprește până când nu ești complet radicalizat. Atunci începi să te uiți prin stil, să vezi cum reflectă personalitățile personajelor lor în perspectivă. Există un motiv pentru care Athena se simte ca un atac de cord în mișcare. Există durere și panică. Pulsul tău nu crește vertiginos doar pentru că te grăbești. Dar până ne dăm seama de asta, Karim și echipa sa joacă într-o epopee cuprinzătoare la scară mare: un 1917 modern în care îngrozitorul razboi a venit acasă. athenanu este aici pentru frumusețe. El este aici pentru a-ți scoate tobele din urechi, pleoapele din ochi, plumbul din pantofi. Cu fotografii care încep de la „al naibii de incredibil” și ajung la „al naibii de posibil”, viziunea lui grandioasă își propune să definească un simbol internațional al modernității: protestul ca război. Mai multe gradiente politice decât oameni, Benssalah și Slimane ne ghidează prin crearea de mituri până când înțelegem pe deplin absurditatea ca Athena să fie atât zeul înțelepciunii, cât și zeul războiului. Dar, așa cum cântă Frank Ocean la „No Church in the Wild”, ce este un Dumnezeu pentru un necredincios? Atena se aprinde puternic și rapid, înregistrând strigătul tău de luptă de neuitat pe ecran pentru doar 99 de minute. Acțiunea lui idealistă va rămâne cu tine mult mai mult timp.” — Jacob Oller
26. Dick Johnson a murit
An: 2020
Regia: Kirsten Johnson
Distributie: Kirsten Johnson, Dick Johnson
Gen: Documentar
Evaluare: PG-13
Dacă fiecare mare documentar este despre responsabilitatea observației, Cameraperson -ul lui Kirsten Johnson este și despre fragilitatea acelei observații. Cu următorul său, Dick Johnson Is DeadJohnson continuă să pună la îndoială această fragilitate, creând o odă profund personală asupra a ceea ce nu are control: moartea tatălui său. Ajută faptul că Dick Johnson este un suflet neîncetat, un om necontenit cald și radiant, înconjurat de prieteni, colegi și cunoștințe care îl iubesc cu toții în mod egal și sincer, dar încă de la primele lui fotografii, Johnson arată clar că natura minunată a tatălui său va face să-ți ia rămas bun de la el cu atât mai dificil. Iar momentul în care trebuie să o facă se apropie din ce în ce mai mult. Impulsul său, recunoaște el fără vârste, este parțial egoist, deoarece decide să-și ajute tatăl să se familiarizeze cu sfârșitul vieții sale, recreând în viniete cinematografice fastuoase numeroasele moduri în care ar putea apărea, de la prăbușirea unității de aer condiționat, chiar și unghii festonate. 2 × 4 pe față, în cădere obișnuită pe scări, plină cu gâtul rupt. Cu cât Johnson se pierde mai mult în proiect, cheltuind mai mult efort pentru a consulta cascadori, directori de artă și membri ai echipajului asortat decât propriul său tată (stă liniștit pe platoul de filmare, de obicei dormind, fără a fi deranjat), cu atât își dă seama că poate fi. exploatând pe cineva iubit, cineva care începe să dea semne alarmante de demență și nu mai poate înțelege pe deplin conceptul înalt pe care l-a acceptat cândva, pentru a-și ușura propria anxietate. Pe măsură ce memoria tatălui său se estompează odată cu capacitatea lui de a avea grijă de sine, cu atât mai mult își dă seama că poate exploata pe cineva pe care îl iubește, cineva care începe să arate semnele alarmante ale demenței și nu mai poate înțelege pe deplin conceptul înalt cu care au fost de acord cândva, pentru a-și ușura propria anxietate. Pe măsură ce memoria tatălui său se estompează odată cu capacitatea lui de a avea grijă de el însuși, cu atât mai mult își dă seama că exploatează pe cineva pe care îl iubește, cineva care începe să prezinte semnele alarmante ale demenței și pe care nu mai poate înțelege pe deplin conceptul înalt pe care îl iubește. odată ce a fost de acord cu, pentru a-și ușura propria anxietate. Pe măsură ce memoria tatălui său se estompează odată cu capacitatea lui de a avea grijă de sine, Pe măsură ce memoria tatălui său se estompează odată cu capacitatea lui de a avea grijă de el însuși, cu atât mai mult își dă seama că exploatează pe cineva pe care îl iubește, cineva care începe să prezinte semnele alarmante ale demenței și pe care nu mai poate înțelege pe deplin conceptul înalt pe care îl iubește. odată ce a fost de acord cu, pentru a-și ușura propria anxietate. Pe măsură ce memoria tatălui său se estompează odată cu capacitatea lui de a avea grijă de sine, Pe măsură ce memoria tatălui său se estompează odată cu capacitatea lui de a avea grijă de el însuși, cu atât mai mult își dă seama că exploatează pe cineva pe care îl iubește, cineva care începe să prezinte semnele alarmante ale demenței și pe care nu mai poate înțelege pe deplin conceptul înalt pe care îl iubește. odată ce a fost de acord cu, pentru a-și ușura propria anxietate. Pe măsură ce memoria tatălui său se estompează odată cu capacitatea lui de a avea grijă de sine,Dick Johnson Is Dead satisface mai puțin nevoia lui Dick de a păstra un sentiment de nemurire decât nevoia fiicei sale, întreaga noastră nevoie, de a renunța. — Dom Sinacola
27. mandarina
An: 2015
Regia: Sean Baker Distributie
: Alla Tumanian, Mya Taylor, Karren Karagulian
Evaluat: R
Durata: 87 minute
Unul dintre cei mai buni regizor de film Sean Baker, Tangerinefabula lucrătoarelor sexuale de Crăciun care navighează în dragoste și pierdere la Hollywood este tot ceea ce marele indie este cunoscut: intim, cald, prost, sincer și suficient de murdar. Filmat în întregime pe iPhone, acest film subversiv de sărbători celebrează familia care se găsește în magazinele de gogoși, spălătorii și băile de la bar. Ne amintește că, uneori, cel mai bun cadou dintre toate este un prieten care îți împrumută peruca în timp ce a ta este la spălat. Kitana Kiki Rodríguez și Mya Taylor poartă filmul în toată complexitatea sa emoțională și tonală, în timp ce grija plină de compasiune a lui Baker pentru oamenii din afara marginilor face ca stilul cinematografic de gherilă să pară mai iubitor decât exploatator. Abordându-ți subiecții cu empatie și oferindu-le cât mai mult spațiu pentru a ne absorbi în lumea lor, este complet în spiritul Crăciunului, chiar dacă o întâlnire sexuală la o spălătorie auto ar putea să nu fie la fel de sănătoasă ca ceva de la Jimmy Stewart. Dar pentru un anumit tip de persoană, și pentruTipul de prietenie foarte încrezător al lui Tangerine , „Ajunul Crăciunului fericit, cățea”, este tot ce trebuie spus. — Jacob Oller
28. Îmi pare rău că te deranjez
An: 2018
Regia: Boots Riley
Vedete: Lakeith Stanfield, Tessa Thompson, Armie Hammer, Stephen Yeun, Patton Oswalt, David Cross, Terry Crews, Danny Glover
Evaluat: R
Durata: 105 minute
Sorry to Bother You are atât de multe idei care ies din fiecare cusătură, atât de multă ambiție, atât de multe lucruri pe care vrea să le spună atât de urgent, încât mi se pare aproape nepoliticos să subliniez că filmul se termină glorios scăpat de sub control. Acesta este primul film al rapperului/producătorului Boots Riley și arată, în toate modurile posibile (bun, rău, uimitor, ridicol), ca și cum nu știe dacă ar putea face altul, așa că a prezentat fiecare idee pe care a putut-o vreodată. a avut despre asta. Există momente în Îmi pare rău că te deranjezasta te va face să vrei să sari amețit prin teatru. Sunt și momente care te vor face să te întrebi cine în lume i-a dat acestui nebun un aparat de fotografiat. (De asemenea, unele dintre acele momente sunt destul de amețitoare.) Primul îl depășește cu mult pe al doilea. Lakeith Stanfield joacă rolul lui Cassius, un tip cu inimă bună care simte că viața îi scapă și așa că încearcă să-și facă telemarketing-ul și eșuează (într-o serie de scene fantastice în care biroul lui cade literalmente în casele oricui ar fi acesta). ). formează) până când un coleg (Danny Glover, interesant până când filmul îl respinge complet) îl sfătuiește să folosească „vocea albă” la apeluri. Dintr-o dată, Stanfield sună exact ca David Cross la cel mai nazal și a devenit un superstar în companie, care îl conduce „la etaj”, unde „superchematorii” ca el merg după liderii lui Glengarry. Acesta este doar punctul de plecare: de-a lungul timpului, întâlnim un om de afaceri de tip Tony Robbins (Armie Hammer) care ar putea fi la fel de bine un comerciant de sclavi, iubita artistului radical a lui Cassius (Tessa Thompson), care poartă cercei cu atât de multe lozinci încât este un miracol că ea poate ridica capul și un coleg de muncă revoluționar (Stephen Yeun) care încearcă să-i enerveze pe muncitori să se revolte împotriva stăpânilor lor. Există și o mulțime de alți oameni și doar unii dintre ei sunt pe deplin umani. Este destul de un film. Există și o mulțime de alți oameni și doar unii dintre ei sunt pe deplin umani. Este destul de un film. Există și o mulțime de alți oameni și doar unii dintre ei sunt pe deplin umani. Este destul de un film.— Will Leitch
