Os melhores filmes da Netflix podem ser difíceis de encontrar, mas não é provável que fiquemos sem grandes filmes tão cedo. Há muito por onde escolher, esteja você procurando os melhores filmes de ação, os melhores filmes de terror, as melhores comédias ou os melhores filmes clássicos da Netflix. Atualizamos a lista para 2022 para remover grandes filmes que se foram e destacar a excelência nunca vista.
Em vez de perder tempo percorrendo as categorias, tentando encontrar o filme perfeito para assistir, fizemos o possível para facilitar as coisas para você no Paste , atualizando nossa lista de Melhores filmes para assistir na Netflix todas as semanas com adições novas e negligenciadas. filmes iguais.
Aqui estão os 50 melhores filmes em streaming na Netflix no momento:
1. Se a Rua Beale Falasse
Ano: 2018
Diretor: Barry Jenkins
Elenco: Kiki Layne, Stephan James, Regina King, Brian Tyree Henry, Colman Domingo, Michael Beach, Teyonah Pariss, Aunjanue Ellis
Classificação: R
Duração: 117 minutos
Tempo para nossos personagens elípticos e a história de amor entre Tish (Kiki Layne) e Fonny (Stephan James), o ritmo ao qual retornaremos repetidamente. Como nosso narrador, Tish fala em declarações curtas e koans, o roteiro de Barry Jenkins traduz o romance de James Baldwin em um voyeurismo onírico: quando os dois finalmente consumam seu relacionamento após uma vida inteira (quase duas décadas) de amizade. famílias. , o clima é divino e revelador. As pessoas realmente fazem sexo assim? Deus, não, mas talvez desejássemos ter. E às vezes nos convencemos de que temos, com a pessoa certa, apenas dois corpos sozinhos, contra o mundo, em um espaço – talvez o único – só nosso. A história do casal é simples e não: Um policial (Ed Skrein) com uma pequena pontuação a acertar contra Fonny conspira com uma mulher porto-riquenha (Emily Rios) que foi estuprada para tirar Fonny de uma escalação, apesar de seu álibi e todas as evidências sugerindo o contrário. Na primeira cena do filme, vemos Tish visitar Fonny na prisão para contar que está grávida. Ele está em êxtase; Reconhecemos imediatamente aquela alquimia única de terror e alegria que acompanha qualquer novo pai, mas também sabemos que, para um jovem casal negro, o mundo está inclinado contra a prosperidade de seu amor. “Espero que ninguém jamais tenha que olhar para seus entes queridos através do vidro”, diz Tish. Você tem esperança? As performances maravilhosamente cronometradas de James e Layne sugerem que eles devem, uma carne sem outra escolha.
Como mãe de Tish, Regina King talvez entenda melhor o mal dessa esperança, interpretando Sharon como uma mulher que não consegue o que quer, mas que parece sentir que tal progresso pode ser maior do que a maioria em sua situação. Assediada, mas destemida, ela é a matriarca do filme, uma força de tal calor que, mesmo com medo de ver a barriga de Tish crescer e a esperança desaparecer, somos tranquilizados pela presença de Sharon, não que tudo ficará bem, mas tudo ficará bem . o fim de uma força de tal calor que mesmo com medo de ver a barriga de Tish crescer e sua esperança desaparecer, a presença de Sharon nos tranquiliza, não que tudo vai ficar bem, mas que tudo vai ficar bem. o fim de uma força de tal calor que mesmo com medo de ver a barriga de Tish crescer e sua esperança desaparecer, a presença de Sharon nos tranquiliza, não que tudo vai ficar bem, mas que tudo vai ficar bem. o fim deSe Beale Street pudesse falar é praticamente certo, a menos que sua ignorância o guie por este mundo idiota, mas ainda há amor naqueles momentos finais, tanto amor quanto havia na abertura simétrica do filme. Há esperança nisso, mesmo que seja pateticamente pequena. —Dom Sinaicola
2. Monty Python e o Santo Graal
Ano: 1975
Diretores: Terry Gilliam, Terry Jones
Elenco: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Connie Booth
Gênero: Comédia
Classificação: PG
É uma pena que parte do brilho tenha sido retirado do Santo Graal por sua própria onipresença avassaladora. Hoje em dia, quando ouvimos uma „ferida superficial“, um „ni!“ ou „grandes extensões de terra“, nossos primeiros pensamentos são frequentemente de nerds obsessivos sem noção repetindo cenas inteiras de volta para nós. Ou, no meu caso, repetir cenas inteiras para as pessoas como um nerd obcecado e sem noção. Mas, se você tentar se distanciar do fator desordem e assistir novamente ao filme depois de alguns anos, encontrará novas piadas que parecem tão novas e histéricas quanto as que todos conhecemos. O Santo Graal é, de fato, a comédia mais densa do cânone Python. há tantas piadasneste filme, e é surpreendente a facilidade com que o esquecemos, considerando sua reputação. Se você está realmente exausto com este filme, assista-o novamente com comentários e descubra o segundo nível de apreciação que vem da inventividade com que foi feito. Certamente não parece um filme de $ 400.000, e é delicioso descobrir quais das piadas (como as metades do coco) nasceram da necessidade de soluções alternativas de baixo orçamento. A co-direção pela primeira vez do ator Terry Jones (que dirigiu apenas esporadicamente após a separação de Python) e do recluso americano Terry Gilliam (que transformou prolificamente o estilo cinematográfico de Python em sua própria marca única de fantasia de pesadelo) se move com eficiência surreal. —Graham Techler
