Les 50 Meilleurs Films Sur Netflix

meilleurs films sur Netflix

Les meilleurs films sur Netflix peuvent être difficiles à trouver, mais nous ne manquerons probablement pas de grands films de si tôt. Vous avez l’embarras du choix, que vous recherchiez les meilleurs films d’action, les meilleurs films d’horreur, les meilleures comédies ou les meilleurs films classiques sur Netflix. Nous avons mis à jour la liste pour 2022 pour supprimer les grands films qui ont disparu et mettre en évidence l’excellence invisible.

Au lieu de perdre du temps à faire défiler les catégories, à essayer de trouver le film parfait à regarder, nous avons fait de notre  mieux  pour vous faciliter la tâche chez  Paste  en mettant à jour chaque semaine notre liste des meilleurs films à regarder sur Netflix avec des ajouts nouveaux et négligés. . les films pareils.

Voici les 50 meilleurs films en streaming sur Netflix en ce moment :

1.  Si Beale Street pouvait parler

Année :  2018
Réalisateur :  Barry Jenkins
Distribution :  Kiki Layne, Stephan James, Regina King, Brian Tyree Henry, Colman Domingo, Michael Beach, Teyonah Pariss, Aunjanue Ellis
Classement :  R
Durée :  117 minutes

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Temps pour nos personnages elliptiques, et l’histoire d’amour entre Tish (Kiki Layne) et Fonny (Stephan James) le rythme auquel nous reviendrons encore et encore. Comme notre narrateur, Tish parle à la fois dans de courtes déclarations et des koans, le scénario de Barry Jenkins traduit le roman de James Baldwin en un peu de voyeurisme onirique : lorsque les deux consomment enfin leur relation après une vie (à peine deux décennies) d’amitié entre eux et leur des familles. , l’ambiance est divine et révélatrice. Est-ce que les gens font vraiment l’amour comme ça ? Dieu non, mais peut-être que nous aimerions avoir. Et parfois nous nous convainquons que nous n’avons, avec la bonne personne, que deux corps seuls, contre le monde, dans un espace – peut-être le seul espace – qui soit le nôtre. L’histoire du couple est simple et non : Un flic (Ed Skrein) avec un petit compte à régler contre Fonny conspire avec une femme portoricaine (Emily Rios) qui a été violée pour faire sortir Fonny d’une file d’attente, malgré son alibi et toutes les preuves suggérant le contraire. Dans la première scène du film, on voit Tish rendre visite à Fonny en prison pour lui dire qu’elle est enceinte. Il est extatique; On reconnaît immédiatement cette alchimie unique de terreur et de joie qui accompagne tout nouveau parent, mais on sait aussi que pour un jeune couple noir, le monde penche contre la prospérité de leur amour. „J’espère que personne n’a jamais eu à regarder ses proches à travers une vitre“, déclare Tish. Avez-vous de l’espoir? Les performances magnifiquement chronométrées de James et Layne suggèrent qu’ils doivent, une viande sans autre choix. En tant que mère de Tish, Regina King comprend peut-être mieux le mal de cet espoir, jouant Sharon comme une femme qui ne peut pas obtenir ce qu’elle veut, mais qui semble sentir que de tels progrès peuvent être plus importants que la plupart dans sa situation. Assaillie mais intrépide, elle est la matriarche du film, une force d’une telle chaleur que même dans notre peur de voir le ventre de Tish grossir et l’espoir s’estomper, nous sommes rassurés par la présence de Sharon, non pas que tout ira bien, mais tout ira bien . la fin de une force d’une telle chaleur que même dans notre peur de voir le ventre de Tish grossir et son espoir s’évanouir, la présence de Sharon nous rassure, non pas que tout ira bien, mais que tout ira bien. la fin de une force d’une telle chaleur que même dans notre peur de voir le ventre de Tish grossir et son espoir s’évanouir, la présence de Sharon nous rassure, non pas que tout ira bien, mais que tout ira bien. la fin deSi Beale Street pouvait parler  est pratiquement acquis, à moins que votre ignorance ne vous guide dans ce monde idiot, mais il y a toujours de l’amour dans ces derniers instants, tout autant qu’il y en avait dans l’ouverture symétrique du film. Il y a de l’espoir là-dedans, même si c’est pathétiquement petit. —Dom Sinacola


2.  Monty Python et le Saint Graal

Année :  1975
Réalisateurs :  Terry Gilliam, Terry Jones
Distribution :  Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Connie Booth
Genre :  Comédie
Classement :  PG

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C’est nul qu’une partie des paillettes ait été retirée du  Saint Graal  par sa propre omniprésence écrasante. De nos jours, quand on entend une „blessure de chair“, un „ni !“ ou „d’immenses étendues de terre“, nos premières pensées sont souvent des  nerds obsessionnels ignorants qui  nous répètent des scènes entières. Ou, dans mon cas, rejouer des scènes entières à des gens  comme  un nerd ignorant et obsessionnel. Mais, si vous essayez de vous éloigner du facteur d’encombrement et de revoir le film après quelques années, vous trouverez de nouvelles blagues aussi fraîches et hystériques que celles que nous connaissons tous. Holy Grail  est, en fait, la comédie la plus dense du canon Python. il y a  tellement de blaguesdans ce film, et c’est surprenant comme on l’oublie facilement, compte tenu de sa réputation. Si vous êtes vraiment épuisé par ce film, revoyez-le avec des commentaires et découvrez le deuxième niveau d’appréciation qui vient de l’inventivité avec laquelle il a été réalisé. Cela ne ressemble certainement pas à un film à 400 000 $, et il est agréable de découvrir lesquels des gags (comme les moitiés de noix de coco) sont nés d’un besoin de solutions de contournement à petit budget. Co-réalisé pour la première fois par l’acteur à l’écran Terry Jones (qui n’a réalisé que sporadiquement après la séparation de Python) et le reclus américain Terry Gilliam (qui a transformé de manière prolifique le style cinématographique de Python en sa propre marque unique de fantaisie cauchemardesque) se déplace avec une efficacité surréaliste. —Graham Techler


3.  L’Irlandais

Année :  2019
Réalisateur :  Martin Scorsese
Stars :  Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Jesse Plemons, Anna Paquin
Genre :  Crime, Drame
Note :  R

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Peggy Sheeran (Lucy Gallina) regarde son père, Frank (Robert De Niro), à travers une porte entrouverte alors qu’il fait ses valises pour un voyage d’affaires. Pantalons et chemises sortants, soigneusement rentrés et pliés contre l’intérieur des bagages. Entrez le revolver à nez retroussé, l’outil impitoyable du métier de Frank. Il ne sait pas que les yeux de sa fille sont sur lui ; elle est calme par nature et le reste pendant la plupart de leurs interactions à l’âge adulte. Fermez le boîtier. Elle disparaît derrière la porte. Son jugement persiste. La scène se déroule dans un tiers du nouveau film de Martin Scorsese,  The Irishman., nommé d’après le surnom mondial de la mafia de Frank, et fait écho dans son dernier plan, lorsque Frank, vieux, décrépit et tout seul, désespérément abandonné par sa famille et privé de ses amis gangsters au fil du temps, il est assis dans sa maison de retraite lit. Il attend peut-être la Mort, mais plus probablement il attend Peggy (jouée adulte par Anna Paquin), qui l’a renié et n’a pas l’intention de lui pardonner ses péchés. Peggy agit en tant qu’arbitre moral de Scorsese. C’est une juge coriace : le film adopte une vision sombre du machisme exprimé dans le royaume du gangster et des chopes. Lorsque les personnages principaux de Scorsese ne complotent pas ou ne paient pas des plans d’actes de violence, ils font des crises de colère, mangent des glaces ou, dans un cas extrême, se giflant dans un takedown désespérément pathétique. Cette scène fait écho à des scènes malheureuses similaires dans Akira Kurosawa.Drunken Angel  et  Rashomon  – Des querelles entre des talons potentiels effrayés de se battre, mais forcés de le faire par leur propre bravade. L’Irlandais  s’étend des années 1950 au début des années 2000, les années où Frank travaillait pour la famille du crime Bufalino, dirigée par Russell (retraité et intimidant Joe Pesci). „Travailler“ signifie tuer certaines personnes, en forcer d’autres, voire faire exploser une voiture ou un immeuble lorsque l’occasion l’exige. Lorsqu’il est libéré du terrorisme des gangs, il est chez lui en train de lire le journal, de regarder les informations, de traîner Peggy au magasin local pour la battre pour l’avoir poussée. „J’ai juste fait ce qu’il fallait“, dit le pauvre bâtard condamné avant que Frank ne le traîne dans la rue et ne lui écrase la main contre le trottoir. L’Irlandais est une non-fiction historique, relatant la vie de Sheeran et, tout au long de sa vie, la vie des Bufalinos et de leurs associés, en particulier ceux qui sont morts avant leur temps (ce qui est le cas pour la plupart d’entre eux). C’est aussi un portrait de l’enfance à l’ombre d’une brutalité sans passion, et de ce qu’une fille doit faire pour trouver la sécurité dans un monde défini par l’effusion de sang. —Andy Crump


4.  Je ne suis pas ton mec

Année :  2017
Réalisateur :  Raoul Peck
Genre :  Documentaire
Classement :  PG-13

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Raoul Peck se concentre sur le livre inachevé de James Baldwin,  Remember This House  , une œuvre qui aurait rappelé trois de ses amis, Martin Luther King Jr., Malcolm X et Medgar Evers. Les trois hommes noirs ont été tués à cinq ans d’intervalle, et dans le film, nous apprenons que Baldwin n’était pas seulement préoccupé par ces pertes comme des coups terribles pour le mouvement des droits civiques, mais qu’il se souciait profondément des femmes et des enfants des hommes qui ont été tués. . assassiné. Le chagrin accablant de Baldwin est autant le sujet du film que son intellect. Et donc  je ne suis pas ton mecn’est pas seulement le portrait d’un artiste, mais un portrait du deuil : à quoi ça ressemble, ça sonne et ça fait de perdre des amis, et de le faire avec le monde entier qui regarde (et avec tant de gens en Amérique qui refusent de comprendre comment c’est arrivé, et d’ailleurs). que se passera-t-il ensuite). Peck aurait pu faire un peu plus que nous donner ce sentiment, nous plaçant carrément en présence de Baldwin, et  I Am Not Your Negro  aurait probablement été un succès. Sa décision de s’éloigner du format documentaire habituel, où des esprits respectés commentent un sujet, crée un sentiment d’intimité difficile à inspirer dans des films comme celui-ci. Le plaisir de s’asseoir avec les mots de Baldwin, et ses mots seuls, est exquis. Il n’y a pas d’interprète, personne pour expliquer Baldwin mais Baldwin, et c’est ainsi que cela devrait être. —Shannon M. Houston


5.  Une orange mécanique

Année :  1971
Réalisateur :  Stanley Kubrick
Distribution :  Malcolm McDowell, Patrick Magee, Adrienne Corri, Miriam Karlin
Classement :  R
Durée :  136 minutes

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Comme pour la plupart (enfin, probablement  toutes  ) des adaptations livre-écran de Stanley Kubric,  A Clockwork Orange il remixe divers aspects du roman d’Anthony Burgess, et probablement pour le mieux (au moins Alex [un Malcolm McDowell terriblement électrique] n’est pas un pédophile dans le film de Kubrick, par exemple). C’est toujours une satire implacablement vicieuse dépeignant une société tolérante à la culture brutale de la jeunesse, où la science et la psychologie modernes sont les meilleures contre-mesures pour combattre l’Ultraviolence™ commise par des hommes comme Alex et ses camarades droogs. Il est douloureusement clair que lorsque le ministre britannique de l’Intérieur (Anthony Sharp) fait d’Alex une victime, ce mal (alerte spoiler !) l’emporte. Christ, est-ce que l’un d’entre nous peut entendre  „Singin‘ in the Rain“ ? le même après ce cauchemar ? —Scott Wold


6.  Gemmes non taillées

Année :  2019
Réalisateurs :  Josh Safdie, Benny Safdie
Stars :  Adam Sandler, Julia Fox, Eric Bogosian
Genre :  Thriller
Classé :  R

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Propriétaire d’un magasin exclusif dans le quartier des diamantaires de New York, Howard Ratner (Adam Sandler) se débrouille très bien pour lui et sa famille, même s’il ne peut s’empêcher de jouer de manière compulsive, grâce à son beau-frère Aron (Eric Bogosian, malveillant visqueux ) une quantité substantielle. Pourtant, Howard a d’autres risques à équilibrer : sa masse salariale se compose de Demany (Lakeith Stanfield), un éclaireur de clients et de produits, et de Julia (Julia Fox, un phare inattendu dans la tempête dans son premier rôle), une employée avec qui Howard est avoir une liaison, la „gardant“ à l’aise dans son appartement de New York. Sauf pour sa femme (immaculée blasée Idina Menzel) manifestement malade de sa merde, et en attendant il a une livraison spéciale venant d’Afrique : une opale noire, la pierre que nous apprenons à connaître intimement dans la première scène du film, estimée par Howard à des millions. . Demany amène ensuite Kevin Garnett (en tant que lui-même, si complètement en phase avec le ton des frères Safdie) à la boutique le jour même de l’arrivée de l’opale, inspirant un pari unique pour Howard – du genre à le mettre au carré avec Aron et quelque chose d’autre. , ainsi qu’une foule de nouveautés à éclaircir. Bien sûr, tout est stressant, vraiment impitoyable, extrêmement stressant, mais les Safdies, dans leur sixième film, semblent prospérer sur l’anxiété, capturant l’inertie de la vie d’Howard et les innombrables vies qui se heurtent à la sienne, dans toute sa beauté corporelle. . Juste avant un match, Howard révèle à Garnett son grand plan pour un gros salaire et explique que Garnett l’obtiendra, vérité? Que des gars comme eux sont connectés à quelque chose de plus grand, travaillant sur une longueur d’onde plus élevée que la plupart, que c’est ainsi qu’ils gagnent. Il est peut-être sur quelque chose, ou il peut tout sortir de son cul, peu importe, nous avons toujours su que Sandler l’avait en lui. C’est peut-être exactement ce que nous avions en tête.—Dom Sinacola


7.  Elle doit l’avoir

Année :  1986
Réalisateur :  Spike Lee
Distribution :  Tracy Camila Johns, Spike Lee, John Canada Terrell, Tommy Redmond Hicks
Genre :  Comédie, Romance
Classement :  R

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Un premier film d’une franchise explosive qui a immédiatement annoncé la nouvelle voix courageuse et fraîche de Lee dans le cinéma américain  , tourné comme un documentaire, She’s Gotta Have It  est une exploration sans fioritures d’une jeune femme noire nommée Nola (Tracy Camilla Johns) essayant de choisir entre ses trois amants masculins, tout en flirtant avec son apparente bisexualité, pour, surtout, découvrir ce qui la rend heureuse. Ce qui est rafraîchissant dans le film, c’est que Lee soulève toujours la possibilité que « rien de ce qui précède » ne soit une réponse parfaitement viable à la fois pour Nola et les femmes célibataires – un tournant en 1986. le réalisme direct du film. —Oktay Ege Kozak