29. RRR
An: 2022
Regia: SS Rajamouli
Vedete: NT Rama Rao Jr., Ram Charan, Ajay Devgn, Alia Bhatt, Shriya Saran, Samuthirakani, Ray Stevenson, Alison Doody, Olivia Morris
Evaluare: NR
Durată: 187 minute
O epopee telugu care rivalizează chiar și cu excesele exagerate ale succeselor anterioare ale scriitorului/regizorului SS Rajamouli (cele două filme Baahubali ), RRRTitlul îndrăgător de repetitiv și simplu reflectă o distracție de trei ore prin istoria colonială indiană, plină de bucuriile primare ale frăției și dansului. Aproape din punct de vedere politic, povestea sa cu cei mai buni prieteni Alluri Sitarama Raju (Ram Charan) și Komaram Bheem (NT Rama Rao Jr.) se concentrează pe contraste superficiale care maschează asemănări profunde. Bazat pe doi revoluționari supereroici care nu ar fi trebuit să salveze un băiat făcând bungee jumping simultan pe o motocicletă și un cal legat pe părțile opuse ale unui pod, eroii care se ciocnesc reprezintă polii rurali și urbani care se opun colonizatorilor. Caricaturi ale inimii urbane și ale fiarei nobile a pădurii, cele două încarnări ale mândriei culturale care se luptă cu fiarele CGI, britanicii proști și unul cu altul, deși nu poți să nu speri că vor ajunge să se îmbrățișeze strâns. (Ei fac ghemuiri în timp ce călăresc pe piggybacks. Să mergem.) Prietenia lor strălucitor de homoerotică înainte și înapoi merge pe o frânghie narativă care este tensionată, dar cu cinematografia maximalistă a filmului ca grindă de echilibru. O coloană sonoră fenomenal de vibrantă și jucăușă însoțește unele dintre cele mai bombastice secvențe de acțiune ale anului și scene de dans fermecătoare, fără să-și zvâcnească mustața. Cele două protagoniste musculoase, hipermasculine se întind în comedia tăcută, priceperea muzicală de cântece și dans și coregrafie elegantă de luptă ca genul de vedete pe care nu le mai avem în SUA, deoarece drumul lor turbulent din punct de vedere moral se năpustește împotriva răului pur al asupritorilor albi cruzi, orice îndoială că Let’s Go.) Prietenia lor strălucitor de homoerotică înainte și înapoi merge pe o frânghie narativă tensionată, dar cu cinematografia maximalistă a filmului ca grindă de echilibru. O coloană sonoră fenomenal de vibrantă și jucăușă însoțește unele dintre cele mai bombastice secvențe de acțiune ale anului și scene de dans fermecătoare, fără să-și zvâcnească mustața. Cele două protagoniste musculoase, hipermasculine se întind în comedia tăcută, priceperea muzicală de cântece și dans și coregrafie elegantă de luptă ca genul de vedete pe care nu le mai avem în SUA, deoarece drumul lor turbulent din punct de vedere moral se năpustește împotriva răului pur al asupritorilor albi cruzi, orice îndoială că Let’s Go.) Prietenia lor strălucitor de homoerotică înainte și înapoi merge pe o frânghie narativă tensionată, dar cu cinematografia maximalistă a filmului ca grindă de echilibru. O coloană sonoră fenomenal de vibrantă și jucăușă însoțește unele dintre cele mai bombastice secvențe de acțiune ale anului și scene de dans fermecătoare, fără să-și zvâcnească mustața. Cele două protagoniste musculoase, hipermasculine se întind în comedia tăcută, pricepere muzicală de cântece și dans și coregrafie elegantă de luptă, ca genul de vedete pe care nu le mai avem în SUA, deoarece drumul lor turbulent din punct de vedere moral se dezlănțuie împotriva răului pur al asupritorilor albi cruzi. O coloană sonoră fenomenal de vibrantă și jucăușă însoțește unele dintre cele mai bombastice secvențe de acțiune ale anului și scene de dans fermecătoare fără să-și zvâcnească mustața. Cei doi protagonisti hipermasculini îmbrățișează comedia tăcută, priceperea muzicală în cântec și dans și coregrafie de luptă elegantă, ca genul de vedete pe care nu le mai avem în SUA, în timp ce își urmează calea turbulentă din punct de vedere moral. răul pur al asupritorilor albi cruzi, orice îndoială că O coloană sonoră fenomenal de vibrantă și jucăușă însoțește unele dintre cele mai bombastice secvențe de acțiune și scene de dans fermecătoare ale anului, fără să-și zvâcnească mustața. Cei doi protagonisti hipermasculini îmbrățișează comedia tăcută, talentul muzical de cântec și dans și coregrafia elegantă de luptă, ca genul de vedete pe care nu le mai avem în SUA, în timp ce își urmează calea turbulentă din punct de vedere moral. răutatea totală a asupritorilor albi cruzi, orice îndoială căRRR este un mit modern care se estompează în umbra junglei. Plin de simboluri, stenografie politică și stereotipuri de orice tip, RRR crește, urlă și revolte cu putere cinematografică brută și suficientă densitate captivantă pentru a merita urmărit și discutat din nou și din nou. — Jacob Oller
30. Nu este un alt film pentru adolescenți
An: 2001
Regia: Joel Gallen
Distributie: Chris Evans, Jaime Pressly, Randy Quaid
Gen: Comedie
Evaluare: R
Este posibil ca Chris Evans să fi trecut la lucruri mai mari și mai bune, dar performanța sa extrem de modestă ca joc înșelat în parodia subgenului Not Another Teen Movie a fost un vârf timpuriu pentru Captain America. Susținut de o mulțime de replici citate și de o estetică tăiată cu expertiză de la regizorul și actorul principal al Comedy Central, Joel Gallen, Not Another Teen Movie este un răspuns hilar și usturător la valul de comedii sexuale pentru adolescenți care s-a desfășurat începând cu anii 1980. 80 până în 2001. Acest film a făcut, practic, comenzilor romantice pentru adolescenți ceea ce a făcut Walk Hard: The Dewey Cox Story .realizată cu biopicuri muzicale – parodia este atât de bună încât, după ce o vizionați, este greu să iei în serios intrările serioase. Îndrăzneț, dar ascuțit, filmul se întinde pe jos și înaltul cu mult succes, cu o Molly Ringwald supărată care încheie totul într-o cameo perfectă . — Jacob Oller
31. Mirai
An: 2018
Regia: Mamoru Hosoda Distributie
: Haru Kuroki, Moka Kamishiraishi, Gen Hoshino
Gen: Anime, Fantasy
Evaluare: PG
Majoritatea, dacă nu toate, filmele originale ale lui Mamoru Hosoda produse în ultimul deceniu funcționează, într-o măsură mai mare sau mai mică, ca exerciții de autobiografie. Summer War , în afară de o premisă mai mult sau mai puțin reciclată din debutul regizoral al lui Hosoda din 2000, Digimon Adventure: Our War Game! , a fost povestea des îndepărtată despre Hosoda întâlnindu-se pentru prima dată cu familia soției sale. Filmul Wolf Children din 2012 a fost inspirat de dispariția mamei lui Hosoda, susținut parțial de anxietăți și aspirații față de perspectiva propriei ei părinte iminente. Băiatul și Bestia 2015 s-a încheiat imediat după nașterea primului copil al lui Hosoda, rezultatul propriilor întrebări despre ce rol ar trebui să joace un tată în viața fiului său. Mirai , cel de-al șaptelea film al regizorului, nu este din propria experiență a lui Hosoda, ci mai degrabă filtrat prin experiențele primului său născut, întâlnindu-și fratele pentru prima dată. Povestită din perspectiva lui Kun (Moka Kamishiraishi), un băiat care se simte strămutat și nesigur după nașterea surorii sale Mirai, Mirai este o frumoasă dramă fantezie-aventură care duce spectatorul într-o odisee uluitoare prin arborele genealogic plin de Kun, culminând cu o concluzie emoționantă care subliniază frumusețea a ceea ce înseamnă să iubești și să fii iubit. Mirai Este cel mai realizat film al lui Hosoda, câștigătorul primei nominalizări la Premiul Oscar pentru un film anime neprodus de Studio Ghibli și o experiență pe cât de înălțătoare, pe atât de un răsfăț de privit. — Tousaint Egan
32. leneși
An: 2018
Regia: Sandi Tan
Gen: Documentar
Rating: NR
Durata: 96 minute