3. O irlandês
Ano: 2019
Diretor: Martin Scorsese
Estrelas: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Jesse Plemons, Anna Paquin
Gênero: Crime, Drama
Classificação: R
Peggy Sheeran (Lucy Gallina) observa seu pai, Frank (Robert De Niro), através de uma porta entreaberta enquanto ele faz as malas para uma viagem de negócios. Calças e camisas de saída, cada uma cuidadosamente dobrada e dobrada contra o interior da bagagem. Entre no revólver de ponta arrebitada, a ferramenta implacável do comércio de Frank. Ele não sabe que os olhos de sua filha estão sobre ele; ela é calma por natureza e permanece assim durante a maior parte de sua interação como adultos. Feche o caso. Ela desaparece atrás da porta. Seu julgamento persiste. A cena se passa em um terço do novo filme de Martin Scorsese, O Irlandês., em homenagem ao apelido do mundo da máfia de Frank, e ecoa em sua cena final, quando Frank, velho, decrépito e sozinho, desesperadamente abandonado por sua família e privado de seus amigos gângsteres com o passar do tempo, ele se senta em sua casa de repouso cama. Ele pode estar esperando pela Morte, mas é mais provável que esteja esperando por Peggy (interpretada como adulta por Anna Paquin), que o deserdou e não tem intenção de perdoá-lo por seus pecados. Peggy atua como árbitro moral de Scorsese. Ela é uma juíza dura: o filme dá uma visão sombria do machismo expresso no reino do mafioso e dos bandidos. Quando os personagens principais de Scorsese não estão tramando ou pagando planos em atos de violência, eles estão fazendo birras, comendo sorvete ou, em casos extremos, batendo um no outro em uma queda desesperadamente patética. Esta cena ecoa cenas infelizes semelhantes em Akira Kurosawa.Drunken Angel e Rashomon – Brigas entre pretensos saltos com medo de lutar, mas forçados a isso por sua própria bravata. O Irlandês abrange a década de 1950 até o início dos anos 2000, os anos em que Frank trabalhou para a família do crime Bufalino, liderada por Russell (Joe Pesci aposentado e intimidador). „Trabalhar“ significa matar algumas pessoas, forçar outras, até mesmo explodir um carro ou um prédio quando a ocasião exigir. Quando ele é libertado do terrorismo de gangues, ele está em casa lendo o jornal, assistindo ao noticiário, arrastando Peggy até a loja local para espancá-la por empurrá-la. „Eu apenas fiz o que você deveria“, diz o pobre coitado antes de Frank arrastá-lo para a rua e bater com a mão na calçada. O Irlandês é uma não-ficção histórica, narrando a vida de Sheeran e, ao longo de sua vida, a vida dos Bufalinos e seus associados, particularmente aqueles que morreram antes de seu tempo (o que a maioria deles é). É também um retrato da infância à sombra da brutalidade desapaixonada, e o que uma garota deve fazer para encontrar segurança em um mundo definido pelo derramamento de sangue. —Andy Crump
4. Eu não sou seu mano
Ano: 2017
Diretor: Raoul Peck
Gênero: Documentário
Classificação: PG-13
Raoul Peck centra-se no livro inacabado de James Baldwin, Remember This House , uma obra que teria feito lembrar três dos seus amigos, Martin Luther King Jr., Malcolm X e Medgar Evers. Os três homens negros foram mortos com cinco anos de diferença e, no filme, descobrimos que Baldwin não estava apenas preocupado com essas perdas como golpes terríveis no movimento pelos direitos civis, mas também se preocupava profundamente com as esposas e filhos dos homens que foram mortos. . assassinado. A dor avassaladora de Baldwin é tanto o tema do filme quanto seu intelecto. E então eu não sou seu manonão é apenas o retrato de um artista, mas um retrato de luto: como é perder amigos e fazê-lo com o mundo inteiro assistindo (e com tanta gente na América se recusando a entender como isso aconteceu, e para esse assunto) o que vai acontecer a seguir). Peck poderia ter feito pouco mais do que nos dar esse sentimento, colocando-nos diretamente na presença de Baldwin, e I Am Not Your Negro provavelmente teria sido um sucesso. Sua decisão de se afastar do formato usual de documentário, onde mentes respeitadas comentam sobre um assunto, cria uma sensação de intimidade difícil de inspirar em filmes como este. O prazer de ouvir as palavras de Baldwin, e apenas suas palavras, é delicioso. Não há intérprete, ninguém para explicar Baldwin a não ser Baldwin, e é assim que deve ser. —Shannon M. Houston
5. Laranja Mecânica
Ano: 1971
Diretor: Stanley Kubrick
Elenco: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Adrienne Corri, Miriam Karlin
Classificação: R
Duração: 136 minutos
Tal como acontece com a maioria (bem, provavelmente todas ) das adaptações do livro para a tela de Stanley Kubric, A Clockwork Orange ele remixa vários aspectos do romance de Anthony Burgess, e provavelmente para melhor (pelo menos Alex [um Malcolm McDowell terrivelmente elétrico] não é um pedófilo no filme de Kubrick, por exemplo). Ainda é uma sátira implacavelmente viciosa que retrata uma sociedade permissiva à cultura jovem brutal, onde a ciência e a psicologia modernas são as melhores contramedidas para combater a Ultraviolence™ cometida por homens como Alex e seus colegas drugues. É dolorosamente claro que, quando o ministro do Interior britânico (Anthony Sharp) coloca Alex como vítima, esse (alerta de spoiler!) O mal vence. Cristo, algum de nós consegue ouvir „Singin‘ in the Rain“? o mesmo depois desse pesadelo? —Scott Wold