8.  La dernière forêt

Année :  2022
Réalisateur :  Luiz Bolognesi
Classement :  NR

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Documentaire de 76 minutes du réalisateur Luiz Bolognesi et du co-scénariste/sujet/leader yanomami Davi Kopenawa,  The Last Forest  combine des reconstitutions mythologiques captivantes avec des images de scènes de la vie pour créer un regard incisif et perspicace sur une culture indigène qui résiste au déni. corruption : de l’esprit et du corps, grâce aux produits chimiques et au COVID-19, l’influence de la cupidité capitaliste. Dans les forêts tropicales du Brésil, l’attrait de l’or fait encore ressortir le pire chez les étrangers. À travers des plans accrocheurs trempés de vert et de jaune, puis engloutis dans la fumée et le son, Bolognesi plante le décor tandis que Kopenawa raconte ses histoires. Leurs méthodes se combinent pour créer  The Last Forest.une protestation rythmique et liminale qui vous captivera facilement avec sa sensation habile. Mais les compétences techniques de Bolognesi pour capturer le mouvement et le processus ne doivent pas être ignorées, malgré la beauté parfois subtile du film : regarder un arc tirer et lâcher une flèche, ou un enfant recroquevillé dans un hamac, est astucieux et satisfaisant à travers son objectif. Dans ce mélange de praticité et d’abstraction, on a vraiment l’impression que Bolognesi et Kopenawa vous laissent entrer dans leur vie, et il n’y a pas de meilleur moyen de développer l’empathie et le respect que  cela.- Jacob Oller


9.  Apocalypse Now Redux

Année :  1979
Réalisateur :  Francis Ford Coppola
Distribution :  Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Dennis Hopper, Laurence Fishburne
Classement :  R
Durée :  206 minutes

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Invoquemos a Truffaut, porque su espíritu se siente tan relevante para una discusión sobre la siniestra adaptación de Francis Ford Coppola de  Heart of Darkness  de Joseph Conrad como para una discusión sobre una película de guerra como  Paths of Glory  , y para considerar las películas de guerra en général. Peut-être, si l’on prend Truffaut au mot,  Apocalypse Now(et sa version remasterisée avec 49 minutes supplémentaires de séquences en streaming sur Netflix) ne peut s’empêcher d’approuver la guerre simplement en la recréant en tant qu’art. Cela n’empêche peut-être pas le film de véhiculer les thèses motrices de Coppola : la guerre transforme les hommes en monstres, les conduit à une descente dans un état d’esprit primitif et anarchique, et la guerre elle-même est l’enfer, une phrase de mauvais augure désormais clichée à force de grossièreté. surexploitation entre 1979 et aujourd’hui. Si le film sanctionne naturellement la guerre par la représentation, il ne sanctionne pas l’impact de la guerre sur l’humanité de ses participants. En fait,  l’apocalypse maintenantcela reste l’une des illustrations les plus perspicaces de l’effet corrosif que la violence sanctionnée par la nation a sur l’esprit et la psyché d’une personne. Es lindo que 40 años después estemos de acuerdo con citar esta película en comerciales de AT&T terriblemente desagradables, o reutilizar su telón de fondo de época para hacer que King Kong suceda para el público contemporáneo por segunda vez, pero no hay nada lindo, o incluso tout. Comment citer, à ce sujet. Apocalypse Now  brûle, rend malade et cicatrise, se grave dans notre mémoire comme seules les manifestations les plus sombres de la dépravation humaine peuvent vraiment le faire. —Andy Crump


10.  Suivez

Année :  2015
Réalisateur :  David Robert Mitchell
Distribution :  Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto, Jake Weary, Olivia Luccardi, Lili Sepe
Genre :  Horreur
Note :  R

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Le spectre du vieux Detroit hante  It Follows  . Dans un stand de crème glacée délabré à 12 Mile, dans les maisons de style ranch des années 1960 de Ferndale ou de Berkley, dans un jeu de ludo joué par des adolescents pâles aux accents nasillards, rien, si vous n’y êtes jamais allé, vous ne reconnaîtriez jamais le rassis la nostalgie et le gris qui s’insinuent dans tous les recoins du film terrifiant de David Robert Mitchell. Mais c’est là, et ça ressemble au sud-est du Michigan. La musique, la palette de couleurs feutrée mais étrangement somptueuse, l’anachronisme implacable : dans le style seul, Mitchell est un auteur apparemment né tout entier du ventre malsain de Metro Detroit. Cycles et cercles concentriquement complets  Il s’ensuit, des règles particulièrement insulaires de l’intrigue d’horreur du film, à la rondeur charnue et juvénile des visages et des corps de ce petit groupe de personnages principaux, sans faire oublier au public que, à bien des égards, ces personnes sont encore des enfants. En d’autres termes, Mitchell est clair sur son histoire : cela s’est déjà produit et cela se reproduira. Tout cela ne fonctionnerait pas si Mitchell était moins préoccupé par la création d’un film véritablement énervant, mais chaque épanouissement esthétique, chaque panoramique panoramique est asservi pour insuffler une vie morbide à une seule image : quelqu’un, n’importe qui se séparant lentement de l’arrière-plan, de soi-même. . cauchemars, et marchant vers vous, comme si la Mort elle-même devait apparaître à côté de vous en public, prêt à vous couper le souffle avec peu ou pas d’aplomb. Au départ, la vanité d’All Mitchell, véhiculant une obsession par les rapports sexuels, semble enterrer la politique sexuelle conservatrice sous les tropes typiques des films d’horreur, prétendant être un film de genre progressiste alors qu’il ne fait fonctionnellement rien pour faire avancer nos idées de tarif slasher. Putains, vous trouvez une punition pour votre péché flagrant et sans amour, n’est-ce pas ? (Le film a plus en commun avec un joint de Judd Apatow que vous ne le pensez.) Au lieu de cela, Mitchell ne juge jamais ses personnages pour avoir fait ce que presque tous les adolescents veulent faire; il met simplement à nu, à travers une allégorie complexe, les réalités de la sexualité adolescente. Il n’y a aucune implication de principe derrière l’intention de Mitchell;Il découle  du domaine de la pièce de moralité costumée à un conte de passage à l’âge adulte malade et effrayant. De même, Mitchell comprend intrinsèquement qu’il n’y a pratiquement rien de plus troublant que l’ordinaire un peu décalé, confiant la véritable horreur du film aux tours que jouent nos esprits lorsque nous oublions de vérifier notre périphérie. It Follows  est un film qui prospère sur les frontières, non pas tant sur l’horreur qui saute devant vous, mais sur l’anxiété plus profonde qui attend au bord de la conscience, jusqu’à ce qu’un jour pas trop loin, elle soit là, vous rappelant que votre temps est limité et que vous ne serez jamais en sécurité. Oubliez les risques du sexe chez les adolescentes,  It Follows  est une métaphore perçante pour grandir. —Dom Sinacola


11.  Bonnie et Clyde

Année :  1967
Réalisateur :  Arthur Penn
Distribution :  Warren Beatty, Faye Dunaway, Michael J. Pollard, Gene Hackman
Classement :  R
Durée :  111 minutes

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Il y a eu une brève période dans l’histoire du cinéma américain juste après que le grand public se soit lassé des drames et des comédies banales et écoeurantes des années 60, mais avant que les studios ne découvrent les avantages lucratifs de franchises comme  Jaws  et   Star Wars . après la suite, récoltez des revenus de marchandises et assurez-vous d’un flux constant de gros sous, quel que soit le mérite artistique. Dans ce petit intervalle étrange, les dirigeants de studio n’avaient pas de meilleure idée que de jeter de l’argent sur des réalisateurs talentueux et d’espérer qu’ils auraient de la chance. Films similaires à  Bonnie et Clyde d’Arthur Penn possèdent une sorte de réalisme granuleux qui est aussi intelligent et sage que la Nouvelle Vague française, mais imprégné de l’esprit libre américain qui n’avait pas encore été étouffé par un programme d’entreprise. —ShaneRyan


12.  Un film policier

Année :  2021
Réalisateur :  Alonso Ruizpalacios
Genre :  Documentaire
Classement :  R
Durée :  107 minutes

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Parmi les nombreux clichés choquants capturés dans le docufiction hybride  A Cop Movie, on transmet l’essence de l’examen du directeur de la police mexicaine Alonso Ruizpalacios comme aucun autre. Après avoir attaché son poignet à une longue corde fragile, Teresa, stagiaire à l’académie de police, se prépare à sauter d’une plate-forme de plongée de 30 pieds dans une piscine. C’est le dernier défi qu’il doit surmonter pour obtenir son diplôme, celui de la „décision“, mais cela représente une énorme menace pour sa vie car il ne sait pas nager, et son destin probable de noyade est cruellement contrebalancé en gardant son poignet attaché au sol. Fait intéressant, Teresa s’avère être moins un sujet documentaire qu’un avatar pour Ruizpalacios pour analyser la perspective civile des forces de police du pays. Présentée comme la chanson thème honnête de près de la moitié du film, Teresa (qui  estbasé sur une personne réelle) s’avère être joué par l’actrice Mónica del Carmen, qui s’est intelligemment moulée à l’image de l’officier de la vie réelle, recréant des flashbacks de ses jours en tant qu’étudiante de l’académie à ses problèmes de travail les plus récents. rues du Mexique. Ville. À ses côtés se trouve l’acteur Raúl Briones, qui joue Montoya (également un vrai garçon), la seconde moitié du duo surnommée „la patrouille de l’amour“ par d’autres policiers en raison de leur relation coquette. Bien qu’initialement dépeints comme deux officiers faisant simplement de leur mieux dans un système en ruine, la seconde moitié du film montre clairement que ces sentiments ne sont que des projections biaisées de leurs homologues réels. A Cop Movie est subtil mais audacieux dans son accusation de corruption policière et des officiers individuels qui l’achètent, les bonnes intentions sont maudites. —Natalia  Keogan


13.  Le disciple

Année :  2021
Réalisateur :  Chaitanya Tamhane
Stars :  Aditya Modak, Arun Dravid, Sumitra Bhave
Classement :  TV-MA
Durée :  128 minutes

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Consacrer votre vie à quelque chose (art, passion, religion) nous est vendu comme admirable, mais souvent seulement si cela correspond à nos idéaux romantiques de ce qu’est cette vie. Le succès, même tardif ou posthume, est-il la justification de l’effort ? Le scénariste/réalisateur/monteur Chaitanya Tamhane explore cette idée à travers la vie du chanteur classique indien Sharad Nerulkar (Aditya Modak), un fervent inconditionnel élevé par son père mélomane, et les enregistrements du légendaire chanteur/gourou Maai (Sumitra Bhave) . Sera-t-il reconnu pour sa grandeur, sortant de l’ombre ? Ou suivra-t-il son père dans l’obscurité tangentielle ? De longues prises fascinantes qui résonnent avec le même genre de richesse trouvée dans son large éventail de taan de chanteurs ondulants nous laissant beaucoup d’espace pour profiter de la musique et de la dévotion exposées ; pointu, l’humour noir ponctue le film contemplatif de coups d’obstination. L’excellente performance de Modok contient une profondeur similaire, le tout caché derrière une tension ardente et un regard inébranlable. Il incarne l’artiste insatisfait, celui qui voit le succès tout autour de lui dans les secousses et les crétins, bien qu’il ne puisse pas considérer ce qui pourrait le retenir. C’est une performance déchirante, attachante et piquante, et qui crée un portrait vraiment gagnant. Même lorsqu’il se déplace aussi régulièrement et sans passion que la moto de Sharad, une performance attachante et piquante qui crée une représentation vraiment gagnante. Même lorsqu’il se déplace aussi régulièrement et sans passion que la moto de Sharad, une performance attachante et piquante qui crée une représentation vraiment gagnante.The Disciple  contient de la chaleur pour son artiste principal et son dévouement à ne jamais se  vendre.— Jacob Oller


14.  Le Maître

Année :  2012
Réalisateur :  Paul Thomas Anderson
Distribution :  Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Laura Dern
Genre :  Drame
Note :  R

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Le Maître  étudie ses personnages avec tant de mystique, de tragédie et d’humour qu’il n’y a pas un moment qui ne soit pas fascinant. Le scénariste/réalisateur Paul Thomas Anderson poursuit certaines des tendances stylistiques de son dernier film,  There Will Be Blood., mais il trouve également des moyens de prendre constamment des risques et de prendre des décisions audacieuses totalement imprévisibles. Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) et sa religion, The Cause, sont évidemment inspirés par L. Ron Hubbard et la Scientologie, et ce lien a été au centre de la couverture médiatique qui a précédé la sortie du film. Les parallèles entre les deux idéologies sont incontournables, mais ils ne sont pas la question. Anderson ne considère jamais la religion/secte comme un spectacle anormal. Même dans un montage brillant dépeignant une série d’exercices exténuants que Freddie (Joaquin Phoenix) ne peut ou ne veut pas se laisser éclairer, le combat personnel est au premier plan. L’étrangeté des rituels est presque accessoire. Phoenix livre la performance de sa carrière en tant que vétéran de la Seconde Guerre mondiale imbibé d’alcool avec des cicatrices mentales et physiques. Ayant tiré peu d’avantages d’un cours intensif psychiatrique pour les soldats de retour ayant des problèmes post-traumatiques, il titube d’un endroit jusqu’à ce qu’il doive fuir vers un autre, obsédé par le sexe et fabriquant de l’alcool expérimental. Anderson a toujours été un virtuose visuel et utilise des détails supplémentaires pour un effet superbe. Dodd apparaît pour la première fois lors d’un travelling de Freddie, vu au loin comme une silhouette minuscule mais exubérante sur un bateau de croisière, petit mais toujours au centre de l’attention. Freddie n’a pas encore rencontré Dodd, mais le vaisseau l’appelle. C’est peut-être parce que Dodd a rencontré Freddie dans une vie antérieure, ou cela pourrait être parce que Freddie est un ivrogne désespéré à la recherche d’un endroit où se cacher. La grande tragédie de Freddie est que l’explication la moins attrayante ne lui donne aucune réponse, tandis que l’autre lui donne la mauvaise réponse. – devenir obsédé par le sexe et fabriquer de l’alcool expérimental. Anderson a toujours été un virtuose visuel et utilise des détails supplémentaires pour un effet superbe. Dodd apparaît pour la première fois lors d’un travelling de Freddie, vu au loin comme une silhouette minuscule mais exubérante sur un bateau de croisière, petit mais toujours au centre de l’attention. Freddie n’a pas encore rencontré Dodd, mais le vaisseau l’appelle. Cela pourrait être parce que Dodd connaissait Freddie dans une vie antérieure, ou cela pourrait être parce que Freddie est un ivrogne désespéré à la recherche d’un endroit où se cacher. La grande tragédie de Freddie est que l’explication la moins attrayante ne lui donne aucune réponse, tandis que l’autre lui donne la mauvaise réponse. – devenir obsédé par le sexe et fabriquer de l’alcool expérimental. Anderson a toujours été un virtuose visuel et utilise des détails supplémentaires pour un effet superbe. Dodd apparaît pour la première fois lors d’un travelling de Freddie, vu au loin comme une silhouette minuscule mais exubérante sur un bateau de croisière, petit mais toujours au centre de l’attention. Freddie n’a pas encore rencontré Dodd, mais le vaisseau l’appelle. Cela pourrait être parce que Dodd connaissait Freddie dans une vie antérieure, ou cela pourrait être parce que Freddie est un ivrogne désespéré à la recherche d’un endroit où se cacher. La grande tragédie de Freddie est que l’explication la moins attrayante ne lui donne aucune réponse, tandis que l’autre lui donne la mauvaise réponse. – vu au loin comme une silhouette minuscule mais exubérante sur un bateau de croisière, petite mais toujours au centre de l’attention. Freddie n’a pas encore rencontré Dodd, mais le vaisseau l’appelle. Cela pourrait être parce que Dodd connaissait Freddie dans une vie antérieure, ou cela pourrait être parce que Freddie est un ivrogne désespéré à la recherche d’un endroit où se cacher. La grande tragédie de Freddie est que l’explication la moins attrayante ne lui donne aucune réponse, tandis que l’autre lui donne la mauvaise réponse. – vu au loin comme une silhouette minuscule mais exubérante sur un bateau de croisière, petite mais toujours au centre de l’attention. Freddie n’a pas encore rencontré Dodd, mais le vaisseau l’appelle. Cela pourrait être parce que Dodd connaissait Freddie dans une vie antérieure, ou cela pourrait être parce que Freddie est un ivrogne désespéré à la recherche d’un endroit où se cacher. La grande tragédie de Freddie est que l’explication la moins attrayante ne lui donne aucune réponse, tandis que l’autre lui donne la mauvaise réponse. —jeremy matthew