A da sens trecutului cuiva poate fi atât o sarcină de-a lungul vieții, cât și o propunere spinoasă. În Shirkers , romanciera Sandi Tan reușește eforturile mai dificile, regândind un documentar despre ea însăși, care nu este stânjenitor sau demn de încântat. Dimpotrivă, filmul ei este revigorant de sincer și auto-depreciant: poate fi vedeta spectacolului, dar are o poveste de spus și perspectiva potrivită pentru a o încadra în mod corespunzător. Tan povestește documentarul ca pe o bucată de amintire, povestind copilăria ei în Singapore cu cea mai bună prietenă a ei, Jasmine, unde erau cei doi copii grozavi din școala lor drăguță, visând să fie realizatori și să-și pună amprenta. Pentru a promova această ambiție, au colaborat cu o altă prietenă, Sophia, la un road movie suprarealist numit Shirkers., care avea să fie regizat de mentorul lui Tan, un profesor mai în vârstă, pe nume Georges, care s-a purtat ca cineva care știa să manevreze o cameră de film. La sfârșitul adolescenței și poate îndrăgostită de acest bărbat care i-a arătat atât de multă atenție (documentarul este păzit pe acest subiect), Tan a fost îmbătată de entuziasmul de a face un film pe care l-a scris și în care avea să joace. Deci cum de nu l-am văzut niciodată? Documentarul urmărește călătoria ciudată și misterioasă a proiectului, care a fost percheziționat de Georges care se furișa cu rolele de film cu promisiunea vagă de a termina treaba. Asta nu s-a întâmplat niciodată, iar 20 de ani mai târziu, Tan decide să deschidă acele răni vechi, conectându-se cu vechii săi prieteni și încercând să determine ce s-a întâmplat cu Georges. Scene din filmul neterminat apar în Shirkers, informând publicul despre faptul că va exista o soluție fericită pentru căutarea lui Tan. Dar documentarul ajunge să fie mai puțin despre traul prin recipiente de film, decât despre o explorare a nostalgiei, prieteniei și atractiei mentorilor. Tan este o companie plină de viață, fără pretenții, vocea ei are doar tonul sardonic potrivit, dar vizitele ei cu Jasmine și Sophia sunt deosebit de fermecătoare și iluminatoare, sugerând cum prietenii de o viață ne pot vedea în moduri în care noi nu putem. — Tim Grierson
33. Casa lui
An: 2020
Regia: Remi Weekes
Vedete: Wunmi Mosaku, Sope Dirisu, Matt Smith
Gen: Horror
Evaluare: NR
Nimic nu absoarbe energia groazei ca filmele care se feresc de groază. Filmele pot speria publicul în mai multe moduri, bineînțeles, dar cel mai puțin un film de groază este înfricoșător în loc de naibii. Casa lui Remi Weekes nu toca cuvintele. Filmul se deschide cu o tragedie și, în 10 minute de la acea deschidere, depășește cu ușurință The Grudge , lăsând fantome împrăștiate pe podea și pe scări unde conducătorii săi se pot împiedica de ele. În cele din urmă, acesta este un film despre durerea înnăscută inevitabilă a poveștilor despre imigranți, o piesă însoțitoare a cinematografiei independente contemporane precum Mediterranea de Jonas Carpignano., care surprinde pericolele cu care se confruntă imigranții pe drum și la destinații cu o claritate neorealistă brutală. Weekes este profund interesat de Bol și Rial ca oameni, de unde au venit, ce i-a determinat să plece și, mai ales, ce au făcut pentru a pleca. Dar Weeks este la fel de angajat să-și facă telespectatorii să sară din piele. — Andy Crump
34. Frații Sparks
An: 2021
Regizor: Edgar Wright
Gen: Documentar
Rating: R
Durata: 135 minute
Frații Sparks este o evaluare și o apreciere cuprinzătoare și încântătoare a unei trupe idiosincratice, iar cea mai mare laudă care poate fi dată este că împărtășește o sensibilitate cu muzicienii săi inimitabili. Nu este o sarcină ușoară când vine vorba de Ron și Russell Mael. Frații din California conduc Sparks de la sfârșitul anilor ’60 (da, anii ’60), sărind prin genuri la fel de repede cum fac versurile lor și respingând glumele. Glam rock, disco, pionieri electronici și chiar dacă se scufundă în colțurile mai experimentale și orchestrale ale intereselor lor muzicale, mențin un geniu power pop constant, susținut de flauturile lui Russell și clapele captivante ale lui Ron. Aici, în gama incredibilă, dar solidificată, personalitatea lui Sparks, începi rapid să înțelegi asta Frații Sparks este căsătoria a doi subiecți perfecți care împărtășesc o misiune. Experți într-o formă de artă interesată reciproc, Ron și Russell se leagă de regizorul Edgar Wright dintr-o dorință ironică de a se distra și de a face și ea artă. Unul a realizat o trilogie de parodie care se remarcă în genurile sale individuale (filme cu zombi, filme polițiști, SF). Ceilalți au făcut cântece subversive precum „Music That You Can Dance To” care reușesc să se potrivească (și adesea să depășească) aceleași bops-uri. Puterile lor combinate, Frații Sparksdevine un documentar muzical conștient de sine și profund serios. Slapstick, cu o gamă largă de clipuri de film vechi care lovesc și cad, și gaguri vizuale le deranjează capetele vorbitoare impresionante de fiecare dată când scot un clișeu documentar muzical mai morocănos. „Să împingeți plicul?” Așteptați-vă să vedeți o remorcheră poștală între soții Mael. Acest simț al umorului, care apreciază cel mai prostesc fruct și cea mai înaltă referință, provine din admirația fraților pentru cineaști francezi serios neserioși, precum Jacques Tati (cu care Sparks aproape că a făcut un film cu — amintiți-vă că iubesc filmele) și dintr-o afinitate deosebit de formativă. pentru muzica britanică. Nu dărâmă complet fațadele, deoarece chiar și cele mai personale lucrări ale lui Wright încă transmit emoție printr-o înveliș protectoare de comedie fizică și referințe, dar ai un sentiment despre Mael ca lucrători, frați, artiști și oameni în condițiile cu care se simt confortabil. Filmul de aproape două ore și jumătate este o epopee, nu se poate nega. Nu veți avea nevoie de un alt film Sparks după acesta. Este mai puțin o biografie definitivă, totuși, decât o invitație, care atrage atât pe nou-veniți, cât și pe ascultătorii veterani, prin înțelegerea și adorarea deplină a subiectelor sale. Nu veți avea nevoie de un alt film Sparks după acesta. Este mai puțin o biografie definitivă, totuși, decât o invitație, care atrage atât pe nou-veniți, cât și pe ascultătorii veterani, prin înțelegerea și adorarea deplină a subiectelor sale. Nu veți avea nevoie de un alt film Sparks după acesta. Este mai puțin o biografie definitivă, totuși, decât o invitație, care atrage atât pe nou-veniți, cât și pe ascultătorii veterani, prin înțelegerea și adorarea deplină a subiectelor sale.jacob oller
35. Apostol
An: 2018
Regia: Gareth Evans
Distribuție: Dan Stevens, Lucy Boynton, Michael Sheen
Gen: Groază, Dramă
Clasificare: NR
După ce primele două intrări în The Raid l-au transformat într-o figură monolitică printre drogații de film de acțiune, Apostle funcționează ca o introducere în lume în stilurile viscerale de filmare ale regizorului galez Gareth Evans. În timp ce primele sale filme sunt aproape aduse la viață cu estetica jocurilor video (sunt cel mai apropiat lucru de o adaptare cinematografică Streets of Rage pe care o veți găsi vreodată), Apostle ar putea reprezenta și dorința lui Evans de a fi surprins. serios ca director vizual și autor. Pentru a face acest lucru, el a explorat un teren bine bătut sub forma „filmului stealth de cult”, făcând comparații cu The Wicker Man (sau chiar The Sacrament al lui Ti West ).) inevitabil. Cu toate acestea, Apostle își găsește drumul în conversația de la sfârșitul anului pentru cel mai bun film de groază din 2018 prin fler și vervă. Fiecare cadru este frumos compus, de la prevestitoarea sosire a personajului înflăcărat al lui Dan Stevens la complexul de cult al insulei, până la fantastic de răutăcios Grand Guignol din actul al treilea, în care măruntaiele curg cu abandon hedonist. Evans știe exact cât timp să împingă publicul cu un mister care se arde încet înainte ca barajele de sânge să erupă; concluzia ei cuprinde atât nebunia supranaturală, cât și violența umană incomod de realistă. A dispărut precizia de luptă a lui The Raid, înlocuit de un brand mai stângaci de sălbăticie nestăpânită, care este întărit nu de onoare, ci de credință disperată. Evans concluzionează corect că această formă de violență este mult mai înfricoșătoare. — Jim Vorel