6. Gemas Brutas
Ano: 2019
Diretores: Josh Safdie, Benny Safdie
Estrelas: Adam Sandler, Julia Fox, Eric Bogosian
Gênero: Suspense
Classificado: R
Proprietário de uma loja exclusiva no bairro dos diamantes de Nova York, Howard Ratner (Adam Sandler) se dá bem para si e sua família, embora não consiga deixar de jogar compulsivamente, devido ao cunhado Aron (Eric Bogosian, malevolamente viscoso) uma quantidade substancial. Ainda assim, Howard tem outros riscos para equilibrar: sua folha de pagamento consiste em Demany (Lakeith Stanfield), um caçador de clientes e produtos, e Julia (Julia Fox, um farol inesperado na tempestade em seu primeiro papel), uma funcionária com quem Howard está tendo um caso, “mantendo-a” confortável em seu apartamento em Nova York. Exceto por sua esposa (Idina Menzel, imaculadamente cansada), obviamente cansada de sua merda, e enquanto isso ele tem uma entrega especial vinda da África: uma opala preta, a pedra que conhecemos intimamente na primeira cena do filme, estimada por Howard em milhões. . Demany então traz Kevin Garnett (como ele mesmo, completamente sintonizado com o tom dos irmãos Safdie) para a loja no mesmo dia em que a opala chega, inspirando uma aposta única para Howard – do tipo para enquadrá-lo com Aron e outra coisa. , bem como uma série de coisas novas para esclarecer. Claro, é tudo estressante, verdadeiramente implacável, dolorosamente estressante, mas os Safdies, em seu sexto filme, parecem prosperar na ansiedade, capturando a inércia da vida de Howard e as incontáveis vidas que colidem com a dele, em toda a sua beleza corporal. . Pouco antes de um jogo, Howard revela a Garnett seu grande plano para um grande dia de pagamento e explica que Garnett conseguirá, VERDADE? Que caras como eles estão conectados a algo maior, trabalhando em um comprimento de onda mais alto do que a maioria, é assim que eles vencem. Ele pode estar no caminho certo, ou pode estar tirando tudo de sua bunda, independentemente disso, sempre soubemos que Sandler tinha isso nele. Isso pode ser exatamente o que tínhamos em mente.—Dom Sinaicola
7. Ela tem que ter
Ano: 1986
Diretor: Spike Lee
Elenco: Tracy Camila Johns, Spike Lee, John Canada Terrell, Tommy Redmond Hicks
Gênero: Comédia, Romance
Classificação: R
Uma estreia explosivamente sincera que imediatamente anunciou a nova voz corajosa e fresca de Lee no cinema americano , filmada como um documentário, She’s Gotta Have It é uma exploração sensata de uma jovem negra chamada Nola (Tracy Camilla Johns) tentando decidir entre seus três amantes do sexo masculino, enquanto flertam com sua aparente bissexualidade, para, sobretudo, descobrir o que a faz feliz. O que é interessante sobre o filme é que Lee sempre levanta a possibilidade de que “nenhuma das opções acima” seja uma resposta perfeitamente viável tanto para Nola quanto para mulheres solteiras – um ponto de virada em 1986. o realismo direto do filme. —Oktay Ege Kozak
8. A última floresta
Ano: 2022
Diretor: Luiz Bolognesi
Classificação: NR
Um documentário de 76 minutos do diretor Luiz Bolognesi e do co-roteirista/sujeito/líder Yanomami Davi Kopenawa, The Last Forest combina reencenações mitológicas emocionantes com filmagens de cenas da vida para criar um olhar incisivo e perspicaz sobre uma cultura indígena que resiste à negação. corrupção: da mente e do corpo, graças aos produtos químicos e ao COVID-19, a influência da ganância capitalista. Nas florestas tropicais do Brasil, o fascínio do ouro ainda traz à tona o que há de pior nos estrangeiros. Através de fotos atraentes encharcadas de verde e amarelo, depois envoltas em fumaça e som, Bolognesi define a cena enquanto Kopenawa conta suas histórias. Seus métodos se combinam para fazer The Last Forest.um protesto rítmico e liminar que facilmente o cativará com sua sensação hábil. Mas as habilidades técnicas de Bolognesi em capturar movimento e processo não devem ser ignoradas, apesar da beleza às vezes sutil do filme: assistir a um arco puxar e lançar uma flecha, ou uma criança enrolada em uma rede, é artístico e satisfatório. Nessa mistura de praticidade e abstração, realmente parece que Bolognesi e Kopenawa deixaram você entrar em suas vidas, e não há melhor maneira de construir empatia e respeito do que isso. — Jacob Oller
9. Apocalypse Now Redux
Ano: 1979
Diretor: Francis Ford Coppola
Elenco: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Dennis Hopper, Laurence Fishburne
Classificação: R
Duração: 206 minutos
Invoquemos a Truffaut, porque su espíritu se siente tan relevante para una discusión sobre la siniestra adaptación de Francis Ford Coppola de Heart of Darkness de Joseph Conrad como para una discusión sobre una película de guerra como Paths of Glory , y para considerar las películas de guerra em geral. Talvez, se acreditarmos em Truffaut, Apocalypse Now(e sua versão remasterizada com mais 49 minutos de streaming no Netflix) não pode deixar de endossar a guerra simplesmente pelo ato de recriá-la como arte. Talvez isso não impeça o filme de transmitir as teses motrizes de Coppola: a guerra transforma os homens em monstros, os leva a uma queda em um estado de espírito primitivo e sem lei, e a própria guerra é o inferno, uma frase sinistra. uso excessivo entre 1979 e hoje. Se o filme inatamente sanciona a guerra por meio da representação, ele não sanciona o impacto da guerra na humanidade de seus participantes. Na verdade, apocalipse agoracontinua sendo uma das ilustrações mais perspicazes do efeito corrosivo que a violência sancionada pela nação tem sobre o espírito e a psique de uma pessoa. É bom que 40 anos depois estejamos bem em citar este filme em comerciais terrivelmente desagradáveis da AT&T, ou reaproveitar seu cenário de época para fazer King Kong acontecer para o público contemporâneo uma segunda vez, mas não há nada fofo, ou mesmo tudo. Quão citável, sobre isso. Apocalypse Now queima, adoece e deixa cicatrizes, marcando-se em nossa memória como apenas as demonstrações mais sombrias da depravação humana realmente podem. —Andy Crump