15.  Cru

Année :  2016
Réalisatrice :  Julia Ducournou Distribution
:  Garance Marillier, Ella Rumpf, Laurent Lucas
Genre :  Horreur
Score :  R
Durée :  99 minutes

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Si vous êtes l’heureux propriétaire d’un sens de l’humour tordu, vous pourriez dire à vos amis que  Raw de Julia Ducournau est un „film de passage à l’âge adulte“ dans le but de vous inciter à le regarder. Oui, la protagoniste du film, la naïve étudiante entrante Justine (Garance Marillier), devient majeure au cours de son exécution; il fait la fête, sort de sa coquille et apprend qui il est vraiment en tant que personne au bord de l’âge adulte. Mais la plupart des enfants qui grandissent dans les films ne réalisent pas qu’ils ont passé leur vie à réprimer par inadvertance une envie innée, presque insatiable, de consommer de la viande crue. „Hé,“ vous pensez, „c’est le nom du film!“ Vous allez bien ! Cette! Laisse Ducournau son culot. Plus qu’un clin d’œil et un clin d’œil aux détails viscéraux de l’image,  Rawc’est une concession ouverte à la qualité déchirante de l’épanouissement sinistre de Justine. Aussi désagréable que le film soit, et devient effectivement méchant, les sentiments les plus durs que Ducournau exprime ici ont tendance à être ceux que nous ne pouvons pas détecter simplement en regardant : la peur de la sexualité féminine, les héritages familiaux, la politique de popularité et l’incertitude de soi. -gouvernement   Les horreurs autant que la chair exposée et sanglante. C’est un gorefest sans vergogne et bien plus à mâcher que ses effets. —Andy Crump


16.  Donnez 5 sangs

Année :  2020
Réalisateur :  Spike Lee
Stars :  Clarke Peters, Delroy Lindo, Norman Lewis, Isiah Whitlock Jr., Chadwick Boseman, Jonathan Majors
Genre :  Drame
Classement :  R

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La recherche de l’or enfoui ne se termine pas bien ou ne se déroule pas sans heurts. Le long chemin vers la réconciliation, qu’elle soit traumatique, familiale ou identitaire, n’est jamais sans obstacles. Collez ces vérités avec les effets d’attrition du racisme institutionnel, ajoutez d’innombrables références à l’histoire (histoire américaine, histoire de la musique, histoire du cinéma) et vous avez  Da 5 Bloods de Spike Lee  , un film d’action vietnamien de style classique. vision cinématographique. Comme dans  BlackKkKlansman de 2018, Lee relie les points entre le passé et le présent, reliant la lutte pour les droits civils exprimée dans l’objection de conscience et la protestation à la propre lutte de l’Amérique contemporaine contre le fascisme sanctionné par l’État. Après avoir ouvert avec un montage d’événements comprenant et des personnages s’exprimant contre la guerre du Vietnam, qui est principalement appelée la guerre américaine pour le reste du film, Lee présente quatre des cinq sangs. : Otis (Clarke Peters), Paul ( Delroy Lindo), Eddie (Norm Lewis) et Melvin (Isiah Whitlock Jr.), des vétérans du Vietnam en esclavage, sont retournés à Ho Chi Minh-Ville apparemment pour trouver et récupérer les ossements de leur chef d’équipe déchu, Norman (Chadwick Boseman). Il y a plus bien sûr „plus“ étant d’environ 17 millions de dollars en lingots d’or plantés sur le sol vietnamien, appartenant à la CIA mais réappropriés par les Bloods en réparation de leurs souffrances personnelles en tant qu’hommes menant une guerre pour un pays dirigé par des gens qui ne se soucient pas de leurs droits. Lee est à l’apogée de ses pouvoirs lorsqu’il soutient sans ambages que depuis la fin de la guerre du Vietnam, les États-Unis continuent obstinément à mener les mêmes guerres contre leur propre peuple et, en fait, contre le reste du le monde. . Et Lee est toujours en colère et mécontent du statu quo, étant l’oppression continue des Noirs américains par la brutalité policière, la suppression des électeurs et les fautes médicales. Dans ce contexte, Les États-Unis continuent obstinément à mener les mêmes guerres contre leur propre peuple et, en fait, contre le reste du monde. Et Lee est toujours en colère et mécontent du statu quo, étant l’oppression continue des Noirs américains par la brutalité policière, la suppression des électeurs et les fautes médicales. Dans ce contexte, les États-Unis continuent obstinément à mener les mêmes guerres contre leur propre peuple et, en fait, contre le reste du monde. Et Lee est toujours en colère et mécontent du statu quo, étant l’oppression continue des Noirs américains par la brutalité policière, la suppression des électeurs et les fautes médicales. Dans ce contexte, étant l’oppression continue des Noirs américains par la brutalité policière, la suppression des électeurs et les fautes professionnelles médicales. Dans ce contexte, les États-Unis continuent obstinément à mener les mêmes guerres contre leur propre peuple et, en fait, contre le reste du monde. Et Lee est toujours en colère et mécontent du statu quo, étant l’oppression continue des Noirs américains par la brutalité policière, la suppression des électeurs et les fautes médicales. Dans ce contexte, étant l’oppression continue des Noirs américains par la brutalité policière, la suppression des électeurs et les fautes professionnelles médicales. Dans ce contexte, les États-Unis continuent obstinément à mener les mêmes guerres contre leur propre peuple et, en fait, contre le reste du monde. Et Lee est toujours en colère et mécontent du statu quo, étant l’oppression continue des Noirs américains par la brutalité policière, la suppression des électeurs et les fautes médicales. Dans ce contexte, étant l’oppression continue des Noirs américains par la brutalité policière, la suppression des électeurs et les fautes professionnelles médicales. Dans ce contexte, étant l’oppression continue des Noirs américains par la brutalité policière, la suppression des électeurs et les fautes professionnelles médicales. Dans ce contexte,L’ampleur de Da 5 Bloods  est presque nécessaire. Comme dirait Paul : A droite. —Andy  Crump


17.  Grandir

Année :  2014
Réalisateur :  Patrick Brice
Distribution :  Mark Duplass, Patrick Brice
Genre :  Horreur
Classement :  R

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Creep  est un petit film d’horreur indépendant quelque peu prévisible mais joyeusement fou, le premier film de Brice, qui a également sorti  The Overnight cette année  . Mettant en vedette le toujours prolifique Mark Duplass, il s’agit d’une étude de personnage de deux hommes : un vidéaste naïf et un reclus psychotique pas si secret, ce dernier engageant le premier pour documenter sa vie dans une cabane dans les bois. Il compte entièrement sur ses performances, qui sont excellentes. Duplass, qui peut être charmant et farfelu dans quelque chose comme  Sécurité non garantie, brille ici comme le fou dérangé qui se fraye un chemin dans la vie du protagoniste et hante chacun de ses instants de veille. Les premiers instants de va-et-vient entre les deux crépitent avec une sorte d’intensité maladroite. Tout maven du genre verra sans aucun doute où il va, mais c’est une balade bien conçue qui réussit grâce à la chimie entre ses deux principaux protagonistes d’une manière qui me rappelle les scènes entre Domhnall Gleeson et Oscar Isaac dans  Ex Machina  . —Jim Vorel


18.  La conjuration

Année :  2013
Réalisateur :  James Wan
Distribution :  Vera Farmiga, Patrick Wilson, Ron Livingston, Lili Taylor
Genre :  Horreur
Classement :  R

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Qu’on le sache: James Wan est, selon toute estimation juste, un réalisateur de films d’horreur au-dessus de la moyenne, c’est  le moins qu’on puisse dire. L’ancêtre d’émissions à gros budget comme  Saw  et  Insidious  a le don de créer une horreur populiste qui porte toujours une trace de sa propre identité artistique, un cadeau de Spielberg pour ce qui parle au public multiplex sans sacrifier complètement la caractérisation. . Plusieurs de ses films se classent juste en dehors du top 100, si jamais cette liste devait s’allonger, mais il est indéniable que  The Conjuring  est le représentant de Wan car c’est de loin le plus effrayant de tous ses longs métrages. Me rappelant l’expérience de regarder  Paranormal Activity Pour la première fois dans un multiplex bondé, The Conjuring  a un moyen de renverser quand et où vous vous attendez à ce que les frayeurs frappent. Son histoire de maison hantée / possession n’est rien que vous n’ayez jamais vue auparavant, mais peu de films de cette œuvre ces dernières années ont eu la moitié du style que Wan confère à une vieille ferme grinçante du Rhode Island. Le film répond aux attentes du public en vous lançant de grandes frayeurs sans les accumulations standard de Hollywood Jump Scare, évoquant simultanément des histoires de fantômes classiques de l’âge d’or comme  The Haunting  de Robert Wise . Son intensité, son travail d’effets et sa nature implacable le placent plusieurs crans au-dessus de l’horreur PG-13 avec laquelle il a principalement rivalisé. Il est intéressant de noter que The Conjuring a en fait reçu une note «R» malgré l’absence de «violence» manifeste, de gore ou de sexualité. C’était juste trop effrayant pour le nier, et c’est digne de respect. —Jim Vorel


19.  Ip Man

Année :  2008
Réalisateur :  Wilson Yip
Distribution :  Donnie Yen, Lynn Hung, Dennis To, Syun-Wong Fen, Simon Yam, Gordon Lam
Genre :  Action
Classé :  R

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2008 Ip Man a  finalement marqué le moment où Donnie Yen, vraiment excellent mais jamais assez respecté, a pris vie, jouant une version vaguement biographique du légendaire grand maître Wing Chung et professeur de plusieurs futurs maîtres d’arts martiaux (dont Bruce Lee). À Foshan (une ville célèbre pour les arts martiaux dans le sud et le centre de la Chine), un modeste pratiquant de Wing Chung tente de surmonter pacifiquement l’invasion et l’occupation japonaises de la Chine en 1937, mais est finalement contraint d’agir. Ce film semi-historique rempli d’action fracassant les membres et pulvérisant le visage, qui connaît un succès glorieux à la fois en tant que drame convaincant et en tant qu’appât pour les fans d’arts martiaux. —K  . Alexander Smith


20.  La fille perdue

Année :  2021
Réalisateur :  Maggie Gyllenhaal
Distribution :  Olivia Colman, Dakota Johnson, Jessie Buckley, Paul Mescal, Dagmara Dominczyk, Oliver Jackson-Cohen, Peter Sarsgaard, Ed Harris
Genre :  Drame
Classement :  R
Durée :  124 minutes

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Sur la plage où la spécialiste de la littérature comparée Leda (Olivia Colman) se prélasse tout au long de  The Lost Daughter, le ciel est bleu cristal, les plages d’un blanc éclatant, l’eau chaude et translucide. Mais le rivage est aussi infesté de gens grossiers et bruyants ; Fruit de Léda infecté par une pourriture maligne ; sa chambre contaminée par des insectes grinçants ; une poupée de fille corrompue par un liquide noir nocif et des insectes qui se tortillent. Cette tension tonale est symptomatique de l’esprit du film : c’est une pomme luisante qui se décompose rapidement de l’intérieur vers l’extérieur. Le film se déroule sur quelques jours alors que Leda s’installe pour de somptueuses vacances de travail. Cependant, sa relaxation est interrompue lorsqu’il rencontre pour la première fois Nina (Dakota Johnson), une jeune mère belle et impénétrable. Leda devient obsédée par Nina, alors que ce dernier refait surface par inadvertance des souvenirs obsédants des expériences déchirantes de Leda en tant que mère. A partir de ce moment, les souvenirs obsédants de Léda imprègnentla fille perduejusqu’à ce que la pomme soit complètement noire. Alors que le récit lui-même, adapté du roman du même nom d’Elena Ferrante en 2006, est relativement simple, la première réalisatrice Maggie Gyllenhaal, qui a également écrit le scénario, aborde les questions de sexisme intériorisé et extériorisé avec agilité et complexité. L’état d’esprit subtil et complexe de Leda n’aurait pas été possible de transmettre sans l’extraordinaire sensibilité visuelle de Gyllenhaal. Les luttes de Leda sont en grande partie internes, mais je suis convaincu que la narration exceptionnellement tactile de Gyllenhaal en dit beaucoup plus que les mots ne le pourraient jamais. Lorsque Leda caresse le poignet crasseux d’Elena, son toucher est doux et en quelque sorte rempli de regret. Quand il glisse une épingle dans le chapeau de Nina, ça sonne sinistre comme une épée nue, mais son placement soigné est presque sensuel. Et quand une jeune Leda coupe la chair d’une orange, sa coupe lisse et discrète semble presque sinistre. La direction extraordinaire de Gyllenhaal, ainsi que les performances exceptionnelles deLes actrices principales de The Lost Daughter  culminent dans une tempête parfaite qui produit une représentation astucieuse des attentes douloureuses de la féminité.—  Aurora Amidon


21.  J’ai perdu mon corps

Année :  2019
Réalisateur :  Jérémy Clapin Distribution
:  Hakim Faris Hamza, Victoire Du Bois, Patrick d’Assumçao
Genre :  Animation, Drame
Classification :  TV-MA
Durée :  81 minutes

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Pendant que nous sommes à bord, du moins passivement, pour le nombre de suites que Pixar veut donner à  Toy Story  , patientez aussi longtemps qu’il en faudra une autre,  j’ai perdu mon corps .c’est un film d’animation singulier, de plus en plus du genre qui, franchement, ne se fait plus. En partie parce que les longs métrages dessinés à la main réalisés par de petits studios sont plus rares que jamais, mais surtout parce qu’il s’agit d’un film d’animation destiné aux adultes, enveloppé d’une narration oblique et douloureuse. Apparemment à propos d’une main anthropomorphe montant et glissant à travers la ville pour retrouver la personne à qui elle était autrefois attachée (l’histoire de la façon dont elle est lentement découpée se révèle), la beauté des visuels du réalisateur Jérémy Clapin, à travers Souvent esquissé dans la crasse et pourriture, J’ai perdu mon corps est une réalisation sans prétention et tranquillement déchirante, que l’Académie doit prioriser plus que jamais par rapport au tarif d’étude élevé qui devrait être compétent. —Dom Sinacola


22.  Christine

Année :  2016
Réalisateur :  Antonio Campos
Distribution :  Rebecca Hall, Michael C. Hall, Tracy Letts, Maria Dizzia, J. Smith-Cameron, John Cullum, Timothy Simons
Genre :  Drame
Classement :  R