36. Cealaltă parte a vântului
An: 2018
Regia: Orson Welles
Distribuție: John Huston, Peter Bogdanovich, Robert Random, Susan Strasberg, Oja Kodar
Gen: Dramă
Evaluare: R
La fel de izbitor și de inexplicabil ca și titlul său, The Other Side of the Wind , totuși, cântă cu forța mișcării sale fluierate dincolo de limitele sale. The Wind Blows: Orson Welles o canaliză prin toropeala sa provocată/autoprovocată în studio și, în acest proces, găsește o melodie organică, sau mai degrabă jazzy. Documentarul de make-up They’ll Love Me When I’m Dead , lansat de Netflix pentru a însoți acest film, cel mai frumos moment al gigantului de streaming, arată un Welles uriaș, pe jumătate coapt, care descrie ceea ce el numește „accidente divine”. Aceste accidente au fost responsabile pentru unele dintre cele mai bune detalii din lucrarea sa (unde locuiește Dumnezeu), cum ar fi spargerea oului în Touch of Evil .; au fost ceva ce intenționa să urmărească (cum ar fi urmărirea vântului) cu acesta, proiectul său final, lansat la câteva decenii după ce a fost filmat când Netflix și-a deschis cuferele pentru a deschide sicriul în care era încapsulată filmarea brută. Foștii săi parteneri de film, Peter Bogdanovich și Frank Marshall, își îndeplinesc vechiul jurământ față de stăpânul lor de a finaliza filmul pentru el și, găsind spiritul acestui lucru, ne oferă o capodopera pe care cu greu o merităm. Un accident divin. John Huston joacă rolul lui John Huston în rolul lui Jake Hannaford, care este și Orson Welles, încercând să termine The Other Side of the Wind la fel cum Welles a încercat să termine The Other Side of the Wind., de-a lungul anilor fără buget real și pentru scaunele-pantaloni- tuturor. Mai degrabă, decorul filmului se desfășoară pe parcursul unei după-amiezi și serii, Hannaford înconjurat de „discipoli” și colegi care sunt invitați la o petrecere pentru a proiecta unele dintre filmările a ceea ce speră regizorul să fie cea mai mare capodopera a lui, în ceea ce Welles. sperat că va fi al lui. Filmul din film este un riff de artă, cu poate cele mai puternice semne din cap către Michelangelo Antonioni și Zabriskie Point.. Viața imită arta: casa Hannaford este chiar după colț de cea pe care Zabriskie a aruncat-o în aer. În mod potrivit, acea casă este decorul pentru cea mai mare parte a filmului despre Hannaford, construit aparent din imagini găsite ale paparazzilor realizatorului. Densitatea este amețitoare, intelectul aprig. În ceea ce privește filmografia lui Welles, este ca ultimul act din Citizen Kane simțit de Touch of Evil , apoi dezbrăcat și eviscerat de meta-punk-ul lui F for Fake . Nicio artă nu există în vid, dar The Other Side of the Wind , mai mult decât majoritatea, își sângerează propriul context. Acesta este Orson Welles, care se arată. sinucidere — Chad Betz
37. O voce tăcută
An: 2016
Regia: Naoko Yamada
Distributie: Miyu Irino, Saori Hayami, Megumi Han
Gen: Anime, Dramă
Clasificare: NR
Într-un mediu care prea des se simte uneori îngrădit de primatul sensibilităților estetice masculine și saturat de reprezentări hipersexualizate ale femeilor codificate colocvial drept „fan service”, prezența lui Naoko Yamada este o gură binevenită de aer proaspăt, ca să nu mai vorbim de calitatea inimitabilă a propriile sale filme. Inspirat de personaje precum Yasujiro Ozu, Alejandro Jodorowsky, Sergei Parajanov, Sofia Coppola sau Lucile Hadžihalilovic, Yamada este un regizor prin excelență, capabil să capteze atenția și să evoce melancolia și catarsisul dulce-amărui prin compoziții delicate de sunet priceput, montaj rapid și culoare efemer. . palete și personaje cu vieți interioare bogate, pline de lupte complicate și identificabile. o voce tăcută, adaptat după manga cu același nume a lui Yoshitoki Oima, este un exemplu excelent al tuturor acestor sensibilități în joc. Când Shoya Ishida o întâlnește pe Shoko Nishimiya, o elevă surdă transferată, în școala elementară, el o agresează fără încetare, spre amuzamentul colegilor săi. Într-o zi, când Shoya merge prea departe și îl forțează pe Shoko să se transfere din nou de teamă pentru propria lui siguranță, colegii lui de clasă îl numesc un proscris și se retrage într-o stare de izolare auto-impusă și dezgust de sine. Câțiva ani mai târziu, Shoya o întâlnește încă o dată pe Shoko, acum în adolescență, și încearcă să repare daunele pe care i le-a provocat, totul în timp ce se străduiește să-și înțeleagă propriile motivații pentru a face acest lucru. o voce tăcutăeste un film de o profunzime emoțională extraordinară: un portret emoționant al abuzului adolescentului, al reconcilierii și al iertării pentru răul făcut de alții și de noi înșine. — Tousaint Egan
38. Vânătoarea sălbatică
An: 2016
Regia: Taika Waititi
Vedete: Sam Neill, Julian Dennison, Rima Te Wiata, Rachel House, Oscar Kightley, Tioreore Ngatai-Melbourne, Rhys Darby
Gen: Comedie, Dramă
Evaluare: NR
Prima întâlnire a Bellei (Rima Te Wiata) cu Ricky (Julian Dennison), noul băiat adoptiv pe care a acceptat să-l aducă, nu îi inspiră încredere, mai ales cu glumele lui incomode în detrimentul greutății sale. La rândul său, cu reprezentanta serviciilor pentru copii, Paula (Rachel House), pictându-l pe Ricky ca pe un copil sălbatic și nestăpânit, cineva se teme de perspectiva de a-l vedea pe băiat călcând peste această mamă posibil nebună. Dar Bella îl poartă frumos. Iar Ricky ajunge să fie mai puțin dur decât ceea ce el, cu înclinația lui pentru gangsta rap și tot ceea ce presupune, a încercat inițial să proiecteze. O adaptare a romanului Wild Pork and Watercress al lui Barry Crump, Hunt for the Wilderpeople a lui Taika WaititiSe înflorește prin răsturnarea noțiunilor preconcepute. Regizorul este înțelegător față de inocența lui Ricky, care se reflectă în stilul de aventură înalt al filmului. Panoramele largi și pline de culoare ale directorului de imagine Lachlan Milne și o structură narativă bazată pe capitole oferă Hunt for the Wilderpeople senzația unei fabule de cărți de povești, dar datorită dinamicii calde dintre Ricky și Hec (Sam Neill), chiar și cele mai capricioase momente ale filmului transmit o sentiment de durere subiacentă reală: ambele personaje sunt străini care, în cele din urmă, caută o casă pe care să o numească proprie. — Kenji Fujishima
39. Mă gândesc să pun capăt lucrurilor
An: 2020
Regia: Charlie Kaufman
Vedete: Jessie Buckley, Jesse Plemons, Toni Collette, David Thewlis
Evaluat: R
Mulți telespectatori se vor gândi să se încheie , eu mă gândesc să pun capăt lucrurilornu mult după ce a început. O cascadă de fotografii brute care se dizolvă încrucișează detaliază interiorul unei case de țară sau un apartament sau interiorul unui interior. O femeie pe care nu am văzut-o încă se află practic în mijlocul narațiunii, spunându-ne ceva pentru care nu avem context. Se simte rău, neplăcut. Ceva nu este în regula. Nu așa ar trebui să funcționeze filmele. O vedem în sfârșit pe femeie, interpretată genial de Jessie Buckley. Ea stă pe stradă în timp ce fulgii de zăpadă umflați încep să cadă, ca și cum am fi cu ea în interiorul unui glob de zăpadă tridimensional. Se uită la o fereastră de câteva etaje mai sus. Vedem un bătrân care se uită în jos printr-o fereastră. Îl vedem pe Jesse Plemons privind în jos printr-o fereastră. Îl vedem pe Jesse Plemmons în următoarea fotografie, ridicându-l pe Jessie Buckley în mașina ei răvășită. Muzica din film scânteie și se vârtejește. Lucy sau Lucia sau Amy a lui Jessie Buckley se gândește să încheie lucrurile cu Jake al lui Jesse. Lucrurile nu vor merge bine, pare să fie raționamentul. Jake conduce mașina și uneori vorbește; comportamentele lor par destul de consistente până când încetează să mai fie așa, până când un gest fierbe ca un obiect străin de la alt sine. Louisa sau Lucy apare, un izvor de personalitate, cunoștințe și interese. Dar uneori încetinește, sau tace, și dintr-o dată e o altă persoană care este aceeași, dar poate cu amintiri diferite, interese diferite. Uneori e pictor, alteori fizician, alteori nici unul. Jessie și Jesse sunt grozavi. Performanțele și personajele lor sunt greu de descris. Cel mai bun film din 2020 este groaznic pentru un „film”. El nu subscrie la tipare, ritmuri