10. Siga
Ano: 2015
Diretor: David Robert Mitchell
Elenco: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto, Jake Weary, Olivia Luccardi, Lili Sepe
Gênero: Terror
Classificação: R
O espectro da velha Detroit assombra It Follows . Em uma barraca de sorvete dilapidada na 12 Mile, nas casas de rancho dos anos 1960 em Ferndale ou Berkley, em um jogo de ludo jogado por adolescentes pálidos com sotaque nasal, nada, se você nunca esteve, nunca reconheceria nostalgia e cinza que se insinua em cada canto do filme aterrorizante de David Robert Mitchell. Mas está lá e parece o sudeste de Michigan. A música, a paleta de cores suave, mas estranhamente suntuosa, o anacronismo implacável: apenas no estilo, Mitchell é um autor aparentemente nascido inteiramente do útero doentio da região metropolitana de Detroit. Ciclos e círculos completam concentricamente Segue, das regras particularmente insulares da trama de terror do filme, à redondeza carnuda e juvenil dos rostos e corpos desse pequeno grupo de personagens principais, sem deixar o público esquecer que, em muitos aspectos, essas pessoas ainda são crianças. Em outras palavras, Mitchell é claro sobre sua história: isso já aconteceu antes e acontecerá novamente. Tudo isso não funcionaria se Mitchell estivesse menos preocupado em criar um filme genuinamente enervante, mas todo floreio estético, toda panorâmica completa é escravizada para dar vida mórbida a uma única imagem: alguém, qualquer pessoa se separando lentamente do fundo, de si mesmo. . pesadelos, e caminhando em sua direção, como se a própria Morte aparecesse sem avisar ao seu lado em público, pronto para roubar seu fôlego com pouco ou nenhum autocontrole. Inicialmente, a presunção de All Mitchell, transmitindo uma obsessão através da relação sexual, parece enterrar a política sexual conservadora sob os tropos típicos do filme de terror, afirmando ser um filme de gênero progressivo quando funcionalmente não faz nada para promover nossas ideias de tarifa slasher. Prostitutas, vocês encontram punição por seu pecado flagrante e sem amor, certo? (O filme tem mais em comum com um baseado de Judd Apatow do que você poderia esperar.) Em vez disso, Mitchell nunca julga seus personagens por fazerem o que praticamente todo adolescente quer fazer; simplesmente revela, por meio de alegorias complexas, as realidades do sexo adolescente. Não há nenhuma implicação de princípio por trás da intenção de Mitchell;Segue -se do reino do jogo de moralidade fantasiado para um conto de amadurecimento doentio e assustador. Da mesma forma, Mitchell entende inerentemente que não há nada mais perturbador do que o comum apenas um pouco fora, confiando o verdadeiro horror do filme aos truques que nossas mentes pregam quando nos esquecemos de verificar nossa periferia. It Follows é um filme que prospera nas fronteiras, não tanto sobre o horror que salta à sua frente, mas sobre a ansiedade mais profunda que espera no limite da consciência, até que, um dia não muito longe, ela está lá, lembrando você que seu tempo é limitado e você nunca estará seguro. Esqueça os riscos do sexo adolescente, It Follows é uma metáfora penetrante para crescer. —Dom Sinaicola
11. Bonnie e Clyde
Ano: 1967
Diretor: Arthur Penn
Elenco: Warren Beatty, Faye Dunaway, Michael J. Pollard, Gene Hackman
Classificação: R
Duração: 111 minutos
Houve um breve período na história do cinema americano logo depois que o público em geral se cansou dos dramas e comédias mundanos e enjoativos dos anos 60, mas antes que os estúdios descobrissem os benefícios lucrativos de franquias como Jaws e Star Wars . após a sequência, arrecadar receita de mercadorias e garantir um fluxo constante de muito dinheiro, independentemente do mérito artístico. Naquele pequeno e estranho intervalo, os executivos do estúdio não tiveram ideia melhor do que simplesmente jogar dinheiro em diretores talentosos e esperar que tivessem sorte. Filmes tipo Bonnie e Clyde por Arthur Penn possuem uma espécie de realismo corajoso que é tão inteligente e sábio quanto a Nouvelle Vague francesa, mas infundido com o espírito livre americano que ainda não havia sido sufocado por uma agenda corporativa. — Shane Ryan
12. Um Filme Policial
Ano: 2021
Diretor: Alonso Ruizpalacios
Gênero: Documentário
Classificação: R
Duração: 107 minutos