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Pourquoi la journaliste de télévision Christine Chubbuck s’est-elle suicidée devant la caméra en 1974 ? L’éclat de ce drame d’Antonio Campos est qu’il tente de répondre à cette question tout en respectant l’énormité et l’ignorance d’un acte aussi violent et tragique. Rebecca Hall est capitale dans le rôle de Christine, une femme profondément malheureuse dont l’ambition n’a jamais égalé son talent, et l’actrice est incroyablement compréhensive dans le rôle. Alors que nous nous rapprochons de la mort inévitable de Christine, nous en venons à comprendre que  Christine  n’est pas un roman morbide, mais un regard compatissant sur l’inégalité des sexes et la solitude. —Tim  Grierson


23.  Culpabilité !

Année :  2017
Réalisateur :  Hiroyuki Seshita
Stars :  Sora Amamiya, Kana Hanazawa, Takahiro Sakurai
Genre :  Anime, Science-Fiction
Classement :  TV-14

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En matière de science-fiction industrielle sombre, Tsutomu Nihei est un visionnaire. Formé en tant qu’architecte avant de poursuivre une carrière d’auteur de mangas, l’art de Nihei est à la fois clairsemé et labyrinthique, son œuvre définie par une obsession unificatrice des espaces inventés. Des usines byzantines aux accents gothiques s’étendant à travers des gouffres impossibles, peuplées de synthoïdes aux pattes arquées et de prédateurs macabres colportant des épées en os dentelés et des pistolets à cartilage pulsant. Sa première et plus célèbre série,  Blame!, est considéré comme le texte clé de l’héritage esthétique de Nihei, allant jusqu’à inspirer tout, des jeux vidéo à la musique, en passant par l’art et la mode. Il y a eu des tentatives précédentes pour adapter la série en anime, mais aucune n’a été couronnée de succès. C’est-à-dire jusqu’à maintenant. Avec le soutien de Netflix, Hiroyuki Seshita de Polygon Pictures a livré ce Blame  tant attendu  ! film. Situé dans un futur lointain de la Terre consommée par une superstructure massive auto-réplicante connue sous le nom de „The City“,  Blame !sigue a Killy, un solitario taciturno, que deambula por las capas del planeta en busca de un ser humano que posea el ‚gen terminal de la red‘, un rasgo esquivo que se cree que es el único medio para detener la expansión hostil perpetua de la ville. Avec un scénario écrit par Sadayuki Murai, célèbre pour avoir écrit dans des séries comme  Cowboy Bebop et  Perfect Blue  de Satoshi Kon ., et supervisé par Nihei lui-même, le film de Seshita abrège une grande partie des premiers chapitres du manga et rationalise l’histoire en une affaire beaucoup plus narrative et axée sur l’action. Le directeur artistique Hiroshi Takiguchi reproduit habilement l’esthétique distinctive de Nihei, réalisant en couleur ce qui n’était auparavant que monochrome, tandis que Yuki Moriyama améliore habilement les dessins de personnages uniformes de l’original, conférant à ses acteurs des caractéristiques et des silhouettes distinctes et facilement identifiables qui améliorent considérablement la capacité d’analyser l’histoire. . . La faute! c’est une adaptation aussi fidèle que possible et une introduction aussi appropriée à la série que le manga lui-même. La faute!construit un dossier solide pour être non seulement l’un des films d’animation les plus divertissants sur le plan conceptuel de mémoire récente, mais aussi pour être l’un des, sinon le meilleur film d’animation original à honorer Netflix depuis longtemps. —Toussaint  Egan


24.  gangster américain

Année :  2007
Réalisateur :  Ridley Scott
Distribution :  Denzel Washington, Russell Crowe, Chiwetel Ejiofor, Cuba Gooding Jr., Josh Brolin
Classement :  R
Durée :  156 minutes

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Avec  American Gangster  , Ridley Scott revient au style de réalisation plus mesuré mis en évidence dans son documentaire de science-fiction  Blade Runner.. Les compétences du réalisateur en matière de construction du monde, qui ne font aucun doute, sont pleinement exposées alors qu’il recrée le Harlem du milieu des années 70. Mais sa narration donne une fois de plus la priorité au personnage plutôt qu’à l’action rapide. Denzel Washington et Russell Crowe, avec l’aide d’un casting de soutien talentueux, illuminent le rôle de cet acteur, transformant le public en un délice après l’autre. Washington est Frank Lucas, autrefois le bras droit d’un seigneur du crime de Harlem et finalement le trafiquant d’héroïne le plus puissant et le plus indépendant de New York. Criminel ou pas, Lucas définit le rêve américain. Crowe est Ritchie Roberts, un flic trop honnête autorisé à créer une unité de drogue indépendante, et il plonge dans Roberts, mettant en valeur ses compétences considérables dans chaque image. Pendant ce temps, Josh Brolin, Chiwetel Ejiofor, Ted Levine et Armand Assante apportent une force et une crédibilité uniques. Scott fait même ressembler TI et RZA à des acteurs. Mais le film appartient à Washington et Crowe ; le premier froid et menaçant, le second effondré et échevelé. Quand ils se heurtent enfin, le film passe à la vitesse supérieure. Du début à la fin,American Gangster  crépite avec seulement des performances qui font ressembler le cinéma de genre à de l’art.—  Russ Fischer


25.  Athéna

Date de sortie :  23 septembre 2022
Réalisateur :  Romain Gavras
Stars :  Dali Benssalah, Sami Slimane, Anthony Bajon, Ouassini Embarek, Alexis Manenti
Classement :  R
Durée :  97 minutes

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Cela fait plus d’une décennie que Romain Gavras a rempli son  clip granuleux  pour „No Church in the Wild“ avec des Molotov, des chevaux de police volés et des boucliers anti-émeute renversés, des motifs visuels d’héroïsme de protestation, et la seule chose qui a changé est notre familiarité avec la suite. La rage derrière ces images couve encore, mais nous connaissons le confort froid qui reste lorsque les braises sont enfin éteintes. Cependant, tout ce qui peut être fait est de rallumer le feu, ce que fait Gavras dans la fascinante et vitale  Athéna.. Épopée de guerre entre le peuple et l’État, elle traverse un mouvement de résistance populaire comme une traînée de poudre : aveuglante, dangereuse, dévorante. La zone de guerre est Athéna, une cité française, où la tragédie a réuni une communauté, formée d’une seule famille. Idir, 13 ans et le plus jeune de quatre frères, Karim (Sami Slimane), Abdel (Dali Benssalah) et Moktar (Ouassini Embarek), a été battu à mort par la police. Quelqu’un l’a enregistré sur son téléphone. Mais nous l’avons découvert dans des fragments éclaboussés d’exposition, transformés en confettis et flottant dans l’air enfumé. Notre attention immédiate est sur Karim, à la tête d’un groupe de voisins en survêtement et de jeunes partageant les mêmes idées, prenant d’assaut un poste de police. La scène d’ouverture, le premier de nombreux exploits incroyables de planification,L’ouverture d’Athéna  est l’une des meilleures de l’année, une pièce d’action implacable, à poing levé, à serrer la mâchoire et à donner la chair de poule qui ne s’arrête pas tant que vous n’êtes pas complètement radicalisé. C’est à ce moment-là que vous commencez à regarder à travers le style, en voyant comment il reflète la personnalité de leurs personnages en perspective. Il y a une raison pour laquelle  Athéna  se sent comme une crise cardiaque en mouvement. Il y a de la douleur et de la panique. Votre rythme cardiaque ne monte pas en flèche simplement parce que vous êtes pressé. Mais jusqu’à ce que nous réalisions cela, Karim et son équipe jouent dans une épopée à grande échelle : un  1917 moderne  où l’horrible joie de vivre de la guerre est revenue à la maison. athénace n’est pas ici pour des subtilités. Il est là pour enlever les tambours de vos oreilles, les paupières de vos yeux, le plomb de vos chaussures. Avec des plans qui commencent par « putain d’incroyable » et se prolongent jusqu’à « c’est putain de possible », sa vision grandiose vise à définir un symbole international de la modernité : la protestation comme guerre. Plus de gradients politiques que de personnes, Benssalah et Slimane nous guident à travers la fabrication du mythe jusqu’à ce que nous comprenions pleinement l’absurdité d’Athéna étant à la fois le Dieu de la sagesse et le Dieu de la guerre. Mais, comme Frank Ocean le chante sur « No Church in the Wild », qu’est-ce qu’un Dieu pour un non-croyant ? Athéna il s’allume lumineux et rapide, enregistrant votre cri de guerre inoubliable à l’écran pendant seulement 99 minutes. Son action idéaliste restera avec vous beaucoup plus longtemps.-  Jacob Oller


26.  Dick Johnson est mort

Année :  2020
Réalisateur :  Kirsten Johnson
Distribution :  Kirsten Johnson, Dick Johnson
Genre :  Documentaire
Classement :  PG-13

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Si chaque grand documentaire parle de la responsabilité de l’observation,  Cameraperson de Kirsten Johnson  parle aussi de la fragilité de cette observation. Avec sa suite,  Dick Johnson Is DeadJohnson continue de remettre en question cette fragilité, créant une ode profondément personnelle à ce sur quoi il n’a aucun contrôle : la mort de son père. Cela aide que Dick Johnson soit une âme mélodieuse, un homme sans cesse chaleureux et rayonnant entouré d’amis, de collègues et de connaissances qui l’aiment tous de la même manière et sincèrement, mais dès ses premières prises, Johnson indique clairement que la nature merveilleuse de son père ne sera rend plus difficile de lui dire au revoir. Et le moment où il doit le faire se rapproche de plus en plus. Son élan, reconnaît-il à contrecœur, est en partie égoïste, puisqu’il décide d’aider son père à faire connaissance avec la fin de sa vie, recréant dans de somptueuses vignettes cinématographiques les multiples chemins qu’il a pu prendre, depuis le fracas du climatiseur, jusqu’à ongles festonnés. 2 × 4 sur le visage, dans votre chute ordinaire dans les escaliers, remplie d’un cou cassé. Plus Johnson se perd dans le projet, consacrant plus d’efforts à consulter des cascadeurs, des directeurs artistiques et divers membres d’équipage que son propre père (assis paisiblement sur le plateau, faisant généralement la sieste, sans être un gros problème), plus elle se rend compte qu’elle peut être exploiter quelqu’un qu’elle aime, quelqu’un qui commence à montrer des signes alarmants de démence et ne peut plus comprendre pleinement le concept élevé qu’elle a accepté une fois, pour apaiser sa propre anxiété. Plus la mémoire de son père s’estompe avec sa capacité à prendre soin de lui-même, plus il se rend compte qu’il exploite peut-être quelqu’un qu’il aime, quelqu’un qui commence à montrer les signes alarmants de la démence et qui ne peut plus comprendre pleinement le concept élevé auquel il s’est mis d’accord pour apaiser sa propre anxiété. Plus la mémoire de son père s’estompe, plus sa capacité à prendre soin de lui-même s’estompe, plus il se rend compte qu’il exploite peut-être quelqu’un qu’il aime, quelqu’un qui commence à montrer les signes alarmants de la démence et dont il ne peut plus comprendre pleinement le concept élevé qu’il une fois accepté, pour apaiser sa propre anxiété. Alors que la mémoire de son père s’estompe avec sa capacité à prendre soin de lui-même, Plus la mémoire de son père s’estompe, plus sa capacité à prendre soin de lui-même s’estompe, plus il se rend compte qu’il exploite peut-être quelqu’un qu’il aime, quelqu’un qui commence à montrer les signes alarmants de la démence et dont il ne peut plus comprendre pleinement le concept élevé qu’il une fois accepté, pour apaiser sa propre anxiété. Alors que la mémoire de son père s’estompe avec sa capacité à prendre soin de lui-même, Plus la mémoire de son père s’estompe, plus sa capacité à prendre soin de lui-même s’estompe, plus il se rend compte qu’il exploite peut-être quelqu’un qu’il aime, quelqu’un qui commence à montrer les signes alarmants de la démence et dont il ne peut plus comprendre pleinement le concept élevé qu’il une fois accepté, pour apaiser sa propre anxiété. Alors que la mémoire de son père s’estompe avec sa capacité à prendre soin de lui-même,Dick Johnson Is Dead  satisfait moins le besoin de Dick de préserver un certain sentiment d’immortalité que le besoin de sa fille, tout notre besoin, de lâcher prise. —Dom Sinacola


27.  mandarine

Année :  2015
Réalisateur :  Sean Baker Distribution
:  Alla Tumanian, Mya Taylor, Karren Karagulian
Classement :  R
Durée :  87 minutes

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L’un des meilleurs films du cinéaste Sean Baker,  TangerineLa fable des travailleuses du sexe de Noël naviguant dans l’amour et la perte à Hollywood est tout ce pour quoi le grand indie est connu: intime, chaleureux, loufoque, sincère et juste assez sale. Tourné entièrement sur iPhone, ce film de vacances subversif célèbre la famille trouvée dans les magasins de beignets, les laveries automatiques et les salles de bains des bars. Cela nous rappelle que parfois le plus beau des cadeaux est un ami qui vous prête sa perruque pendant que la vôtre est au lavage. Kitana Kiki Rodríguez et Mya Taylor portent le film dans toute sa complexité émotionnelle et tonale, tandis que le souci compatissant de Baker pour les personnes en dehors des marges fait que le style de guérilla du cinéma semble plus aimant qu’exploiteur. Abordant vos sujets avec empathie et leur donnant autant d’espace pour nous absorber dans leur monde, c’est complètement dans l’esprit de Noël, même si une rencontre sexuelle dans un lave-auto peut ne pas être aussi saine que quelque chose de Jimmy Stewart. Mais pour un certain type de personne, et pourLe type d’amitié très confiant de Tangerine  , „Joyeux réveillon de Noël, salope“, est tout ce qu’il faut dire. —Jacob Oller


28.  Désolé de vous déranger

Année :  2018
Réalisateur :  Boots Riley
Stars :  Lakeith Stanfield, Tessa Thompson, Armie Hammer, Stephen Yeun, Patton Oswalt, David Cross, Terry Crews, Danny Glover
Classé :  R
Durée :  105 minutes

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Désolé de vous déranger  a tellement d’idées qui sortent de toutes les coutures, tellement d’ambition, tellement de choses qu’il veut dire de manière si urgente, qu’il est presque impoli de souligner que le film se termine glorieusement hors de contrôle. C’est le premier film du rappeur/producteur Boots Riley, et il montre, de toutes les manières possibles (bon, mauvais, incroyable, ridicule), comme s’il ne savait pas s’il pourrait jamais en faire un autre, alors il a lancé toutes les idées qu’il a jamais pu .. avait sur ce. Il y a des moments dans  Désolé de t’avoir dérangécela vous donnera envie de sauter dans le théâtre. Il y a aussi des moments qui vous feront vous demander qui dans le monde a donné un appareil photo à ce fou. (Certains de ces moments sont assez vertigineux aussi.) Le premier l’emporte largement sur le second. Lakeith Stanfield joue le rôle de Cassius, un gars au bon cœur qui sent que sa vie lui échappe et s’essaie donc au télémarketing et échoue (dans une série de scènes fantastiques dans lesquelles son bureau tombe littéralement dans les maisons de qui que ce soit. ). compose) jusqu’à ce qu’un collègue (Danny Glover, intéressant jusqu’à ce que le film le rejette entièrement) lui conseille d’utiliser sa „voix blanche“ lors des appels. Soudain, Stanfield sonne exactement comme David Cross à son plus nasillard et est devenu une superstar dans l’entreprise, ce qui le conduit « à l’étage », où des « super-appelants » comme lui s’en prennent aux dirigeants de Glengarry. Ce n’est que le point de départ : tout au long, on croise un homme d’affaires à la Tony Robbins (Armie Hammer) qui pourrait aussi bien être un marchand d’esclaves, la copine artiste radicale de Cassius (Tessa Thompson), qui porte des boucles d’oreilles avec tellement de slogans que c’est un miracle que elle peut lever la tête, et un collègue révolutionnaire (Stephen Yeun) qui essaie d’énerver les ouvriers pour qu’ils se révoltent contre leurs maîtres. Il y a aussi beaucoup d’autres personnes, et seules certaines d’entre elles sont pleinement humaines. C’est tout un film. Il y a aussi beaucoup d’autres personnes, et seules certaines d’entre elles sont pleinement humaines. C’est tout un film. Il y a aussi beaucoup d’autres personnes, et seules certaines d’entre elles sont pleinement humaines. C’est tout un film.—Will Leitch