sau tropi comune. Nici măcar nu încearcă să fie un film grozav, într-adevăr, este doar încercarea de a diseca viața unul din mintea celuilalt și de a o face prin orice mijloace cinematografice posibile. Conștiința de sine a filmului ar fi putut fi insuportabilă, cu excepția faptului că conștiința (și experiența noastră fragmentară a acesteia) este în întregime scopul a tot ceea ce învăluie și este învăluit filmul. A spune că filmul acceptă atât frumusețea, cât și urâțenia vieții ar fi o platitudine pe care filmul însuși o respinge. Să spui că „dragostea învinge totul”, cu atât mai mult. Dar aceste adevăruri false plutesc în viziunea periferică a filmului: iluzii sau fantome, dar bine ai venit. – cu excepția faptului că conștiința (și experiența noastră fragmentară a acesteia) este în întregime scopul a tot ceea ce este învelit filmul și care este învelit în el. A spune că filmul acceptă atât frumusețea, cât și urâțenia vieții ar fi o platitudine pe care filmul însuși o respinge. Să spui că „dragostea învinge totul”, cu atât mai mult. Dar aceste adevăruri false zboară în viziunea periferică a filmului: iluzii sau fantome, dar binevenite. – cu excepția faptului că conștiința (și experiența noastră fragmentară a acesteia) este în întregime scopul a tot ceea ce este învelit filmul și care este învelit în el. A spune că filmul acceptă atât frumusețea, cât și urâțenia vieții ar fi o platitudine pe care filmul însuși o respinge. Să spui că „dragostea învinge totul”, cu atât mai mult. Dar aceste adevăruri false zboară în viziunea periferică a filmului: iluzii sau fantome, dar binevenite. — dar bine ai venit. — dar bine ai venit. —chad betz
40. Ață fantomă
An: 2017
Regie: Paul Thomas Anderson
Distribuție: Daniel Day-Lewis, Lesley Manville, Vicky Krieps
Evaluat: R
fir fantomăeste un film atât de minunat realizat, atât de meticulos în construcție, atât de profund resimțit în execuție, încât aproape că îți lipsește cât de spinos și ciudat este. Acesta trebuie să fie cel mai delicios film de vizionat vreodată, care se ocupă în mare parte de cât de egocentrică și inflexibilă poate fi lumea relațiilor, cum putem renunța la atât de mult din noi înșine și depinde de partenerul nostru. să-și dea seama cum să facă față, dacă vor. Acesta este un film fără compromisuri despre doi oameni fără compromisuri care încearcă să trăiască împreună fără să-și piardă o parte prea mare din ei înșiși și, câteodată, vor merge până la capăt pentru a-și ajunge. Daniel Day-Lewis joacă rolul lui Reynolds Woodcock, un croitor de renume mondial care îmbracă celebrități, regale și, uneori, spre supărarea lui, la declase vulgari bogate. Aproape orice nu corespunde standardelor sale exigente este vulgar, până când într-o zi, în timp ce se află în mediul rural englezesc, Reynolds întâlnește o chelneriță pe nume Alma (Vicky Krieps) care îndeplinește cerințele fizice ale lui Reynolds (mai ales pentru ca el să poată face rochii pentru ea). și are un anumit curaj pe care îl găsește instantaneu fascinant. Cele două principalePhantom Thread sunt absurde și nebunești în felul lor, iar unul dintre multele emoții din film este să-i vezi cum se lovesc unul de celălalt și apoi se prăbușesc din nou. Este cea mai ciudată poveste de dragoste, atât de ciudată încât nici măcar nu sunt sigur că este vorba despre dragoste. Colegul meu Tim Grierson a spus asta mai întâi , dar este o observație prea bună pentru a fi ignorată: acest film este foarte mult despre incognoscibilitatea totală a relațiilor celorlalți. Din exterior, nu are sens ca Reynolds și Alma să aibă o astfel de conexiune unul cu celălalt; este greu de spus ce scoate oricare dintre persoane din asta. Dar ceea ce este insondabil la el este și ceea ce îl face atât de puternic. — Will Leitch
41. Roma
An: 2014
Regia: Alfonso Cuarón Interpreți
: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta
b>Gen: Dramă
Evaluare: R
Cel mai intim film al lui Alfonso Cuarón este și cel cu cea mai mare distanță. Camera se lasă pe spate, în alb-negru, concentrată nu asupra copiilor burghezi care îi reprezintă pe directorul de imagine, scriitorul-regizor și frații săi care au crescut în Mexico City cu câteva decenii în urmă, ci mai degrabă pe femeia indigenă (Yalitza Aparicio) care are grijă. dintre ei și acasă. Nici măcar concentrat în totalitate asupra ei, poate mai concentrat pe compozițiile ei clasiciste dintr-un loc care nu mai există așa cum își amintește Cuarón. Camera arată și se mișcă într-o secvență transplanară, oferindu-ne elemente din prim-plan, mijloc și fundal într-o claritate digitală absolută. Mixul de sunet este Dolby Atmos și surround. Dar baza estetică și narativă este Fellini, sau neorealismul mexican pierdut, sau Timpul de joacă al lui Tati.dar cu gaguri vizuale înlocuite de preocupare socială și reverie personală. Rezervați și captivanți, introspectivi și deschisi, vechi și noi, unii au acuzat Roma că este prea calculată în ceea ce încearcă să facă, actul de echilibru pe care încearcă să îl realizeze. S-ar putea să nu se înșele, dar cuarón-i merită imensul ca tehnician atent și povestitor că de fapt el reușește. Rezultatul este o experiență cinematografică singulară, una care recreează ceva ce s-a pierdut și apoi îl navighează în așa fel încât să găsească povestea emergentă și apoi să găsească impactul emoțional. Așa că atunci când ajungem la acel punct târziu, la Roma, nici nu ne dăm seama de procesul lent și organic prin care ne-am implicat pe deplin în film; nu suntem gata să fim loviți la fel de tare ca atunci când vin loviturile și se sparg valurile. Este aproape insuportabil, dar o îndurăm pentru că ne pasă de acești oameni cu care ne-am implicat. Și așa este viața. — Chad Betz
42. Puterea câinelui
An: 2021
Regia: Jane Campion
Vedete: Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Genevieve Lemon, Keith Carradine, Frances Conroy
Evaluare: R
Bazat pe romanul omonim al lui Thomas Savage din 1967, revenirea mult așteptată a lui Jane Campion în mediul cinematografic, după Bright Star din 2009 și anii următori de lucru la televizor, se simte potrivită pentru un regizor care a demonstrat pricepere în crearea unei atmosfere de îngrijorare acută. . Și așa este și pentru Puterea câinelui., un film cu o perpetuă strigă sacadată, purtat de sentimentul mereu prezent pe care cineva ar putea să-l rupă în orice moment, până când o va face. În 1925, Montana, frații Phil (Benedict Cumberbatch) și George Burbank (Jesse Plemons) sunt fermieri prosperi, dar frați nepotriviți. Phil este imaginea supremă a machismului, atârnând prin fermă mereu îmbrăcat în ținuta lui de cowboy, cu un strat gros de murdărie pe față, o țigară rulată atârnând de buza de jos; un personaj care acționează sfidând lucrarea anterioară a lui Cumberbatch. Phil se opune atât de mult la orice, chiar și adiacent cu ceea ce ar putea fi considerat „de fete”, încât lucruri precum baie, cântat la un alt instrument decât un banjo și doar a fi drăguț cu femeile sunt genul de activități care l-ar putea determina pe Phil să-l întrebe „Prieteni, Este gay dacă…? Pe twitter. De la castrarea taurilor din ferma Burbank, până la statutul lui Phil ca oaia neagră a respectabilei sale familii, până la natura peisajului vestic legat de performanța masculină a lui Phil, subtextul este atât de neplăcut din punct de vedere vizual încât rămâne subtextual doar în virtute. de a nu fi vorbit direct cu voce tare. Însă stângăcia din abordarea filmului asupra subiectului este susținută de performanțe convingătoare pe toate planurile, în special din partea Cumberbatch, a cărui încarnare a unui fermier murdar și murdar este la început ridicol de incredibilă în raport cu performanțele care au definit filmul. Dar, poate, tocmai din cauza acestui contrast cu rolurile sale anterioare, Cumberbatch reușește să se potrivească atât de clar cu personajul lui Phil, purtând cu ea un disconfort și o neliniște inerente propriei ei piele în ciuda terorii pe care o lovește în inima cuiva ca Rose. Este egalat de partitura înfiorătoare, compusă de inimitabilul Johnny Greenwood (The Master , Phantom Thread ) și cinematografia impecabilă a lui Ari Wegner ( Zola , The True History of the Kelly Gang ), formând o căsătorie perfectă de tensiune, intimitate și izolare într-un film în care sunetul fiecărei felii, tăieturi și faceți clic pe ea evocă același sentiment îngrozitor, indiferent de sursă. Ce înseamnă să fii bărbat? Puterea câinelui ia în considerare întrebarea, dar nu îi răspunde niciodată. În schimb, el este preocupat de un fenomen atemporal: suferința îndurată chiar de dragul bărbăției. — Brianna Zigler