Das muitas fotos chocantes capturadas no híbrido de docuficção A Cop Movie, um deles transmite a essência do exame do diretor da força policial do México, Alonso Ruizpalacios, como nenhum outro. Depois de amarrar o pulso a uma corda longa e frágil, a estagiária da academia de polícia Teresa se prepara para pular de uma plataforma de mergulho de 30 pés em uma piscina. É o último desafio que ele deve superar para se formar, o da „determinação“, mas representa uma grande ameaça à sua vida, pois ele não sabe nadar, e seu provável destino de afogamento é cruelmente contrabalançado por manter o pulso amarrado ao chão. Curiosamente, Teresa acaba por ser menos um sujeito documental e mais um avatar para Ruizpalacios analisar a perspetiva civil da força policial do país. Apresentada como honesta música tema de quase metade do filme, Teresa (que ébaseado em uma pessoa real) acaba sendo interpretada pela atriz Mónica del Carmen, que habilmente se moldou à imagem do oficial da vida real, recriando flashbacks de seus dias como estudante da academia até seus problemas de trabalho mais recentes. ruas do México. Cidade. Ao seu lado está o também ator Raúl Briones, que interpreta Montoya (também um menino de verdade), a segunda metade da dupla apelidada de “a patrulha do amor” por outros policiais devido ao relacionamento de paquera. Embora inicialmente retratado como dois policiais simplesmente fazendo o melhor que podem dentro de um sistema em ruínas, a segunda metade do filme deixa claro que esses sentimentos são apenas projeções distorcidas de suas contrapartes da vida real. Um filme policial é sutil, mas ousado em sua acusação de corrupção policial e dos policiais individuais que o compram, malditas sejam as boas intenções. — Natalia Keogan
13. O discípulo
Ano: 2021
Diretor: Chaitanya Tamhane
Estrelas: Aditya Modak, Arun Dravid, Sumitra Bhave
Classificação: TV-MA
Duração: 128 minutos
Dedicar sua vida a algo (arte, paixão, religião) é vendido para nós como admirável, mas muitas vezes apenas se atender aos nossos ideais românticos de como é essa vida. O sucesso, por mais tardio ou póstumo que seja, é a justificativa para o esforço? O escritor/diretor/editor Chaitanya Tamhane explora essa ideia através da vida do cantor clássico indiano Sharad Nerulkar (Aditya Modak), um obstinado fervoroso criado por seu pai amante da música, e as gravações do lendário cantor/guru Maai (Sumitra Bhave). . Ele será reconhecido por sua grandeza, saindo das sombras? Ou ele seguirá seu pai na escuridão tangencial? Longas tomadas hipnotizantes que ressoam com o mesmo tipo de riqueza encontrada em sua ampla gama de taan ondulantes de cantores, permitindo-nos muito espaço para apreciar a música e a devoção em exibição; afiado, o humor negro pontua o filme contemplativo com golpes de teimosia. A excelente performance de Modok contém uma profundidade similar, tudo escondido atrás de uma tensão ansiosa e um olhar inabalável. Ele personifica o artista insatisfeito, aquele que vê o sucesso ao seu redor nos idiotas e caipiras, embora não possa considerar o que pode estar impedindo-o. É uma performance angustiante, cativante e espinhosa, e que cria um retrato verdadeiramente vencedor. Mesmo quando se move de forma constante e desapaixonada como a motocicleta de Sharad, uma performance cativante e espinhosa que cria um retrato verdadeiramente vencedor. Mesmo quando se move de forma constante e desapaixonada como a motocicleta de Sharad, uma performance cativante e espinhosa que cria um retrato verdadeiramente vencedor.O Discípulo contém calor por seu principal artista de sack e dedicação para nunca se vender.— Jacob Oller
14. O Mestre
Ano: 2012
Diretor: Paul Thomas Anderson
Elenco: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Laura Dern
Gênero: Drama
Classificação: R
O Mestre estuda seus personagens com tanta mística, tragédia e humor que não há momento que não seja fascinante. O escritor/diretor Paul Thomas Anderson continua algumas das tendências estilísticas de seu último filme, There Will Be Blood., mas ele também encontra maneiras de correr riscos constantemente e tomar decisões ousadas que são completamente imprevisíveis. Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) e sua religião, The Cause, são obviamente inspirados por L. Ron Hubbard e Scientology, e esse link foi o foco da cobertura da imprensa que antecedeu o lançamento do filme. Os paralelos entre as duas ideologias são inescapáveis, mas não são o ponto. Anderson nunca vê a religião/culto como um show de horrores. Mesmo em uma montagem brilhante que descreve uma série de exercícios cansativos que Freddie (Joaquin Phoenix) não pode ou não quer se permitir ser esclarecido, a luta pessoal está em primeiro plano. A estranheza dos rituais é quase acidental. Phoenix oferece o desempenho de sua carreira como um veterano da Segunda Guerra Mundial encharcado de álcool com cicatrizes físicas e mentais. Tendo obtido poucos benefícios de um curso intensivo psiquiátrico para soldados que retornam com problemas pós-traumáticos, ele cambaleia em um lugar até que deve fugir para outro, obcecado por sexo e fazendo álcool experimental. Anderson sempre foi um virtuoso visual e usa detalhes adicionais para obter um efeito soberbo. Dodd aparece pela primeira vez durante um tiro de rastreamento de Freddie, visto à distância como uma figura diminuta, mas exuberante em um navio de cruzeiro, pequeno, mas ainda o centro das atenções. Freddie ainda não conheceu Dodd, mas a nave o chama. Isso pode ser porque Dodd conheceu Freddie em uma vida passada, ou pode ser porque Freddie é um bêbado desesperado procurando um lugar