29.  RRR

Année :  2022
Réalisateur :  SS Rajamouli
Stars :  NT Rama Rao Jr., Ram Charan, Ajay Devgn, Alia Bhatt, Shriya Saran, Samuthirakani, Ray Stevenson, Alison Doody, Olivia Morris
Classement :  NR
Durée :  187 minutes

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Une épopée telugu qui rivalise même avec les bouffonneries exagérées des précédents blockbusters du scénariste/réalisateur SS Rajamouli (les deux  films de Baahubali  ),  RRRLe titre simple et répétitif attachant reflète une aventure de trois heures à travers l’histoire coloniale indienne remplie des joies primitives de la fraternité et de la danse. Presque caricaturalement politique, son histoire des meilleurs amis Alluri Sitarama Raju (Ram Charan) et Komaram Bheem (NT Rama Rao Jr.) se concentre sur des contrastes superficiels qui masquent de profondes similitudes. Basé sur deux révolutionnaires super-héroïques qui n’auraient jamais dû sauver un garçon en sautant à l’élastique simultanément sur une moto et un cheval attachés de part et d’autre d’un pont, les héros qui s’affrontent représentent les pôles ruraux et urbains opposés aux colonisateurs britanniques. Caricatures de l’idole urbain et de la noble bête de la forêt, les deux incarnations de la fierté culturelle luttant contre les bêtes CGI, les Britanniques maladroits et les uns contre les autres, même si vous ne pouvez pas vous empêcher d’espérer qu’ils finiront par se serrer les coudes. (Ils font des squats tout en chevauchant. Allons-y.) Leur amitié brillante et homoérotique marche sur une corde raide narrative tendue, mais avec la cinématographie maximaliste du film comme poutre d’équilibre. Une bande-son incroyablement vibrante et ludique accompagne certaines des séquences d’action les plus explosives de l’année et des scènes de danse charmantes sans ébouriffer une moustache. Les deux protagonistes costauds et hypermasculins couvrent la comédie muette, des prouesses musicales de chant et de danse et une chorégraphie de combat élégante comme le genre de stars à tout faire que nous n’avons plus aux États-Unis alors que leur chemin moralement turbulent fait rage contre le mal pur des cruels oppresseurs blancs, aucun doute que Let’s Go.) Leur amitié va-et-vient étincelante et homoérotique marche sur une corde raide narrative tendue, mais avec la cinématographie maximaliste du film comme poutre d’équilibre. Une bande-son incroyablement vibrante et ludique accompagne certaines des séquences d’action les plus explosives de l’année et des scènes de danse charmantes sans ébouriffer une moustache. Les deux protagonistes costauds et hypermasculins couvrent la comédie muette, des prouesses musicales de chant et de danse et une chorégraphie de combat élégante comme le genre de stars à tout faire que nous n’avons plus aux États-Unis alors que leur chemin moralement turbulent fait rage contre le mal pur des cruels oppresseurs blancs, aucun doute que Let’s Go.) Leur amitié va-et-vient étincelante et homoérotique marche sur une corde raide narrative tendue, mais avec la cinématographie maximaliste du film comme poutre d’équilibre. Une bande-son incroyablement vibrante et ludique accompagne certaines des séquences d’action les plus explosives de l’année et des scènes de danse charmantes sans ébouriffer une moustache. Les deux protagonistes costauds et hypermasculins couvrent la comédie muette, des prouesses musicales de chant et de danse et une chorégraphie de combat élégante comme le genre de stars à tout faire que nous n’avons plus aux États-Unis alors que leur chemin moralement turbulent fait rage contre le mal pur des cruels oppresseurs blancs Une bande-son phénoménalement vibrante et ludique accompagne certaines des séquences d’action les plus explosives de l’année et des scènes de danse charmantes sans ébouriffer une moustache. Les deux protagonistes hunky et hypermasculins embrassent la comédie silencieuse, les prouesses musicales de la chanson et de la danse et la chorégraphie de combat élégante comme le genre de stars à tout faire que nous n’avons plus aux États-Unis alors qu’ils suivent leur chemin moralement turbulent. pur mal des cruels oppresseurs blancs, aucun doute qu’une bande-son phénoménalement vibrante et ludique accompagne certaines des séquences d’action les plus explosives de l’année et des scènes de danse charmantes sans ébouriffer une moustache. Les deux protagonistes hunky et hypermasculins embrassent la comédie silencieuse, les prouesses musicales de la chanson et de la danse et la chorégraphie de combat élégante comme le genre de stars à tout faire que nous n’avons plus aux États-Unis alors qu’ils suivent leur chemin moralement turbulent. pure méchanceté des cruels oppresseurs blancs, aucun doute queRRR  est un mythe moderne qui s’estompe dans l’ombre de la jungle. Débordant de symboles, de raccourcis politiques et de stéréotypes de tous bords,  RRR  se lève, rugit et émeute avec une puissance cinématographique brute et une densité captivante suffisante pour mériter d’être regardé et discuté encore et encore.—  Jacob Oller


30.  Pas un autre film pour adolescents

Année :  2001
Réalisateur :  Joel Gallen
Distribution :  Chris Evans, Jaime Pressly, Randy Quaid
Genre :  Comédie
Note :  R

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Chris Evans est peut-être passé à des choses plus grandes et meilleures, mais sa performance extrêmement modeste en tant que jock dupé dans la parodie de sous-genre  Not Another Teen Movie  a été un des premiers sommets de Captain America. Soutenu par de nombreuses lignes citables et une esthétique savamment coupée du réalisateur et incontournable de Comedy Central Joel Gallen,  Not Another Teen Movie  est une réponse hilarante et cinglante à la vague de comédies sexuelles sournoises pour adolescents qui s’est déroulée depuis les années 1980. 80 à 2001. sortie. Ce film a essentiellement fait aux comédies romantiques pour adolescents ce que  Walk Hard: The Dewey Cox Story a fait.fait avec des biopics musicaux – la parodie est si bonne qu’après l’avoir visionnée, il est difficile de prendre au sérieux les entrées sérieuses. Audacieux mais pointu, le film chevauche le bas et le haut avec beaucoup de succès, avec une Molly Ringwald énervée qui couronne le tout dans un  caméo parfait.—Jacob Oller


31.  Miraï

Année :  2018
Réalisateur :  Mamoru Hosoda Distribution
:  Haru Kuroki, Moka Kamishiraishi, Gen Hoshino
Genre :  Anime, Fantastique
Classement :  PG

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La plupart, sinon la totalité, des films originaux de Mamoru Hosoda produits au cours de la dernière décennie fonctionnent, dans une plus ou moins grande mesure, comme des exercices d’autobiographie. Summer War  , mis à part une prémisse plus ou moins recyclée du premier film de Hosoda en 2000,  Digimon Adventure : Our War Game ! , était l’histoire souvent retirée de Hosoda rencontrant la famille de sa femme pour la première fois. Wolf Children de 2012 a  été inspiré par le décès de la mère de Hosoda, soutenu en partie par les angoisses et les aspirations à la perspective de sa propre parentalité imminente. Le garçon et la bête L’année 2015 s’est achevée juste après la naissance du premier enfant d’Hosoda, fruit de ses propres interrogations sur le rôle qu’un père devrait jouer dans la vie de son fils. Mirai , le septième film du réalisateur, n’est pas issu de la propre expérience d’Hosoda, mais plutôt filtré à travers les expériences de son fils aîné rencontrant son petit frère pour la première fois. Raconté du point de vue de Kun (Moka Kamishiraishi), un jeune garçon qui se sent déplacé et peu sûr de lui après la naissance de sa sœur Mirai,  Mirai  est un beau drame d’aventure fantastique qui emmène le spectateur dans une éblouissante odyssée à travers l’arbre généalogique plein de Kun, aboutissant à une conclusion émouvante qui met l’accent sur la beauté de ce que signifie aimer et être aimé. Mirai C’est le film le plus accompli de Hosoda, le gagnant de la première nomination aux Oscars pour un film d’animation non produit par Studio Ghibli, et une expérience aussi édifiante qu’un régal à voir. —Toussaint Egan


32.  fainéants

Année :  2018
Réalisateur :  Sandi Tan
Genre :  Documentaire
Classement :  NR
Durée :  96 minutes

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Donner un sens à son passé peut être à la fois une tâche de toute une vie et une proposition épineuse. Dans  Shirkers  , la romancière Sandi Tan réussit les efforts les plus délicats en réalisant un documentaire sur elle-même qui n’est ni écoeurant ni grinçant. Bien au contraire, son film est d’une franchise rafraîchissante et d’autodérision : elle est peut-être la vedette de la série, mais elle a une histoire à raconter et la bonne perspective pour la cadrer correctement. Tan raconte le documentaire comme un morceau de mémoire, racontant son enfance à Singapour avec sa meilleure amie Jasmine, où ils étaient les deux enfants cool de leur jolie école carrée, rêvant d’être cinéastes et de faire leur marque. Pour poursuivre cette ambition, ils ont collaboré avec une autre amie, Sophia, sur un road movie surréaliste appelé  Shirkers., qui serait réalisé par le mentor de Tan, un enseignant plus âgé du nom de Georges qui se comportait comme quelqu’un qui savait manier une caméra. À la fin de son adolescence et peut-être amoureuse de cet homme qui lui témoignait tant d’attention (le documentaire est gardé sur le sujet), Tan était enivrée par l’excitation de faire un film qu’elle écrivait et dans lequel elle jouerait. Alors comment se fait-il qu’on ne l’ait jamais vu ? Le documentaire suit le parcours étrange et mystérieux du projet, qui a été pillé par Georges qui se faufilait avec les bobines de film avec la vague promesse de finir le travail. Cela ne s’est jamais produit, et 20 ans plus tard, Tan décide d’ouvrir ces vieilles blessures, se connectant avec ses vieux amis et essayant de déterminer ce qui est arrivé à Georges. Des scènes du film inachevé apparaissent dans  Shirkers, informant le public du fait qu’il y aura une résolution heureuse à la recherche de Tan. Mais le documentaire finit par être moins sur le chalutage à travers les cartouches de films qu’une exploration de la nostalgie, de l’amitié et de l’attrait des mentors. Tan es una compañía animada y modesta en todo momento, su voz tiene el matiz sardónico justo, pero sus visitas a Jasmine y Sophia son particularmente encantadoras y esclarecedoras, lo que sugiere cómo los amigos de toda la vida pueden vernos de una manera que nosotros no pouvons. —Tim  Grierson


33.  Sa maison

Année :  2020
Réalisateur :  Remi Weekes
Stars :  Wunmi Mosaku, Sope Dirisu, Matt Smith
Genre :  Horreur
Classement :  NR

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Rien n’absorbe l’énergie de l’horreur comme les films qui évitent l’horreur. Les films peuvent effrayer le public de plusieurs façons, bien sûr, mais le moins qu’un film d’horreur puisse être est effrayant au lieu de baiser. His House de Remi Weekes  ne mâche pas ses mots. Le film s’ouvre sur une tragédie, et dans les 10 minutes suivant cette ouverture, il surpasse facilement  The Grudge  en laissant des fantômes éparpillés sur le sol et dans les escaliers où ses fils peuvent trébucher dessus. En fin de compte, c’est un film sur l’incontournable douleur innée des histoires d’immigrés, un compagnon du cinéma indépendant contemporain comme  Mediterranea de Jonas Carpignano., qui capture les dangers auxquels les immigrés sont confrontés sur la route et à destination avec une clarté néoréaliste brutale. Weekes est profondément intéressé par Bol et Rial en tant que personnes, d’où ils viennent, ce qui les a poussés à partir et, surtout, ce  qu’ils ont fait  pour partir. Mais Weeks est tout aussi déterminé à faire sauter ses téléspectateurs hors de leur peau. —Andy  Crump


34.  Les frères Sparks

Année :  2021
Réalisateur :  Edgar Wright
Genre :  Documentaire
Classement :  R
Durée :  135 minutes

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Les frères Sparks est une évaluation et une appréciation complètes et délicieuses d’un groupe idiosyncrasique, et le plus grand éloge qui puisse être donné est qu’il partage une sensibilité avec ses musiciens inimitables. Pas une tâche facile quand il s’agit de Ron et Russell Mael. Les frères californiens dirigent Sparks depuis la fin des années 60 (oui, les années 60), sautant à travers les genres aussi vite que leurs paroles le font et rejetant les blagues. Glam rock, disco, pionniers de l’électronique, et même s’ils plongent dans les coins les plus expérimentaux et orchestraux de leurs intérêts musicaux, ils maintiennent un génie de la power pop constant renforcé par les flûtes de Russell et les touches accrocheuses de Ron. C’est ici, dans l’incroyable gamme mais la personnalité solidifiée de Sparks, que l’on commence vite à comprendre que Les Sparks Brothers sont le mariage de deux sujets parfaits qui partagent une mission. Experts dans une forme d’art mutuellement intéressée, Ron et Russell se lient au réalisateur Edgar Wright par désir ironique de s’amuser et d’en faire de l’art aussi. L’un a réalisé une trilogie parodique qui se démarque dans ses genres particuliers (films de zombies, films de flics, science-fiction). Les autres ont fait des chansons subversives comme « Music That You Can Dance To » qui parviennent à égaler (et souvent à surpasser) les mêmes bops qui font du razz. Leurs pouvoirs combinés,  les Sparks Brothersdevient un documentaire musical conscient et profondément sérieux. Slapstick, avec un large éventail de vieux clips de films qui frappent et tombent, et des gags visuels énervent leurs impressionnantes têtes parlantes chaque fois qu’ils jaillissent un cliché documentaire musical plus grincheux. „Pousser l’enveloppe?“ Attendez-vous à voir un bras de fer postal entre les Maels. Ce sens de l’humour, qui apprécie le fruit le plus idiot et la plus haute référence, découle de l’admiration des frères pour les cinéastes français sérieusement pas sérieux comme Jacques Tati (avec qui Sparks a failli faire un film – rappelez-vous, ils aiment les films) et d’une affinité particulièrement formatrice. pour la musique britannique. Il n’abat pas complètement les façades, car même les œuvres les plus personnelles de Wright transmettent toujours des émotions à travers une coque protectrice de comédie physique et de références, mais vous avez une idée du Mael en tant que travailleurs, frères, artistes et humains dans des conditions avec lesquelles ils sont à l’aise. Le film de près de deux heures et demie est une épopée, on ne peut le nier. Vous n’aurez pas besoin d’un autre film Sparks après celui-ci. C’est moins une biographie définitive, cependant, qu’une invitation, attirant les nouveaux venus et les auditeurs chevronnés par sa compréhension et son adoration totales de ses sujets. Vous n’aurez pas besoin d’un autre film Sparks après celui-ci. C’est moins une biographie définitive, cependant, qu’une invitation, attirant les nouveaux venus et les auditeurs chevronnés par sa compréhension et son adoration totales de ses sujets. Vous n’aurez pas besoin d’un autre film Sparks après celui-ci. C’est moins une biographie définitive, cependant, qu’une invitation, attirant les nouveaux venus et les auditeurs chevronnés par sa compréhension et son adoration totales de ses sujets.jacob oller