43. Procesiune
Anul: 2021
Regizor: Robert Greene
Rating: R
Durata: 116 minute
În filmele sale, Robert Greene a încercat să aducă trecutul alienat în prezent. Kate Plays Christine din 2016 folosește pregătirea lui Kate Lyn Sheil pentru a o interpreta pe Christine Chubbuck, prezentatoarea de știri care s-a sinucis în emisie cu 42 de ani mai devreme, parțial pentru a naviga în responsabilitățile unui actor atunci când încearcă să resusciteze o persoană retrogradată în folclor. Bisbee ’17 , 2018a povestit reconstituirea, la aniversarea a 100 de ani de la eveniment, a îndepărtării forțate și a abandonului a peste 1.200 de mineri în grevă din casele lor din deșertul Arizona. Pe măsură ce membrii comunității Bisbee își asumă rolurile de interlocutori corporativi și lucrători care cer o viață mai bună, în multe cazuri locuind personajele propriilor strămoși, ei ajung să înțeleagă mai bine influența pe care istoria o deține și astăzi. chiar și în actriță, portretul lui Greene din 2014 despre Brandy Burre revenind la actorie în timp ce își reinventează viața personală, reevaluarea trecutului este un act de preluare a controlului. Pe măsură ce Burre se întoarce încet pe scenă, interacționând cu vechii prieteni și cu fiorul visceral de a fi în fața unui public, ea începe să-și întoarcă viața de la o căsnicie toxică și să se redefinească. Își dă seama că nu mai este forțată să se țină de vechiul ei sine. Procesiune, cel mai recent film al lui Greene și primul ei pentru Netflix, încearcă din nou să absolve prezentul de trecut. Începe cu o conferință de presă din 2018 în Kansas City, Missouri. Avocatul Rebecca Randles se întâlnește cu trei dintre supraviețuitori și susține că pot expune peste 230 de clerici catolici cunoscuți din zona Kansas City, ca parte a unui grup de abuz sexual de anvergură. Văzând acest lucru, Greene l-a abordat pe Randles cu ideea de a folosi terapia dramatică, îndrumată îndeaproape de dramaterapeutul înregistrată Monica Phinney, pentru a oferi unui mic grup de supraviețuitori șansa de a-și transforma coșmarurile în ceva dramatic, de a-și transforma potențial trauma în ceva care poate supraviețui. . . Procesiuneprezintă această abordare: șase bărbați care scriu scenarii, creează scenarii, caută locații și în cele din urmă își filmează cele mai proaste amintiri, oricum doresc să le interpreteze, intercalate cu rezultatele complete. Tânărul actor care joacă în fiecare dintre segmente, Terrick Trobough, petrece o mare parte din film în compania celor șase supraviețuitori, ascultându-le poveștile și făcându-și treaba într-o manieră calmă, profesionistă. Îi vede plângând și lovesc lucruri și se decuplă, nu pentru că sunt fragile, ci pentru că sunt rupte. Terrick răspunde că el crede poveștile lor. Mai târziu, cu Dan (unul dintre supraviețuitori) după un moment emoționant, Terrick întreabă: „Ce mai faci?” Poate că este doar politicos, dar micile gesturi de empatie ale lui Terrick strălucesc puternic. Ca Procesiunea, când frumusețea cinematografiei lui Greene se întâlnește cu inteligența și claritatea metodelor sale. „Sper că puterea pe care ai arătat-o să fie răsplătită cu pace și mulțumire”, își spune un alt supraviețuitor aproape de sfârșitul filmului, mergând cu decenii înapoi în trecut. Un prim plan al feței sale îi dă publicului să știe dacă această speranță a fost rezolvată. Cinematograful este foarte bun. — Dom Sinacola
44. Mitchells vs. Mașinile
An: 2021
Regia: Mike Rianda, Jeff Rowe (co-regizor)
Vedete: Abbi Jacobson, Danny McBride, Maya Rudolph, Eric Andre, Fred Armisen, Beck Bennett, Olivia Colman
Gen: Animație, Comedie, Sci-Fi
Evaluare: PG
Diviziunile generaționale animate nu au arătat niciodată mai mult ca un carnaval SF decât în The Mitchells vs. Masinile . Debutul în lungmetraj al scriitorului-regizor Mike Rianda (el și co-scenarist-regizorul Jeff Rowe s-au antrenat în serialul excelent și înfiorător Gravity Falls) este în părți egale absurd, drăguț și terifiant. Este ușor să te simți pierdut sau copleșit de luminile intermitente și de priveliști palpitante ca familia centrală care se luptă într-o parte a luptei pentru titlu, dar este la fel de ușor să pleci cu exaltarea epuizată a consecințelor unei excursii lungi și obositoare în parc. .tematic. Familia sa încorporată în gen iese prin fiecare cadru aglomerat și plin de cadru ca și cum ar încerca să scape (de multe ori o fac) și, în acest proces, creează cea mai energică și mai îndrăzneață comedie animată din acest an. Și premisa ei începe atât de umil. Realizatorul și animatorul Katie (Abbi Jacobson) pleacă de acasă la facultate și, pentru a ajunge acolo, trebuie să facă o excursie cu familia ei: Rick (Danny McBride), tatăl ei ludit în aer liber; Linda (Maya Rudolph) mama lui liniștitoare; și Aaron (Rianda), frățiorul său dino-focus. S-ar putea să ghicești că Katie și tatăl ei nu se văd întotdeauna ochi în ochi, chiar și atunci când ochii lui Katie nu sunt lipiți de telefonul sau laptopul ei. Acea tehno-critică, în care „timpul pe ecran” este o expresie ticălosă și figura tatălui care construiește cabane dorește ca familia sa să experimenteze lumea reală, ar putea fi la fel de nebunească ca cel de-al doisprezecelea sezon al unui sitcom Tim Allen.The Mitchell vs. Mașinile scapă de acest pericol nu numai prin unele nuanțe intenționate în scrisul său, ci și prin unele anti-nuanțe grozave: la mijloc, companiile tehnologice malefice dau greș, iar roboții creați cu telefoane decid să împuște pe toți oamenii în spațiu. Acest film avea nevoie de ceva atât de mare din punct de vedere narativ pentru a-și susține imaginile glorioase ale chiuvetei de bucătărie. Filmul Sony folosește o parte din aceeași tehnologie care a făcut ca Spider-Man: Into the Spiderverse să arate atât de clar și unic, adăugând umbrire comică CG-ului său expresiv. De fapt, odată ce unele dintre scenariile mai ciudate decolează, nu ai fi surprins să-l vezi pe Miles Morales intervenind pentru a salva situația. The Mitchells vs. the Machines Întoarcerea esteticii lui Spidey vine de la Katie, obsedată de meme și filme, a cărei imaginație își găsește adesea drum în lumea reală și ale cărei doodle-uri ciudate, pline de filtre, cu neon împodobesc deja paleta. o ciudăţenie explozivă. Acest stil unic și inteligent se potrivește bine cu slapstick-ul minunat cronometrat din The Mitchells vs. Mașinile , prăbușindu-se și zdrobindu-se cu o violență neașteptată, echilibrată cu un pug cu adevărat prost și o mulțime de părți vizuale care își bat joc de orice se întâmplă . — jacob oller
45. Bestia Mării
An: 2022
Regia: Chris Williams
Vedete: Karl Urban, Zaris-Angel Hator, Jared Harris, Marianne Jean-Baptiste, Dan Stevens, Kathy Burke
Evaluare: PG