para se esconder. A grande tragédia de Freddie é que a explicação menos atraente não lhe dá resposta, enquanto a outra lhe dá a resposta errada. – ficar obcecado por sexo e fazer álcool experimental. Anderson sempre foi um virtuoso visual e usa detalhes adicionais para obter um efeito soberbo. Dodd aparece pela primeira vez durante um tiro de rastreamento de Freddie, visto à distância como uma figura diminuta, mas exuberante em um navio de cruzeiro, pequeno, mas ainda o centro das atenções. Freddie ainda não conheceu Dodd, mas a nave o chama. Isso pode ser porque Dodd conheceu Freddie em uma vida passada, ou pode ser porque Freddie é um bêbado desesperado procurando um lugar para se esconder. A grande tragédia de Freddie é que a explicação menos atraente não lhe dá resposta, enquanto a outra lhe dá a resposta errada. – ficar obcecado por sexo e fazer álcool experimental. Anderson sempre foi um virtuoso visual e usa detalhes adicionais para obter um efeito soberbo. Dodd aparece pela primeira vez durante um tiro de rastreamento de Freddie, visto à distância como uma figura diminuta, mas exuberante em um navio de cruzeiro, pequeno, mas ainda o centro das atenções. Freddie ainda não conheceu Dodd, mas a nave o chama. Isso pode ser porque Dodd conheceu Freddie em uma vida passada, ou pode ser porque Freddie é um bêbado desesperado procurando um lugar para se esconder. A grande tragédia de Freddie é que a explicação menos atraente não lhe dá resposta, enquanto a outra lhe dá a resposta errada. – visto à distância como uma figura diminuta, mas exuberante, em um navio de cruzeiro, pequeno, mas ainda o centro das atenções. Freddie ainda não conheceu Dodd, mas a nave o chama. Isso pode ser porque Dodd conheceu Freddie em uma vida passada, ou pode ser porque Freddie é um bêbado desesperado procurando um lugar para se esconder. A grande tragédia de Freddie é que a explicação menos atraente não lhe dá resposta, enquanto a outra lhe dá a resposta errada. – visto à distância como uma figura diminuta, mas exuberante, em um navio de cruzeiro, pequeno, mas ainda o centro das atenções. Freddie ainda não conheceu Dodd, mas a nave o chama. Isso pode ser porque Dodd conheceu Freddie em uma vida passada, ou pode ser porque Freddie é um bêbado desesperado procurando um lugar para se esconder. A grande tragédia de Freddie é que a explicação menos atraente não lhe dá resposta, enquanto a outra lhe dá a resposta errada. —jeremy matthew
15. Bruto
Ano: 2016
Diretor: Julia Ducournou Elenco
: Garance Marillier, Ella Rumpf, Laurent Lucas
Gênero: Terror
Pontuação: R
Duração: 99 minutos
Se você é o orgulhoso dono de um senso de humor distorcido, pode dizer a seus amigos que Raw de Julia Ducournau é um “filme sobre amadurecimento” na tentativa de induzi-lo a assisti-lo. Sim, a protagonista do filme, a ingênua estudante universitária Justine (Garance Marillier), atinge a maioridade ao longo de seu tempo de execução; ele festeja, sai de sua concha e descobre quem ele realmente é como uma pessoa à beira da idade adulta. Mas a maioria das crianças que atingem a maioridade nos filmes não percebem que passaram a vida inadvertidamente reprimindo um desejo inato e quase insaciável de consumir carne crua. „Ei“, você está pensando, „esse é o nome do filme!“ Está bem! Está! Permita que Ducournau tenha coragem. Mais do que um aceno e um aceno aos detalhes viscerais da imagem, Rawé uma concessão aberta à qualidade comovente do floreio sombrio de Justine. Por mais desagradável que o filme fique, e de fato fica desagradável, os sentimentos mais duros que Ducournau articula aqui tendem a ser aqueles que não podemos detectar apenas olhando: medo da sexualidade feminina, legados familiares, política, popularidade e incerteza de si mesmo. -governo . Tanto os horrores quanto a carne exposta e ensanguentada. É um gorefest sem remorso e muito mais para mastigar do que seus efeitos. —Andy Crump
16. Dê 5 sangues
Ano: 2020
Diretor: Spike Lee
Estrelas: Clarke Peters, Delroy Lindo, Norman Lewis, Isiah Whitlock Jr., Chadwick Boseman, Jonathan Majors
Gênero: Drama
Classificação: R
A busca por ouro enterrado não termina bem ou corre bem. O longo caminho para a reconciliação, seja com trauma, família ou identidade nacional, nunca está isento de obstáculos. Cole essas verdades junto com os efeitos de atrito do racismo institucional, acrescente inúmeras referências à história (história americana, história da música, história do cinema) e você terá Da 5 Bloods de Spike Lee , um filme de ação no estilo clássico do Vietnã. visão cinematográfica. Como em BlackKkKlansman de 2018, Lee conecta os pontos entre o passado e o presente, ligando a luta pelos direitos civis expressos em objeções de consciência e protestos com a própria luta da América contemporânea contra o fascismo sancionado pelo estado. Depois de abrir com uma montagem de eventos e figuras falando contra a Guerra do Vietnã, que é predominantemente referida como a Guerra Americana pelo resto do filme, Lee apresenta quatro dos cinco sangues. : Otis (Clarke Peters), Paul ( Delroy Lindo), Eddie (Norm Lewis) e Melvin (Isiah Whitlock Jr.), veteranos do Vietnã em cativeiro, retornaram à cidade de Ho Chi Minh ostensivamente para encontrar e recuperar os ossos do líder do esquadrão Fallen, Norman (Chadwick Boseman). tem mais claro „mais“ sendo cerca de $ 17 