35.  Apôtre

Année :  2018
Réalisateur :  Gareth Evans
Distribution :  Dan Stevens, Lucy Boynton, Michael Sheen
Genre :  Horreur, Drame
Classification :  NR

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Après que les deux premières entrées dans  The Raid aient  fait de lui une figure monolithique parmi les accros des films d’action,  Apostle  fonctionne comme l’introduction mondiale aux styles de cinéma viscéraux du réalisateur gallois Gareth Evans. Alors que ses premiers films prennent presque vie avec l’esthétique du jeu vidéo (ils sont ce qui se rapproche le plus d’une  adaptation cinématographique de Streets of Rage  que vous trouverez jamais),  Apostle  pourrait également représenter le désir d’Evans d’être capturé. sérieusement en tant que directeur visuel et auteur. Pour ce faire, il a exploré un terrain bien fréquenté sous la forme du „film furtif culte“ rural, établissant des comparaisons avec The Wicker Man (ou même  The Sacrament  de Ti West ).) inévitable. Cependant,  Apôtre trouve  son chemin dans la conversation de fin d’année pour le meilleur film d’horreur de 2018 grâce à son flair et sa verve. Chaque image est magnifiquement composée, de l’arrivée inquiétante du personnage fougueux de Dan Stevens dans l’enceinte culte de l’île, au Grand Guignol incroyablement écœurant du troisième acte, dans lequel les entrailles coulent avec un abandon hédoniste. Evans sait exactement combien de temps piquer le public avec un mystère à combustion lente avant que les barrages de sang n’éclatent; sa conclusion englobe à la fois une folie surnaturelle et une violence humaine inconfortablement réaliste. Finie la précision de combat de  The Raid, remplacé par une marque plus maladroite de sauvagerie débridée qui est renforcée non par l’honneur mais par une foi désespérée. Evans conclut correctement que cette forme de violence est bien plus effrayante. —Jim Vorel


36.  De l’autre côté du vent

Année :  2018
Réalisateur :  Orson Welles
Distribution :  John Huston, Peter Bogdanovich, Robert Random, Susan Strasberg, Oja Kodar
Genre :  Drame
Note :  R

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Aussi saisissant et inexplicable que son titre,  The Other Side of the Wind  chante pourtant avec la force de son mouvement sifflant au-delà de ses limites. The Wind Blows : Orson Welles le canalise à travers sa torpeur infligée/auto-infligée en studio, et trouve au passage une mélodie organique, ou plutôt jazzy. Le documentaire de maquillage  They’ll Love Me When I’m Dead  , publié par Netflix pour accompagner ce film, le meilleur moment du géant du streaming, montre un Welles massif et à moitié cuit décrivant ce qu’il appelle des „accidents divins“. Ces accidents étaient responsables de certains des meilleurs détails de son travail (où Dieu réside), comme la rupture de l’œuf dans  Touch of Evil .; ils étaient quelque chose qu’il avait l’intention de chasser (comme chasser le vent) avec ce projet final, sorti plusieurs décennies après son tournage lorsque Netflix a ouvert ses coffres pour ouvrir le cercueil dans lequel les images brutes étaient enfermées. Ses anciens partenaires de cinéma, Peter Bogdanovich et Frank Marshall, remplissent leur vieux serment envers leur maître d’achever le film pour lui et, retrouvant l’esprit de la chose, nous livrent un chef-d’œuvre que nous méritons à peine. Un accident divin. John Huston joue le rôle de John Huston dans le rôle de Jake Hannaford, qui est également Orson Welles, essayant de terminer  The Other Side of the Wind  tout comme Welles a essayé de terminer  The Other Side of the Wind., au fil des ans sans budget réel et pour les sièges de tout le monde. Au contraire, le décor du film se déroule au cours d’un après-midi et d’une soirée, Hannaford entouré de „disciples“ et de pairs qui sont invités à une fête pour projeter certaines des images de ce que le réalisateur espère être son plus grand chef-d’œuvre, dans ce que Welles espéré serait le sien. Le film dans le film est un riff d’art et d’essai, avec peut-être les clins d’œil les plus forts à Michelangelo Antonioni et  Zabriskie Point.. La vie imite l’art : la maison Hannaford est juste au coin de celle que Zabriskie a fait exploser. À juste titre, cette maison est le décor de la majeure partie du film sur Hannaford, apparemment construit à partir d’images trouvées des paparazzi du cinéaste. La densité est vertigineuse, l’intellect féroce. Pour ce qui est de la filmographie de Welles, c’est comme le dernier acte de  Citizen Kane  ressenti par  Touch of Evil  , puis dépouillé et vidé par le méta-punk de  F for Fake  . Aucun art n’existe dans le vide, mais  The Other Side of the Wind  , plus que la plupart, saigne son propre contexte. C’est Orson Welles, qui se montre. suicide —Tchad Betz


37.  Une voix silencieuse

Année :  2016
Réalisateur :  Naoko Yamada
Distribution :  Miyu Irino, Saori Hayami, Megumi Han
Genre :  Anime, Drame
Classification :  NR

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Dans un média qui se sent trop souvent parfois limité par la primauté des sensibilités esthétiques masculines et saturé de représentations hypersexualisées de femmes codées familièrement comme « fan service », la présence de Naoko Yamada est une bouffée d’air frais bienvenue, sans parler de la qualité inimitable de ses propres films. Inspiré par des personnages tels que Yasujiro Ozu, Alejandro Jodorowsky, Sergei Parajanov, Sofia Coppola ou Lucile Hadžihalilovic, Yamada est un réalisateur par excellence, capable de capter l’attention et d’évoquer la mélancolie et la catharsis douce-amère à travers des compositions délicates au son habile, au montage rapide et à la couleur éphémère. . des palettes et des personnages aux vies intérieures riches remplies de luttes compliquées et relatables. une voix silencieuse, adapté du manga du même nom de Yoshitoki Oima, est un excellent exemple de toutes ces sensibilités en jeu. Lorsque Shoya Ishida rencontre Shoko Nishimiya, une étudiante sourde transférée, à l’école primaire, il la harcèle sans relâche au grand amusement de ses camarades de classe. Un jour, quand Shoya va trop loin et force Shoko à transférer à nouveau par peur pour sa propre sécurité, ses camarades de classe le qualifient de paria et il se retire dans un état d’isolement auto-imposé et de dégoût de soi. Des années plus tard, Shoya rencontre à nouveau Shoko, maintenant à l’adolescence, et tente de réparer les dommages qu’il lui a infligés, tout en luttant pour comprendre ses propres motivations. une voix silencieuseest un film d’une grande profondeur émotionnelle : un portrait émouvant de la maltraitance des adolescents, de la réconciliation et du pardon pour le mal fait par les autres et par nous-mêmes. —Toussaint  Egan


38.  Chasse à la nature

Année :  2016
Réalisateur :  Taika Waititi
Stars :  Sam Neill, Julian Dennison, Rima Te Wiata, Rachel House, Oscar Kightley, Tioreore Ngatai-Melbourne, Rhys Darby
Genre :  Comédie, Drame
Classement :  NR

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La première rencontre de Bella (Rima Te Wiata) avec Ricky (Julian Dennison), le nouveau garçon adoptif qu’elle a accepté de placer, n’inspire pas confiance, surtout avec ses plaisanteries maladroites au détriment de son poids. À son tour, avec la représentante des services à l’enfance Paula (Rachel House) peignant Ricky comme un enfant sauvage et indiscipliné, on redoute la perspective de voir le garçon marcher sur cette mère peut-être folle. Mais Bella le porte bien. Et Ricky finit par être moins coriace que ce qu’il, avec son penchant pour le gangsta rap et tout ce que cela implique, tentait initialement de projeter. Une adaptation du roman Wild Pork and Watercress de Barry Crump   , Taika Waititi’s  Hunt for the WilderpeopleIl se nourrit du renversement des idées préconçues. Le réalisateur est sympathique à l’innocence de Ricky, qui se reflète dans le style d’aventure élevé du film. De larges panoramas colorés du directeur de la photographie Lachlan Milne et une structure narrative basée sur des chapitres donnent  à Hunt for the Wilderpeople  la sensation d’une fable de livre de contes, mais grâce à la dynamique chaleureuse entre Ricky et Hec (Sam Neill), même les moments les plus fantaisistes du film transmettent une sentiment de douleur sous-jacente réelle : les deux personnages sont des étrangers qui cherchent finalement un chez-soi. —Kenji  Fujishima


39.  Je pense mettre fin aux choses

Année :  2020
Réalisateur :  Charlie Kaufman
Stars :  Jessie Buckley, Jesse Plemons, Toni Collette, David Thewlis
Classé :  R

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De nombreux téléspectateurs penseront à la fin  , je pense à la fin des chosespeu de temps après qu’il ait commencé. Une cascade de plans bruts à dissolution croisée détaille l’intérieur d’une maison de campagne ou d’un appartement, ou l’intérieur d’un intérieur. Une femme que nous n’avons pas encore vue est pratiquement au milieu du récit, nous racontant quelque chose pour lequel nous n’avons aucun contexte. C’est mauvais, désagréable. Quelque chose ne va pas. Ce n’est pas comme ça que les films sont censés fonctionner. On voit enfin la femme, incarnée avec brio par Jessie Buckley. Elle se tient dans la rue alors que les flocons de neige gonflés commencent à tomber, comme si nous étions à l’intérieur d’une boule à neige en trois dimensions avec elle. Il lève les yeux vers une fenêtre quelques étages plus haut. Nous voyons un vieil homme regarder par une fenêtre. Nous voyons Jesse Plemons regardant par une fenêtre. Nous voyons Jesse Plemmons dans le plan suivant ramasser Jessie Buckley dans sa voiture battue. La musique du film scintille et tourbillonne. Lucy ou Lucia ou Amy de Jessie Buckley pense à mettre fin aux choses avec Jake de Jesse. Les choses ne vont pas bien se passer, semble être le raisonnement. Jake conduit la voiture et parle parfois; leurs comportements semblent assez cohérents jusqu’à ce qu’ils cessent de l’être, jusqu’à ce qu’un geste bouillonne comme un objet étranger d’un autre soi. Louisa ou Lucy est à venir, une fontaine de personnalité, de connaissances et d’intérêts. Mais parfois, elle ralentit, ou se tait, et soudain, c’est une autre personne qui est la même mais peut-être avec des souvenirs différents, des intérêts différents. Parfois elle est peintre, parfois physicienne, parfois ni l’une ni l’autre. Jessie et Jesse sont super. Leurs performances et leurs personnages sont difficiles à décrire. Le meilleur film de 2020 est terrible pour un „film“. Il ne souscrit pas aux schémas, rythmes ou tropes communs. Ce n’est même pas essayer d’être un grand film, vraiment, c’est juste essayer de disséquer la vie de l’esprit de l’autre, et de le faire par tous les moyens cinématographiques possibles. La conscience de soi du film aurait pu être insupportable, sauf que la conscience (et notre expérience fragmentaire de celle-ci) est entièrement le point de tout ce que le film enveloppe et est enveloppé. Dire que le film accepte à la fois la beauté et la laideur de la vie serait une platitude que le film lui-même rejette. Dire que „l’amour triomphe de tout“, encore plus. Mais ces fausses vérités planent dans la vision périphérique du film : illusions ou fantômes, mais bienvenue. – sauf que la conscience (et notre expérience fragmentaire de celle-ci) est entièrement le point de tout ce dont le film est enveloppé et qui est enveloppé en lui. Dire que le film accepte à la fois la beauté et la laideur de la vie serait une platitude que le film lui-même rejette. Dire que „l’amour triomphe de tout“, encore plus. Mais ces fausses vérités papillonnent dans la vision périphérique du film : illusions ou fantômes, mais bienvenues. – sauf que la conscience (et notre expérience fragmentaire de celle-ci) est entièrement le point de tout ce dont le film est enveloppé et qui est enveloppé en lui. Dire que le film accepte à la fois la beauté et la laideur de la vie serait une platitude que le film lui-même rejette. Dire que „l’amour triomphe de tout“, encore plus. Mais ces fausses vérités papillonnent dans la vision périphérique du film : illusions ou fantômes, mais bienvenues. – mais bienvenue. – mais bienvenue. —chad betz


40.  Fil fantôme

Année :  2017
Réalisateur :  Paul Thomas Anderson
Distribution :  Daniel Day-Lewis, Lesley Manville, Vicky Krieps
Classé :  R

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fil fantômec’est un film si merveilleusement fait, si méticuleux dans sa construction, si profondément ressenti dans son exécution, qu’on peut presque manquer à quel point il est épineux et sinistre. Ce doit être le film le plus délicieux à jamais regarder, traitant en grande partie de la façon dont le monde des relations peut être égocentrique et inflexible, comment nous pouvons abandonner autant de nous-mêmes et dépendre de notre partenaire. pour savoir comment y faire face, s’ils le souhaitent. Il s’agit d’un film sans compromis sur deux personnes sans compromis qui essaient de vivre ensemble sans perdre une trop grande partie d’eux-mêmes, et les efforts, parfois, qu’ils feront pour arriver à leurs fins. Daniel Day-Lewis joue le rôle de Reynolds Woodcock, un couturier de renommée mondiale qui habille des célébrités, des membres de la royauté et parfois, à son grand dam, aux riches déclassés vulgaires. À peu près tout ce qui ne répond pas à ses normes rigoureuses est vulgaire, jusqu’au jour où dans la campagne anglaise, Reynolds rencontre une serveuse nommée Alma (Vicky Krieps) qui répond aux exigences physiques de Reynolds (en particulier pour qu’il puisse faire des robes pour elle) et elle a un certain courage qu’elle trouve immédiatement fascinant. Les deux principauxPhantom Thread  est absurde et fou à sa manière, et l’un des nombreux frissons du film est de les voir rebondir puis s’écraser à nouveau. C’est la plus étrange des petites histoires d’amour, si étrange que je ne suis même pas sûr qu’il s’agisse d’amour. Mon collègue Tim Grierson  a dit ceci en premier  , mais c’est une observation trop bonne pour être ignorée : ce film parle beaucoup de l’inconnue totale des relations des autres. De l’extérieur, cela n’a aucun sens que Reynolds et Alma aient ce genre de connexion l’un avec l’autre; il est difficile de dire ce que l’une ou l’autre personne en retire. Mais ce qu’il y a d’insondable, c’est aussi ce qui le rend si puissant. —Will Leitch


41.  Rome

Année :  2014
Réalisateur :  Alfonso Cuarón Interprètes
:  Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta
b>Genre : Drame
Note :  R