Când cartografii au permis simțurilor lor de imaginație și autoconservare să umple regiunile neexplorate ale hărților lor, ei au avertizat adesea despre creaturi precum leii, elefanții și morsele. Creaturi dincolo de înțelegere, cu dinți, trunchi și colți ușor de caricatizat în pericol. Dar, mai ales, ne amintim că atunci când navighezi spre marginea stinsă a cunoașterii, există dragoni. Fiara Marina transformă cu pricepere această frică umană străveche într-un vârf de lance ascuțit, izbitor de ignoranță. Aventura lui captivantă navighează într-o mare plină de creaturi uriașe care cu siguranță vor stârni apetitul copiilor pentru piraterie, filme Godzilla și animații interesante. Primul film din povestea clasică Disney, Chris Williams, după ce a părăsit House of Mouse pentru Netflix, The Sea Beast.este, pentru a parafraza căpitanul Crow, asemănător lui Ahab al lui Jared Harris, tot pipi și oțet. Faptul că filmul chiar face aluzie la frază și scoate alte câteva replici ușor sărate la care te-ai putea aștepta de la niște câini de mare experimentați, indică despărțirea sa de gigantul igienizat. Violența se vede în ochi; nu se teme să-și îndeplinească amenințările. Toate cu rațiune. A spune o poveste fantastică despre vânători, echipaje de mercenari finanțate de o coroană colonialistă pentru a doborî kaiju-urile care populează oceanul, nu ar fi corectă fără măcar un pic de avantaj. Drumul nostru în lume, tânăra Maisie (Zaris-Angel Hator) a experimentat realitățile sale periculoase direct: părinții ei s-au prăbușit cu o navă, lăsând-o una dintre zecile de vânători orfani. Dar asta nu l-a împiedicat să-și înalțe familia martirizată (ceva încurajat în mod explicit de monarhie) și să-și caute propria glorie. Atingându-se pe nava lui Crow, Inevitabilul, ea și capabilul Jacob (Karl Urban) se confruntă cu ambițiile legendare pe care și le-au construit pe capul lor. Williams și co-scenariul Nell Benjamin ne plonjează imediat în încercarea lui Inevitable de a doborî balena roșie cu coarne și dinți a lui Crow, supranumită Red Bluster, cu toată încrederea că nu există timp mai bun decât cel maritim. În timp ce ochii ni se rotesc și se înclină peste valurile uluitor de realiste, iar urechile noastre încearcă să-l urmărească pe cârmaciul meticulos detaliat, scenele de vânătoare ne prind ca pe capul zilei. Înțelegem ierarhia echipajului divers, codul de onoare în rândul vânătorilor, tacticile necesare pentru a doborî creaturi falnice care arată ca Toho și-au transformat cele mai mari lovituri în Pokémon. Este o scriere înțeleaptă și respectuoasă, pusă în acțiune lizibilă de mâna expertă a lui Williams, care are încredere în contextul și subiectul său ca fiind în mod inerent grozav, iar publicul său pe care îl urmărește cu aviditate. Până când sulițele zboară, tunurile trag și creaturile mor, nu-i așa? Ești la fel de profund captivat ca orice părinte care urmărește.Stăpân și Comandant . O deconstrucție fermecătoare din noua școală a aventurii romantice de la vechea școală, care nu face niciodată compromisuri în ceea ce privește exuberanța decorului, culorii și emoției inerente acestora din urmă, The Sea Beast se ridică în prim-planul ofertelor animate de la Netflix ca un val mare. — Jacob
46. Funtul negru al lui Ma Rainey
An: 2020
Regia: George C. Wolfe
Distribuție: Viola Davis, Chadwick Boseman, Glynn Turman, Colman Domingo, Michael Potts
Gen: Dramă
Evaluare: R
În mod potrivit, rolul final al lui Chadwick Boseman este despre blues. Apariția regretatului actor în Ma Rainey’s Black Bottom de la Netflix , adaptarea lui August Wilson după regizorul George C. Wolfe și scriitorul Ruben Santiago-Hudson, este în părți egale o vitrină de actorie, un elogiu furios și o plângere cuprinzătoare, fierte împreună în bucătăria transpirată a lui. o sesiune de înregistrări din Chicago din anii 20. O poveste cu mai multe fațete despre ambiție și eventualele puncte finale, Ma Raineyse învârte în jurul celor care orbitează în jurul personajului său principal (Viola Davis). Este o legendă a blues-ului în vârful carierei sale, în sfârșit apreciat (cel puțin în unele părți ale țării) și gata să fie exploatat de bărbații albi în costum. De parcă i-ar fi părăsit. A întârziat confortabil să înregistreze un album, lăsându-i pe toți ceilalți să se ridice și să filmeze rahat în adevăratul stil Wilson, cu Santiago-Hudson găsind esența lucrării lui Wilson. Performanța brutală a lui Davis, făcută și mai puternică de avalanșa ei de machiaj și transpirație strălucitoare, pune scena perfect. Ea, împreună cu legăturile slăbite și ventilatoarele care zbârnâie, oferă filmului temperatura și gravitatea dorite, astfel încât Boseman și restul membrilor trupei lui să se poată mișca ca licuricii în căldura verii. Cu tragică serendipitate, Boseman ne lasă un cadou: este în flăcări. Aplecat, cu amplasarea camerei și recuzita subliniind membrele sale stricate (există un motiv pentru care mânuiește un flugelhorn zdrobit, o piesă de jazz care funcționează mai bine vizual), Levee are un rol foarte fizic în ciuda materialului sursă vorbăreț: totul este să capteze atenția. . , uneori literalmente dansând tip tap pe el, cu un indiciu de jenă împletit cu energie anxioasă. Nervos, nervos și încordat pentru un monolog de aproape cinci minute, Levee pare să simtă că fereastra visului său se închide: timpul se scurge. cu un strop de ruşine invadat de o energie anxioasă. Nervos, nervos și tensionat în timpul unui monolog de aproape cinci minute, Levee pare să simtă că fereastra către visul său se închide: timpul se scurge. cu un strop de ruşine invadat de o energie anxioasă. Nervos, nervos și încordat pentru un monolog de aproape cinci minute, Levee pare să simtă că fereastra visului său se închide: timpul se scurge.Black Bottom a lui Ma Rainey este mai mult decât performanța lui Boseman, desigur, cu Davis și Colman Domingo plângând delicios și cuvintele lui Wilson continuă să zboare și să zboare în egală măsură. Însă proprietatea lui Boseman asupra filmului – un instantaneu demn de Oscar al potențialului și dorinței – oferă unei tragedie fermecătoare și cuprinzătoare ceva specific despre care să cânți. — Jacob Oller
47. Mâna lui Dumnezeu
An: 2021
Regia: Paolo Sorrentino Distributie
: Filippo Scotti, Toni Servillo, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Luisa Ranieri, Renato Carpentieri, Massimiliano Gallo, Betti Pedrazzi, Biagio Manna, Ciro Capano
Rating: R
Durata: 130 minute
Paolo Sorrentino încadrează noua sa piesă de majorat, Mâna lui Dumnezeu , cu o reprezentare divină, petrecând fiecare clipă plângându-se de parada nesfârșită a dezamăgirii vieții. Omenirea este groaznică. Totul este un eșec. Realitatea este proastă. „Ce lume de rahat este aceasta”, spune o femeie după 45 de minute de film. „Te duci să cumperi desert și când te întorci, soțul tău este la închisoare”. Detaliile sunt irelevante. Este sentimentul care aterizează. Dialogul arată ca Sorrentino solilocuind personajele sale, difuzând plângere după plângere despre efectul de împământare al Mânii lui Dumnezeu.Povestea intrigii sale: Amplasat în Napoli din anii 80, ținând cont de rutina bogată și plictisitoare care include venirile și plecările familiei foarte apropiate Schisa: tatăl Saverio (Toni Servillo) și mama Maria (Teresa Saponangelo). , și fiii săi, Marchino mai mare (Marlon Joubert) și Fabietto mai tânăr (Filippo Scotti): Sorrentino construiește filmul cu mai puține înfloriri suprareale decât lucrările sale din ultimele zile, a la Loro 2018, Juventud 2015 și La gran belleza din 2013, unde un bărbat face să dispară o girafă. în aer în mijlocul unui coliseum roman. Așezată lângă aceste imagini, Mâna lui Dumnezeu este de-a dreptul normal. Normalitatea poate să nu satisfacă personajele lui Sorrentino, fie că sunt principiale sau susținătoare, dar Mâna lui Dumnezeu găsește abundență în convențiile italiene de zi cu zi: abundență de sens, abundență de frumusețe, abundență de comedie și, pentru a evita îngroparea ledei, Mâna lui Dumnezeu este constant hilară. pentru prima oră sau cam așa ceva (în ciuda unei scene de început a violenței domestice). Mâna lui Dumnezeu nu este evadare, ceea ce contrazice obiectivele de carieră ale lui Fabietto. este _un urlet distractiv și o dramă emoționantă care se înmoaie într-un exercițiu de doliu în a doua jumătate, în care Fabietto își ia mintea de la o tragedie importantă despre Capuano și care a avut probleme cu Armando (Biagio Manna), arma secretă a lui Sorrentino: un contrabandist sociabil de țigări a cărui stria sălbatică dezmintă loialitatea lui durabilă față de care el numește „prieten”. Este imposibil să ții pasul. Mâna lui Dumnezeu nu încearcă să o facă. În schimb, ghidat de Fabietto, filmul își ia timpul. vedere. Respiră. Surprinde viața cu o claritate pe care nici măcar eforturile lui Sorrentino nu o au, făcându-și cel mai bun efort de până acum. — Andy Crump
48. Corpul își amintește când s-a deschis lumea
Anul: 2019
Regizori: Elle-Máijá Tailfeathers, Kathleen Hepburn Distribuție
: Elle-Máijá Tailfeathers, Violet Nelson, Barbara Eve Harris
Gen: Dramă
Evaluare: NR