milhões em barras de ouro plantadas em solo vietnamita, de propriedade da CIA, mas reapropriadas pelos Bloods como reparação por seu sofrimento pessoal como homens lutando em uma guerra por um país governado por pessoas que não se importam com seus direitos. Lee está no auge de seus poderes quando argumenta sem rodeios que, desde o fim da Guerra do Vietnã, os Estados Unidos continuam obstinadamente a travar as mesmas guerras contra seu próprio povo e, de fato, contra o resto do o mundo. . E Lee ainda está zangado e descontente com o status quo, sendo a opressão contínua dos negros americanos por meio da brutalidade policial, supressão de eleitores e negligência médica. Neste contexto, Os Estados Unidos continuam teimosamente a travar as mesmas guerras contra seu próprio povo e, de fato, contra o resto do mundo. E Lee ainda está zangado e descontente com o status quo, sendo a opressão contínua dos negros americanos por meio da brutalidade policial, supressão de eleitores e negligência médica. Nesse cenário, os Estados Unidos continuam teimosamente a travar as mesmas guerras contra seu próprio povo e, de fato, contra o resto do mundo. E Lee ainda está zangado e descontente com o status quo, sendo a opressão contínua dos negros americanos por meio da brutalidade policial, supressão de eleitores e negligência médica. Neste contexto, sendo a opressão contínua dos negros americanos por meio da brutalidade policial, supressão de eleitores e negligência médica. Nesse cenário, os Estados Unidos continuam teimosamente a travar as mesmas guerras contra seu próprio povo e, de fato, contra o resto do mundo. E Lee ainda está zangado e descontente com o status quo, sendo a opressão contínua dos negros americanos por meio da brutalidade policial, supressão de eleitores e negligência médica. Neste contexto, sendo a opressão contínua dos negros americanos por meio da brutalidade policial, supressão de eleitores e negligência médica. Nesse cenário, os Estados Unidos continuam teimosamente a travar as mesmas guerras contra seu próprio povo e, de fato, contra o resto do mundo. E Lee ainda está zangado e descontente com o status quo, sendo a opressão contínua dos negros americanos por meio da brutalidade policial, supressão de eleitores e negligência médica. Neste contexto, sendo a opressão contínua dos negros americanos por meio da brutalidade policial, supressão de eleitores e negligência médica. Neste contexto, sendo a opressão contínua dos negros americanos por meio da brutalidade policial, supressão de eleitores e negligência médica. Neste contexto,A amplitude de Da 5 Bloods é quase necessária. Como diria Paulo: À direita. —Andy Crump
17. Crescer
Ano: 2014
Diretor: Patrick Brice
Elenco: Mark Duplass, Patrick Brice
Gênero: Terror
Classificação: R
Creep é um pequeno filme de terror indie um tanto previsível, mas alegremente insano, a estréia na direção de Brice, que também lançou The Overnight deste ano . Estrelando o sempre prolífico Mark Duplass, é um estudo de caráter de dois homens: um cinegrafista ingênuo e um recluso psicótico não tão secreto, o último dos quais contrata o primeiro para documentar sua vida em uma cabana na floresta. Ele depende inteiramente de suas atuações, que são excelentes. Duplass, que pode ser charmoso e maluco em algo como Security Not Guaranteed, brilha aqui como o lunático enlouquecido que abre caminho na vida do protagonista e assombra todos os seus momentos de vigília. Os primeiros momentos de idas e vindas entre o par crepitam com uma espécie de intensidade estranha. Qualquer especialista em gênero sem dúvida verá para onde está indo, mas é um passeio bem elaborado que dá certo graças à química entre seus dois protagonistas principais de uma forma que me lembra as cenas entre Domhnall Gleeson e Oscar Isaac em Ex Machina . —Jim Vorel
18. A conjuração
Ano: 2013
Diretor: James Wan
Elenco: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Ron Livingston, Lili Taylor
Gênero: Terror
Classificação: R
Que se saiba: James Wan é, por qualquer estimativa justa, um diretor de filmes de terror acima da média, para dizer o mínimo. O progenitor de shows de muito dinheiro como Saw e Insidious tem um talento especial para criar horror populista que ainda carrega um traço de sua própria identidade artística, um presente de Spielberg para o que fala ao público multiplex sem sacrificar completamente a caracterização. Vários de seus filmes estão fora do top 100, se esta lista for expandida, mas não há como negar que The Conjuring é o representante de Wan porque é de longe o mais assustador de todos os seus longas-metragens. Lembrando-me da experiência de assistir Atividade Paranormal Pela primeira vez em um multiplex lotado, The Conjuring tem uma maneira de subverter quando e onde você espera que os sustos cheguem. Sua história de posse/casa mal-assombrada não é nada que você já não tenha visto antes, mas poucos filmes nesta obra nos últimos anos tiveram metade do estilo que Wan transmite em uma velha casa de fazenda rangendo em Rhode Island. O filme atende às expectativas do público, lançando grandes sustos em você sem os acúmulos padrão de Hollywood Jump Scare, evocando simultaneamente histórias clássicas de fantasmas da era de ouro, como The Haunting , de Robert Wise . Sua intensidade, trabalho de efeitos e natureza implacável o colocam vários degraus acima do horror PG-13 contra o qual competia principalmente. É interessante notar que The Conjuring , na verdade, recebeu uma classificação ‚R‘, apesar da falta de ‚violência‘, violência ou sexualidade explícitas. Era muito assustador negar, e isso é digno de respeito. —Jim Vorel