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Le film le plus intimiste d’Alfonso Cuarón est aussi celui qui a le plus de distance. La caméra se penche en arrière, en noir et blanc, focalisée non pas sur les enfants bourgeois qui représentent le directeur de la photographie, scénariste-réalisateur et ses frères et sœurs qui ont grandi à Mexico il y a plusieurs décennies, mais plutôt sur la femme indigène (Yalitza Aparicio) qui s’occupe d’eux et de la maison. Pas même entièrement concentré sur elle, peut-être plus concentré sur ses compositions classiques d’un lieu qui n’existe plus comme Cuarón s’en souvient. La caméra regarde et se déplace dans une séquence transplanaire, nous donnant des éléments de premier plan, du milieu et d’arrière-plan dans une clarté numérique totale. Le mixage sonore est Dolby Atmos et surround. Mais la base esthétique et narrative est Fellini, ou le néoréalisme mexicain perdu, ou  Playtime de Tati.mais avec des gags visuels remplacés par des préoccupations sociales et des rêveries personnelles. Réservé et immersif, introspectif et ouvert, ancien et nouveau, certains ont accusé  Rome  d’être trop calculée dans ce qu’elle essaie de faire, l’acte d’équilibre qu’elle essaie d’atteindre. Ils ne se trompent peut-être pas, mais c’est à l’immense mérite de Cuarón en tant que technicien et conteur réfléchi qu’il réussit réellement. Le résultat est une expérience cinématographique singulière, qui recrée quelque chose qui a été perdu, puis le navigue de manière à trouver l’histoire émergente, puis à partir de là, trouve l’impact émotionnel. Alors que quand nous arrivons à ce point tard à  Rome, on ne se rend même pas compte du processus lent et organique par lequel on s’est totalement investi dans le film ; nous ne sommes pas prêts à être frappés aussi durement que lorsque les coups arrivent et que les vagues déferlent. C’est presque insupportable, mais nous le supportons parce que nous nous soucions de ces personnes avec lesquelles nous nous sommes impliqués. Et la vie aussi. —Tchad Betz


42.  Le pouvoir du chien

Année :  2021
Réalisateur :  Jane Campion
Stars :  Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Genevieve Lemon, Keith Carradine, Frances Conroy
Classement :  R

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Basé sur le roman du même nom de Thomas Savage en 1967, le retour tant attendu de Jane Campion au cinéma, après  Bright Star en 2009  et ses années de travail à la télévision, semble approprié pour un réalisateur qui a fait preuve de prouesse dans la création d’une atmosphère d’inquiétude aiguë. . Et il en va de même pour  The Power of the Dog., un film aux saccades perpétuelles, porté par le sentiment omniprésent que quelqu’un peut craquer à tout moment, jusqu’à ce qu’il le fasse. Dans le Montana de 1925, les frères Phil (Benedict Cumberbatch) et George Burbank (Jesse Plemons) sont des éleveurs prospères mais des frères dépareillés. Phil est l’image ultime du machisme, traînant dans le ranch toujours paré de sa tenue de cow-boy avec une épaisse couche de crasse sur le visage, une cigarette roulée pendante contre sa lèvre inférieure ; un personnage qui agit au mépris du travail précédent de Cumberbatch. Phil est tellement opposé à tout ce qui pourrait être considéré comme „girly“ que des choses comme prendre un bain, jouer d’un instrument autre qu’un banjo et être gentil avec les femmes sont le genre d’activités qui pourraient amener Phil à demander „Mes amis, Est-il gay si… ? Sur Twitter. De la castration des taureaux du ranch de Burbank au statut de Phil en tant que mouton noir de sa respectable famille, en passant par la nature du paysage occidental lié à la performance de la masculinité de Phil, le sous-texte est si visuellement maladroit qu’il ne reste sous-textuel que par vertu. de ne pas être parlé directement à haute voix. Mais la maladresse dans l’approche du sujet par le film est renforcée par des performances convaincantes à tous les niveaux, en particulier de Cumberbatch, dont l’incarnation d’un éleveur bourru et crasseux est d’abord ridiculement incroyable par rapport aux performances qui ont défini la carrière anglaise. Mais c’est peut-être à cause de ce contraste même avec ses rôles précédents que Cumberbatch parvient à s’adapter si parfaitement au personnage de Phil, emportant avec elle un inconfort et un malaise inhérents à sa propre peau malgré la terreur qu’elle sème dans le cœur de quelqu’un comme Rose. A cela s’ajoute une partition glaçante, composée par l’inimitable Johnny Greenwood (The Master  ,  Phantom Thread  ), et la cinématographie impeccable d’Ari Wegner (  Zola  ,  The True History of the Kelly Gang  ), formant un mariage parfait de tension, d’intimité et d’isolement dans un film où le son de chaque tranche, coupe et cliquez dessus évoque le même sentiment déchirant quelle que soit la source. Que signifie être un homme ? Le Pouvoir du Chien  réfléchit à la question mais n’y répond jamais. Au lieu de cela, il s’intéresse à un phénomène intemporel : la souffrance endurée au nom même de la virilité. —Brianna  Zigler


43.  Cortège

Année :  2021
Réalisateur :  Robert Greene
Classement :  R
Durée :  116 minutes

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Dans ses films, Robert Greene a tenté de ramener le passé aliéné dans le présent. Kate Plays Christine de 2016  utilise la préparation de Kate Lyn Sheil pour jouer Christine Chubbuck, la présentatrice qui s’est suicidée à l’antenne 42 ans plus tôt, en partie pour gérer les responsabilités d’un acteur lorsqu’il tente de ressusciter une personne reléguée au folklore. Bisbee ’17  , 2018a raconté la reconstitution, à l’occasion du 100e anniversaire de l’événement, du retrait forcé et de l’abandon de plus de 1 200 mineurs en grève de leurs maisons dans le désert de l’Arizona. Alors que les membres de la communauté Bisbee assument le rôle de voyous d’entreprise et de travailleurs exigeant une vie meilleure, habitant dans de nombreux cas les personnages de leurs propres ancêtres, ils en viennent à mieux comprendre l’influence que l’histoire exerce encore aujourd’hui. . même en  actrice, Le portrait de Greene en 2014 de Brandy Burre revenant à la comédie alors qu’elle réinvente sa vie personnelle, réévaluer le passé est un acte de prise de contrôle. Alors que Burre revient lentement sur scène, interagissant avec de vieux amis et le frisson viscéral d’être devant un public, elle commence à détourner sa vie d’un mariage toxique et à se redéfinir. Elle se rend compte qu’elle n’est plus obligée de s’accrocher à son ancien moi. Procession, le dernier film de Greene et son premier pour Netflix, tente à nouveau d’absoudre le présent du passé. Cela commence par une conférence de presse en 2018 à Kansas City, Missouri. L’avocate Rebecca Randles rencontre trois des survivants et affirme qu’ils peuvent exposer plus de 230 membres du clergé catholique connus dans la région de Kansas City dans le cadre d’un vaste réseau d’abus sexuels. Voyant cela, Greene a approché Randles avec l’idée d’utiliser la dramathérapie, étroitement guidée par la thérapeute dramatique agréée Monica Phinney, pour donner à un petit groupe de survivants la chance de transformer leurs cauchemars en quelque chose de dramatique, de transformer potentiellement leur traumatisme en quelque chose de survivable. . . Processionprésente cette approche : six hommes écrivant des scénarios, scénarisant, recherchant des lieux et filmant enfin leurs pires souvenirs, comme ils veulent les interpréter, entrecoupés des résultats complets. Le jeune acteur qui joue dans chacun des segments, Terrick Trobough, passe une grande partie du film en compagnie des six survivants, écoutant leurs histoires et faisant son travail de manière calme et professionnelle. Il les voit pleurer et frapper des objets et se désengager, non pas parce qu’ils sont cassants, mais parce qu’ils sont cassés. Terrick répond qu’il croit leurs histoires. Plus tard, avec Dan (l’un des survivants) après un moment d’émotion, Terrick demande : « Comment allez-vous ? » Peut-être qu’il est juste poli, mais les petits gestes d’empathie de Terrick brillent de mille feux. Comme  cortège, quand la beauté du cinéma de Greene rencontre l’intelligence et la clarté de ses méthodes. „J’espère que la force dont vous avez fait preuve sera récompensée par la paix et le contentement“, se dit un autre survivant vers la fin du film, remontant des décennies dans le passé. Un gros plan de son visage permet au public de savoir si cet espoir a été résolu. Le cinéma est très bien. —Dom Sinacola


44.  Les Mitchell contre les Machines

Année :  2021
Réalisateur :  Mike Rianda, Jeff Rowe (co-réalisateur)
Stars :  Abbi Jacobson, Danny McBride, Maya Rudolph, Eric Andre, Fred Armisen, Beck Bennett, Olivia Colman
Genre :  Animation, Comédie, Sci-Fi
Classement :  PG

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Les clivages générationnels animés n’ont jamais autant ressemblé à un carnaval de science-fiction que dans  The Mitchells vs. les Machines  . Le premier long métrage du scénariste-réalisateur Mike Rianda (lui et le co-scénariste-réalisateur Jeff Rowe se sont entraînés sur l’émission extrêmement effrayante et loufoque  Gravity Falls) est à la fois absurde, attachant et terrifiant. Il est facile de se sentir perdu ou submergé par les lumières clignotantes et les vues palpitantes alors que la famille centrale se bat d’un côté du combat pour le titre, mais il est tout aussi facile de partir avec l’exaltation épuisée des conséquences d’une longue et fatigante excursion au parc . thématique. Sa famille intégrée au genre éclate à travers chaque image encombrée et bondée comme si elle essayait de s’échapper (elle le fait souvent) et, ce faisant, crée la comédie animée la plus énergique et la plus attachante jusqu’à présent cette année. Et sa prémisse commence si humblement. La cinéaste et artiste Katie (Abbi Jacobson) quitte la maison pour aller à l’université, et pour y arriver, elle doit faire un road trip avec sa famille : Rick (Danny McBride), son père luddite amateur de plein air ; Linda (Maya Rodolphe) sa mère apaisante; et Aaron (Rianda), son petit frère dino-freak. Vous pourrez peut-être deviner que Katie et son père ne sont pas toujours d’accord, même lorsque les yeux de Katie ne sont pas collés à son téléphone ou à son ordinateur portable. Cette techno-critique, où «l’heure de l’écran» est une phrase cochonne et où la figure paternelle de la construction de cabines veut que sa famille fasse l’expérience du monde réel, pourrait être aussi folle que la douzième saison d’une sitcom de Tim Allen.Les Mitchell contre. les Machines  échappent à ce péril non seulement grâce à quelques nuances intentionnelles dans son écriture, mais aussi à de grandes anti-nuances : à mi-parcours, les entreprises technologiques maléfiques bousillent, et les bots créés par téléphone décident de tirer sur tous les humains dans l’espace. Ce film avait besoin de quelque chose d’aussi grand d’un point de vue narratif pour sauvegarder ses images glorieuse d’évier de cuisine. Le film de Sony utilise une partie de la même technologie qui a rendu  Spider-Man: Into the Spiderverse  si net et unique, ajoutant une nuance comique à son CG expressif. En fait, une fois que certains des scénarios les plus étranges auront décollé, vous ne seriez pas surpris de voir Miles Morales intervenir pour sauver la situation. The Mitchells vs. the Machines La tournure de l’esthétique de Spidey vient de Katie, obsédée par les mèmes et les films, dont l’imagination trouve souvent son chemin dans le monde réel et dont les griffonnages au néon étranges et remplis de filtres ornent déjà la palette. une étrangeté explosive. Ce style unique et intelligent s’accorde bien avec le slapstick merveilleusement chronométré de  The Mitchells vs. les Machines  , s’écrasant et s’écrasant avec une violence inattendue, équilibrée avec un carlin vraiment maladroit et de nombreux apartés visuels qui se moquent de tout ce qui se passe  . — jacob oller


45.  La bête de la mer

Année :  2022
Réalisateur :  Chris Williams
Stars :  Karl Urban, Zaris-Angel Hator, Jared Harris, Marianne Jean-Baptiste, Dan Stevens, Kathy Burke
Classement :  PG

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Lorsque les cartographes ont laissé leur sens de l’imagination et de l’auto-préservation remplir les régions inexplorées de leurs cartes, ils ont souvent mis en garde contre des créatures comme les lions, les éléphants et les morses. Des créatures incompréhensibles, avec des dents, des troncs et des crocs faciles à caricaturer en danger. Mais surtout, nous nous souvenons que lorsque vous naviguez vers le bord de la connaissance, il y a des dragons. La bête Marina affine habilement cette ancienne peur humaine en un fer de lance aigu, frappant l’ignorance. Son aventure cape et épée navigue dans une mer pleine de créatures massives qui ne manqueront pas d’aiguiser l’appétit des enfants pour le piratage, les films Godzilla et les animations passionnantes. Le premier film du classique de l’histoire de Disney, Chris Williams, après avoir quitté House of Mouse pour Netflix,  The Sea Beast.est, pour paraphraser le Capitaine Crow, semblable à Achab de Jared Harris, tout pisse et vinaigre. Le fait que le film fasse même allusion à la phrase et laisse tomber quelques autres lignes légèrement salées que l’on pourrait attendre de certains loups de mer chevronnés, indique sa séparation avec le monstre aseptisé. La violence se voit dans les yeux ; il n’a pas peur de mettre ses menaces à exécution. Le tout avec raison. Raconter une histoire fantastique de chasseurs, d’équipages de mercenaires financés par une couronne colonialiste pour abattre les kaijus qui peuplent l’océan, ne serait pas correct sans au moins un petit avantage. Notre chemin dans le monde, la jeune Maisie (Zaris-Angel Hator) a vécu ses dangereuses réalités de première main : ses parents ont coulé avec un navire, la laissant l’une des dizaines de chasseurs orphelins. Mais cela ne l’a pas empêché d’exalter sa famille martyre (chose explicitement encouragée par la monarchie) et de rechercher sa propre gloire. Embarqués sur le navire de Crow, l’Inévitable, elle et le capable Jacob (Karl Urban) s’attaquent aux ambitions légendaires qu’ils ont bâties sur leur propre tête. Williams et la co-scénariste Nell Benjamin nous plongent immédiatement dans la quête d’Inevitable pour abattre la baleine rouge à cornes et à pleines dents de Crow, surnommée le Red Bluster, en toute confiance qu’il n’y a pas de meilleur moment que maritime. Alors que nos yeux roulent et tanguent sur les vagues d’un réalisme à couper le souffle et que nos oreilles tentent de suivre le barreur méticuleusement détaillé, les scènes de chasse nous saisissent comme la pêche du jour. Nous comprenons la hiérarchie de l’équipage diversifié, le code d’honneur parmi les chasseurs, les tactiques nécessaires pour abattre des créatures imposantes qui ressemblent à Toho ont transformé leurs plus grands succès en Pokémon. C’est une écriture sage et respectueuse, mise en action lisible par la main experte de Williams, qui fait confiance à son cadre et à son sujet pour être intrinsèquement excellents, et à son public à suivre avec avidité. Au moment où les lances volent, les canons tirent et les créatures meurent, n’est-ce pas ? Vous êtes aussi profondément accro que n’importe quel parent qui regarde.Maître et Commandeur  . Une charmante déconstruction new-school d’une aventure romantique à l’ancienne qui ne fait jamais de compromis sur l’exubérance du décor, de la couleur et de l’émotion inhérente à cette dernière,  The Sea Beast  se hisse au premier plan des offres animées de Netflix comme une marée haute. .— Jacob