Nimic nu merită în The Body Remembers When the World Opened Up . Fiecare detaliu narativ, care solicită rezoluție, trece în mare măsură neobservat: când Rosie (Violet Nelson) ia bani din poșeta Áilei (co-director Elle-Máijá Tailfeathers), de exemplu, ne așteptăm să ei timp împreună, cele 90 de minute și ceva, el va preda. Rosie o lecție, o va încuraja să returneze biletele. Asta nu se întâmplă. În schimb, corpul își amintește când s-a deschis lumeapovestește despre o întâlnire întâmplătoare între două femei din Primele Națiuni, divizate de stabilitatea socio-economică, dar unite pentru că ambele tocmai au suferit un viol: cea a lui Rosie este ultimul dintr-o serie de incidente de abuz domestic, în timp ce Áilei i s-a introdus un DIU pe fondul unei frig și impersonal. procedura, a fost împușcată de directorul de fotografiat Norm Li la 16 mm cu angajamentul de a surprinde fiecare grimasă și grimasă aproape traumatizată a Áilei. Li o urmărește pe Áila de la birou până în stradă, unde o vede pe Rosie desculță în ploaie, poate în stare de șoc, iar de acolo cei doi evadează de iubitul supărat al lui Rosie în apartamentul uscat și aerisit al lui Áila. Li este mereu în urmă, restul filmului este editat într-o singură imagine continuă, în timp ce Áila încearcă să-și dea seama ce să facă pentru a o ajuta pe Rosie, iar Rosie încearcă să-și dea seama cum să evite să cadă victima virtuții care îi evidențiază pe străini. Faptul că Áila este și o femeie din Primele Națiuni contează puțin pentru Rosie; ea arată doar rolul. Bineînțeles, când se despart, Rosie înghite orice vinovăție pe care ea ar fi putut-o să fi furat-o pe Áila de la ea, iar îngrijitorii de la casa de siguranță îi reamintesc lui Áilei când Rosie nu vrea să stea că uneori este nevoie de șapte sau opt ori pentru a ceda. și ieși din situația ta abuzivă. Așteptăm o rezoluție, semn că lucrurile se vor îmbunătăți. Când nu o fac, căutăm alte semne și așteptăm, rămâne doar răbdarea: să privim, și să nu încetăm să privim, și să suportăm greutatea, să plătim costul empatiei. iar paznicii îi amintesc Áilei că atunci când Rosie nu vrea să stea, uneori este nevoie de oameni de șapte sau opt ori pentru a se ceda și a părăsi situația lor abuzivă. Așteptăm o rezoluție, semn că lucrurile se vor îmbunătăți. Când nu o fac, căutăm alte semne și așteptăm, rămâne doar răbdarea: să privim, și să nu încetăm să privim, și să suportăm greutatea, să plătim costul empatiei. iar îngrijitorii de la casa de siguranță îi amintesc Áilei că, atunci când Rosie nu vrea să rămână, uneori este nevoie de șapte sau de opt ori pentru ca oamenii să cedeze și să părăsească situația lor abuzivă. Așteptăm o rezoluție, semn că lucrurile se vor îmbunătăți. Când nu o fac, căutăm alte semne și așteptăm, rămâne doar răbdarea: să privim, și să nu încetăm să privim, și să suportăm greutatea, să plătim costul empatiei. un semn că lucrurile se vor îmbunătăți. Când nu o fac, căutăm alte semne și așteptăm, rămâne doar răbdarea: să privim, și să nu încetăm să privim, și să suportăm greutatea, să plătim costul empatiei. iar îngrijitorii de la casa de siguranță îi amintesc Áilei că atunci când Rosie nu vrea să rămână, uneori este nevoie de șapte sau de opt ori pentru a se ceda și a părăsi situația lor abuzivă. Așteptăm o rezoluție, semn că lucrurile se vor îmbunătăți. Când nu o fac, căutăm alte semne și așteptăm, rămâne doar răbdarea: să privim, și să nu încetăm să privim, și să suportăm greutatea, să plătim costul empatiei. un semn că lucrurile se vor îmbunătăți. Când nu o fac, căutăm alte semne și așteptăm, rămâne doar răbdarea: să privim, și să nu încetăm să privim, și să suportăm greutatea, să plătim costul empatiei. iar îngrijitorii de la casa de siguranță îi amintesc Áilei că atunci când Rosie nu vrea să rămână, uneori este nevoie de șapte sau de opt ori pentru a se ceda și a părăsi situația lor abuzivă. Așteptăm o rezoluție, semn că lucrurile se vor îmbunătăți. Când nu o fac, căutăm alte semne și așteptăm, rămâne doar răbdarea: să privim, și să nu încetăm să privim, și să suportăm greutatea, să plătim costul empatiei. să plătească costul empatiei. iar îngrijitorii de la casa de siguranță îi amintesc Áilei că, atunci când Rosie nu vrea să rămână, uneori este nevoie de șapte sau de opt ori pentru ca oamenii să cedeze și să părăsească situația lor abuzivă. Așteptăm o rezoluție, semn că lucrurile se vor îmbunătăți. Când nu o fac, căutăm alte semne și așteptăm, rămâne doar răbdarea: să privim, și să nu încetăm să privim, și să suportăm greutatea, să plătim costul empatiei. să plătească costul empatiei. iar îngrijitorii de la casa de siguranță îi amintesc Áilei că, atunci când Rosie nu vrea să rămână, uneori este nevoie de șapte sau de opt ori pentru ca oamenii să cedeze și să părăsească situația lor abuzivă. Așteptăm o rezoluție, semn că lucrurile se vor îmbunătăți. Când nu o fac, căutăm alte semne și așteptăm, rămâne doar răbdarea: să privim, și să nu încetăm să privim, și să suportăm greutatea, să plătim costul empatiei.— Dom Sinacola
49. Povestea căsătoriei
An: 2019
Regia: Noah Baumbach Distribuție
: Scarlett Johansson, Adam Driver, Azhy Robertson, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty, Merritt Wever
Gen: Dramă
Evaluare: R
Felul în care Adam Driver termină „Being Alive“, pe care personajul său din Marriage Story tocmai l-a cântat în întregime (inclusiv dialogul în afară de prietenii protagonistului de la Companie ), este ca și cum l-ai vedea cum își dăduseră ce a mai rămas din spiritul său în podea, în în fața micului său public (care ne include). Spectacolul începe puțin prostesc, puștiul de teatru neinvitat preia frâiele pentru a cânta unul dintre cele mai bune spectacole de pe Broadway, dar apoi, într-o altă parte, el spune: „ Vreau niște… Vreau unele”.lucru…” Începe să înțeleagă. Începe să înțeleagă greutatea vieții, nemulțumirea intimității irosite și ce poate însemna să devii în sfârșit adult: să îmbrățișezi toate acele contradicții, toată acea alienare și singurătate. Expirați adânc după notele finale, după centura finală; în sfârșit își dă seama că trebuie să crească, să-și pună capăt vechii vieți, să facă ceva nou. Seamănă mult cu a trăi pe internet în zilele noastre; incapacitatea de a crea un „eu autentic”, oricât de nesemnificativ ar fi termenul, este agravată de un peisaj cultural care refuză să admită că „autenticitatea” este o performanță la fel de neautentică ca orice altceva. Lucrul prin identități este dureros și urât. S-ar putea spune că toți lucrăm la cum să fim noi înșine în relație cu cei din jurul nostru. Și asta este Bobby,Compania , merge. Scena forțează privitorul să facă conexiuni despre umanitatea sa, arta pe care o experimentează și lumea din ce în ce mai insensibilă în care există totul. Charlie apucă microfonul, epuizat, realizând că trebuie să-și dea seama ce să facă în continuare, pentru a-și restabili viața. Noi toți, o punem și noi împreună. Sau încercând, cel puțin. Asta conteaza pentru ceva . — Kyle Turner
50. Bine
An: 2017
Regia: Bong Joon-ho
Distribuție: Tilda Swinton, Paul Dano, An Seo Hyun, Byun Heebong, Steven Yeun, Lily Collins, Yoon Je Moon, Woo Shik Choi
Gen: Science Fiction, Acțiune
Evaluare: NR
Okja își asumă mai multe riscuri creative în primele cinci minute decât o fac majoritatea filmelor în toată durata lor și nu se oprește aici. Ceea ce pare a fi un punct de conflict pentru unii critici și public, în special pentru cei occidentali, este tonul aparent neregulat, de la sentiment la suspans, acțiune rapidă, fantezie, groază și orice face Jake Gyllenhaal. Dar asta face parte din ceea ce face filmele Bong Joon-ho, ei bine, filmele Bong Joon-ho: sunt nuanțate și complexe, dar nu sunt tocmai subtile sau reținute. Au atenție la detalii, dar nu sunt pretențioși în manipulare. Au mai multe intenții și le-au pus împreună pentru a improviza . . Sunt lucrări imaginative care creează impuls prin alternarea între părți și omologii, iar Okja este poate cel mai bun exemplu de până acum al mișcării sălbatice de pendul a cheii ritmice a unui film Bong. Okja nu este nici un film despre veganism, dar este un film care întreabă cum putem găsi întregul și, mai ales, cum putem acționa uman față de alte creaturi, inclusiv de oameni. Răspunsurile pe care le primește Okja sunt simple și vitale și, fără să le spui, te ajută cu adevărat să auzi acele răspunsuri pentru tine, deoarece ea a pus toate întrebările potrivite și le-a pus într-un mod extrem de captivant.