46.  ​​Le cul noir de Ma Rainey

Année :  2020
Réalisateur :  George C. Wolfe
Distribution :  Viola Davis, Chadwick Boseman, Glynn Turman, Colman Domingo, Michael Potts
Genre :  Drame
Classement :  R

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À juste titre, le dernier rôle de Chadwick Boseman est entièrement consacré au blues. L’apparition de l’acteur décédé dans  Ma Rainey’s Black Bottom de Netflix  , l’adaptation d’August Wilson du réalisateur George C. Wolfe et de l’écrivain Ruben Santiago-Hudson, est à parts égales une vitrine d’acteur, un éloge funèbre et une lamentation complète, bouillis ensemble dans la cuisine moite de une session d’enregistrement des années 20 à Chicago. Une histoire à multiples facettes d’ambition et de points finaux éventuels,  Ma Raineytourne autour de ceux qui orbitent autour de son personnage principal (Viola Davis). C’est une légende du blues au sommet de sa carrière, enfin appréciée (au moins dans certaines régions du pays) et prête à être exploitée par des hommes blancs en costard. Comme si elle les avait quittés. Il est confortablement en retard pour enregistrer un album, laissant tout le monde se lever et tourner la merde dans le vrai style Wilson, avec Santiago-Hudson trouvant l’essence du travail de Wilson. La performance brutale de Davis, rendue encore plus puissante par son avalanche de maquillage et sa sueur scintillante, plante parfaitement le décor. Elle, avec des cravates lâches et des ventilateurs vrombissants, donne au film la température et la gravité souhaitées afin que Boseman et le reste des membres de son groupe puissent se déplacer comme des lucioles dans la chaleur estivale. Avec un heureux hasard tragique, Boseman nous laisse un cadeau : il est en feu. Penché vers l’avant, avec des emplacements de caméra et des accessoires soulignant ses membres dégingandés (il y a une raison pour laquelle il brandit un bugle trapu et écrasé, un incontournable du jazz qui fonctionne mieux visuellement), Levee est un rôle très physique malgré le matériel source bavard : il s’agit d’attirer l’attention . , parfois littéralement des claquettes, avec une pointe d’embarras mêlée d’énergie anxieuse. Nerveux, nerveux et tendu pendant un monologue de près de cinq minutes, Levee semble sentir la fenêtre de son rêve se refermer : le temps presse. avec une pointe de honte envahie par une énergie anxieuse. Nerveux, nerveux et tendu pendant un monologue de près de cinq minutes, Levee semble sentir que la fenêtre de son rêve se referme : le temps presse. avec une pointe de honte envahie par une énergie anxieuse. Nerveux, nerveux et tendu pendant un monologue de près de cinq minutes, Levee semble sentir la fenêtre de son rêve se refermer : le temps presse.Black Bottom de Ma Rainey  est plus que la performance de Boseman, bien sûr, avec Davis et Colman Domingo pleurant délicieusement et les paroles de Wilson continuant de brûler et de voler dans la même mesure. Mais la propriété du film par Boseman – un instantané digne d’un Oscar du potentiel et du désir – donne à une tragédie charmante et radicale quelque chose de spécifique à chanter. —Jacob Oller


47.  La main de Dieu

Année :  2021
Réalisateur :  Paolo Sorrentino Distribution
:  Filippo Scotti, Toni Servillo, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Luisa Ranieri, Renato Carpentieri, Massimiliano Gallo, Betti Pedrazzi, Biagio Manna, Ciro Capano
Classement :  R
Durée :  130 minutes

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Paolo Sorrentino cadre sa nouvelle pièce de théâtre sur le passage à l’âge adulte,  La main de Dieu  , avec une représentation divine, passant chaque instant à se plaindre de l’interminable défilé de déceptions de la vie. L’humanité est terrible. Tout est un échec. La réalité est moche. „Quel monde de merde c’est“, dit une femme environ 45 minutes après le début du film. „Tu vas acheter un dessert et quand tu reviens, ton mari est en prison.“ Les détails sont sans importance. C’est le sentiment qui débarque. Le dialogue se lit comme Sorrentino soliloquant à travers ses personnages, diffusant plainte après plainte au sujet de l’effet de mise à la terre de  La Main de Dieu.L’histoire de son intrigue : Situé dans la Naples des années 80, s’occupant de la routine riche et ennuyeuse qui comprend les allées et venues de la très proche famille Schisa : le père Saverio (Toni Servillo) et la mère Maria (Teresa Saponangelo). , et ses fils, l’aîné Marchino (Marlon Joubert) et le jeune Fabietto (Filippo Scotti) : Sorrentino construit le film avec moins de fioritures surréalistes que ses œuvres des derniers jours, à la  Loro 2018,  Juventud  2015 et  La gran belleza  de 2013, où un homme fait disparaître une girafe. dans les airs au milieu d’un colisée romain. Placé à côté de ces images,  La Main de Dieu c’est tout à fait normal. La normalité peut ne pas satisfaire les personnages de Sorrentino, qu’ils soient de principe ou de soutien, mais  La Main de Dieu trouve son abondance dans les conventions italiennes quotidiennes : abondance de sens, abondance de beauté, abondance de comédie et, pour éviter d’enterrer le lede,  La Main de Dieu  est toujours hilarante . pendant la première heure environ (en dépit d’une scène d’ouverture de violence domestique). La main de Dieu  n’est pas une évasion, ce qui contredit les objectifs de carrière de Fabietto en fin de carrière. est  _un hurlement divertissant et un drame émouvant qui s’adoucit en un exercice de deuil dans sa seconde moitié, où Fabietto détourne l’esprit d’une tragédie de fanboy capitale à propos de Capuano et d’avoir des ennuis avec Armando (Biagio Manna), l’arme secrète de Sorrentino : Un contrebandier de cigarettes sociable dont la séquence sauvage dément sa loyauté durable à qui il appelle «ami». Il est impossible de suivre. La Main de Dieu  n’essaie pas de le faire. Au lieu de cela, guidé par Fabietto, le film prend son temps. voir. Il capture la vie avec une clarté que même les meilleurs efforts de Sorrentino n’ont pas, ce qui en fait son meilleur effort à ce jour.—  Andy Crump


48.  Le corps se souvient quand le monde s’est ouvert

Année :  2019
Réalisatrices :  Elle-Máijá Tailfeathers, Kathleen Hepburn Distribution
:  Elle-Máijá Tailfeathers, Violet Nelson, Barbara Eve Harris
Genre :  Drame
Classement :  NR

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Rien ne vaut la peine dans  The Body Remembers When the World Open Up  . Chaque détail narratif, exigeant une résolution, passe largement inaperçu : quand Rosie (Violet Nelson) prend de l’argent dans la bourse d’Áila (co-réalisatrice Elle-Máijá Tailfeathers), par exemple, on attend leur temps ensemble, les 90 minutes environ, il enseignera Rosie une leçon, il l’encouragera à rendre les billets. Cela n’arrive pas. Au lieu de cela,  le corps se souvient quand le monde s’est ouvertraconte une rencontre fortuite entre deux femmes des Premières Nations, divisées par la stabilité socio-économique mais unies parce qu’elles viennent toutes deux de subir un viol : Rosie est le dernier d’une série d’incidents de violence conjugale, tandis qu’Áila s’est fait poser un stérilet dans un environnement froid et impersonnel procédure, elle a été filmée par le directeur de la photographie Norm Li en 16 mm avec l’engagement de capturer chaque grimace et grimace presque traumatisée d’Áila. Li suit Áila du bureau à la rue, où elle voit Rosie pieds nus sous la pluie, peut-être sous le choc, et de là, les deux s’échappent du petit ami enragé de Rosie vers le loft sec et aéré d’Áila. Li est toujours juste derrière, le reste du film est monté en un plan continu alors qu’Áila essaie de comprendre quoi faire pour aider Rosie, et Rosie essaie de comprendre comment éviter d’être victime de la vertu qui distingue les étrangers. Qu’Áila soit aussi une femme des Premières Nations importe peu à Rosie ; elle regarde juste la partie. Bien sûr, quand ils se séparent, Rosie avale toute culpabilité qu’elle a pu développer en lui volant Áila, et les gardiens du refuge rappellent à Áila quand Rosie ne veut pas rester qu’il faut parfois sept ou huit fois aux gens pour céder. et sortir de votre situation abusive. Nous attendons une résolution, un signe que les choses vont s’améliorer. Quand ils ne le font pas, nous cherchons d’autres signes et attendons, il ne reste que la patience : regarder, et ne jamais cesser de regarder, et en supporter le poids, payer le prix de l’empathie. et les gardiens rappellent à Áila que lorsque Rosie ne veut pas rester, il faut parfois sept ou huit fois aux gens pour céder et quitter leur situation de violence. Nous attendons une résolution, un signe que les choses vont s’améliorer. Quand ils ne le font pas, nous cherchons d’autres signes et attendons, il ne reste que la patience : regarder, et ne jamais cesser de regarder, et en supporter le poids, payer le prix de l’empathie. et les gardiens de la maison d’hébergement rappellent à Áila que lorsque Rosie ne veut pas rester, il faut parfois sept ou huit fois aux gens pour céder et quitter leur situation abusive. Nous attendons une résolution, un signe que les choses vont s’améliorer. Quand ils ne le font pas, nous cherchons d’autres signes et attendons, il ne reste que la patience : regarder, et ne jamais cesser de regarder, et en supporter le poids, payer le prix de l’empathie. un signe que les choses vont s’améliorer. Quand ils ne le font pas, nous cherchons d’autres signes et attendons, il ne reste que la patience : regarder, et ne jamais cesser de regarder, et en supporter le poids, payer le prix de l’empathie. et les gardiens de la maison d’hébergement rappellent à Áila que lorsque Rosie ne veut pas rester, il faut parfois sept ou huit fois aux gens pour céder et quitter leur situation abusive. Nous attendons une résolution, un signe que les choses vont s’améliorer. Quand ils ne le font pas, nous cherchons d’autres signes et attendons, il ne reste que la patience : regarder, et ne jamais cesser de regarder, et en supporter le poids, payer le prix de l’empathie. un signe que les choses vont s’améliorer. Quand ils ne le font pas, nous cherchons d’autres signes et attendons, il ne reste que la patience : regarder, et ne jamais cesser de regarder, et en supporter le poids, payer le prix de l’empathie. et les gardiens de la maison d’hébergement rappellent à Áila que lorsque Rosie ne veut pas rester, il faut parfois sept ou huit fois aux gens pour céder et quitter leur situation abusive. Nous attendons une résolution, un signe que les choses vont s’améliorer. Quand ils ne le font pas, nous cherchons d’autres signes et attendons, il ne reste que la patience : regarder, et ne jamais cesser de regarder, et en supporter le poids, payer le prix de l’empathie. payer le prix de l’empathie. et les gardiens de la maison d’hébergement rappellent à Áila que lorsque Rosie ne veut pas rester, il faut parfois sept ou huit fois aux gens pour céder et quitter leur situation abusive. Nous attendons une résolution, un signe que les choses vont s’améliorer. Quand ils ne le font pas, nous cherchons d’autres signes et attendons, il ne reste que la patience : regarder, et ne jamais cesser de regarder, et en supporter le poids, payer le prix de l’empathie. payer le prix de l’empathie. et les gardiens de la maison d’hébergement rappellent à Áila que lorsque Rosie ne veut pas rester, il faut parfois sept ou huit fois aux gens pour céder et quitter leur situation abusive. Nous attendons une résolution, un signe que les choses vont s’améliorer. Quand ils ne le font pas, nous cherchons d’autres signes et attendons, il ne reste que la patience : regarder, et ne jamais cesser de regarder, et en supporter le poids, payer le prix de l’empathie.—Dom Sinacola


49.  Histoire de mariage

Année :  2019
Réalisateur :  Noah Baumbach Distribution
:  Scarlett Johansson, Adam Driver, Azhy Robertson, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty, Merritt Wever
Genre :  Drame
Classement :  R

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La façon dont Adam Driver termine „Being Alive“, que son personnage dans  Marriage Story  vient de chanter dans son intégralité (y compris le dialogue mis à part les amis du protagoniste de  Company  ), c’est comme le regarder vider ce qui reste de son esprit dans le sol, dans devant son petit public (dont nous faisons partie). La performance commence un peu bêtement, l’enfant de théâtre non invité prend les rênes pour chanter l’un des meilleurs spectacles de Broadway, mais ensuite, dans un autre aparté, il dit : «  J’en veux  … J’en veux  .chose… » Il commence à comprendre. Il commence à comprendre le poids de la vie, l’insatisfaction d’une intimité gâchée, et ce que cela peut signifier de devenir enfin adulte : embrasser toutes ces contradictions, toute cette aliénation et cette solitude. Prenez une profonde expiration après les notes finales, après la ceinture finale ; il réalise enfin qu’il doit grandir, mettre fin à son ancienne vie, faire quelque chose de nouveau. C’est un peu comme vivre sur Internet de nos jours; l’incapacité à créer un « soi authentique », aussi insignifiant que soit le terme, est aggravée par un paysage culturel qui refuse d’admettre que « l’authenticité » est une performance aussi inauthentique qu’autre chose. Travailler sur les identités est douloureux et laid. On pourrait dire que nous travaillons tous à être nous-mêmes par rapport à ceux qui nous entourent. Et c’est ce que Bobby,Société  , fait. La scène oblige le spectateur à établir des liens avec son humanité, l’art qu’il vit et le monde de plus en plus impitoyable dans lequel tout existe. Charlie attrape le micro, épuisé, réalisant qu’il doit trouver quoi faire ensuite, pour reprendre sa vie en main. Nous tous, nous le mettons ensemble aussi. Ou essayer, du moins. Cela compte pour  quelque chose  . — Kyle Turner


50.  Bien

Année :  2017
Réalisateur :  Bong Joon-ho
Distribution :  Tilda Swinton, Paul Dano, An Seo Hyun, Byun Heebong, Steven Yeun, Lily Collins, Yoon Je Moon, Woo Shik Choi
Genre :  Science-fiction, Action
Note :  NR

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Okja  prend plus de risques créatifs dans ses cinq premières minutes que la plupart des films pendant toute leur durée, et cela ne s’arrête pas là. Ce qui semble être un point de friction pour certains critiques et publics, en particulier occidentaux, est le ton apparemment erratique, du sentiment au suspense, à l’action rapide, à la fantaisie, à l’horreur et à tout ce que fait Jake Gyllenhaal. Mais cela fait partie intégrante de ce qui fait les films de Bong Joon-ho, eh bien, les films de Bong Joon-ho : ils sont nuancés et complexes, mais ils ne sont pas exactement subtils ou retenus. Ils ont le souci du détail, mais ne sont pas pointilleux dans leur manipulation. Ils ont de multiples intentions, et ils mettent ces intentions ensemble pour  improviser . . Ce sont des œuvres imaginatives qui créent une dynamique grâce à des alternances entre les parties et les contreparties, et  Okja est peut-être le meilleur exemple à ce jour du mouvement de pendule sauvage de la clé rythmique d’un film Bong. Okja  n’est pas non plus un film sur le véganisme, mais c’est un film qui demande comment nous pouvons trouver la plénitude et, surtout, comment nous pouvons agir humainement envers les autres créatures, y compris les humains. Les réponses  qu’Okja obtient  sont simples et vitales, et sans les dire, cela vous aide vraiment à entendre ces réponses par vous-même, car elle a posé toutes les bonnes questions, et elle les a posées d’une manière intensément engageante.

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