19. Ip Man
Ano: 2008
Diretor: Wilson Yip
Elenco: Donnie Yen, Lynn Hung, Dennis To, Syun-Wong Fen, Simon Yam, Gordon Lam
Gênero: Ação
Classificado: R
Ip Man de 2008 finalmente marcou o momento em que o verdadeiramente excelente, mas nunca respeitado Donnie Yen, ganhou vida, interpretando uma versão vagamente biográfica do lendário grande mestre de Wing Chung e professor de vários futuros mestres de artes marciais (um dos quais era Bruce Lee). Em Foshan (uma cidade famosa pelas artes marciais no sul/centro da China), um modesto praticante de Wing Chung tenta resistir pacificamente à invasão e ocupação japonesa da China em 1937, mas acaba sendo forçado a agir. Este filme semi-histórico repleto de ação esmagadora e pulverizadora de rostos, que é um sucesso glorioso tanto como um drama envolvente quanto como isca para os fãs de artes marciais. — K. Alexander Smith
20. A Filha Perdida
Ano: 2021
Diretor: Maggie Gyllenhaal
Elenco: Olivia Colman, Dakota Johnson, Jessie Buckley, Paul Mescal, Dagmara Dominczyk, Oliver Jackson-Cohen, Peter Sarsgaard, Ed Harris
Gênero: Drama
Classificação: R
Duração: 124 minutos
Na praia onde a estudiosa de literatura comparada Leda (Olivia Colman) descansa em The Lost Daughter, o céu é azul cristalino, as praias de um branco brilhante, a água morna e translúcida. Mas a costa também está infestada de gente rude e barulhenta; Fruto de Leda infectado por uma podridão maligna; seu quarto contaminado por insetos barulhentos; uma boneca de menina corrompida por um líquido preto nocivo e insetos contorcidos. Essa tensão tonal é sintomática do espírito do filme: é uma maçã brilhante que se decompõe rapidamente de dentro para fora. O filme se passa durante alguns dias, enquanto Leda se prepara para umas luxuosas férias de trabalho. No entanto, seu relaxamento é interrompido quando ele conhece Nina (Dakota Johnson), uma jovem mãe bonita e inescrutável. Leda fica obcecada por Nina, enquanto o último ressurge inadvertidamente memórias assustadoras das experiências angustiantes de Leda como mãe. A partir desse momento, memórias assustadoras de Leda permeiama filha perdidaaté a maçã ficar completamente preta. Embora a narrativa em si, adaptada do romance homônimo de Elena Ferrante de 2006, seja relativamente direta, a diretora estreante Maggie Gyllenhaal, que também escreveu o roteiro, aborda questões de sexismo internalizado e externalizado com agilidade e complexidade. O sutil e complexo estado de espírito de Leda não seria possível de transmitir se não fosse pela extraordinária sensibilidade visual de Gyllenhaal. As lutas de Leda são em grande parte internas, mas estou confiante de que a narrativa excepcionalmente tátil de Gyllenhaal diz muito mais do que as palavras jamais poderiam. Quando Leda acaricia o pulso sujo de Elena, seu toque é gentil e de alguma forma cheio de arrependimento. Quando ele enfia um alfinete no chapéu de Nina, soa sinistro como uma espada desembainhada, mas sua colocação cuidadosa é quase sensual. E quando uma Leda mais jovem corta a polpa de uma laranja, seu corte suave e discreto quase parece sinistro. A direção extraordinária de Gyllenhaal, juntamente com atuações excepcionais deAs atrizes principais de A Filha Perdida culminam em uma tempestade perfeita que produz um retrato astuto das dolorosas expectativas da feminilidade . — Aurora Amidon
21. Perdi meu corpo
Ano: 2019
Diretor: Jérémy Clapin Elenco
: Hakim Faris Hamza, Victoire Du Bois, Patrick d’Assumçao
Gênero: Animação, Drama
Classificação: TV-MA
Duração: 81 minutos
Enquanto estivermos a bordo, pelo menos passivamente, por quantas sequências a Pixar quiser dar a Toy Story , paciente pelo tempo que outro demorar, eu perdi meu corpo .é um filme de animação singular, cada vez mais do tipo que, francamente, não está mais sendo feito. Em parte porque recursos desenhados à mão feitos por pequenos estúdios são mais raros do que nunca, mas principalmente porque é um filme de animação desafiadoramente voltado para adultos, envolto em uma narrativa oblíqua e cheia de dor. Aparentemente sobre uma mão antropomórfica subindo e deslizando pela cidade para encontrar a pessoa a quem estava ligada (a história de como ela é lentamente recortada vem à tona), a beleza do visual do diretor Jérémy Clapin, através de Muitas vezes delineado em sujeira e decair, I Lost My Body é uma conquista despretensiosa e silenciosamente comovente, que a Academia precisa priorizar agora mais do que nunca sobre a tarifa de alto estudo que deve ser competente. —Dom Sinaicola
22. Cristina
Ano: 2016
Diretor: Antonio Campos
Elenco: Rebecca Hall, Michael C. Hall, Tracy Letts, Maria Dizzia, J. Smith-Cameron, John Cullum, Timothy Simons
Gênero: Drama
Classificação: R
Por que a jornalista de televisão Christine Chubbuck tirou a própria vida diante das câmeras em 1974? O brilhantismo desse drama de Antonio Campos é que ele tenta responder a essa pergunta respeitando a enormidade e a ignorância de um ato tão violento e trágico. Rebecca Hall é importante como Christine, uma mulher profundamente infeliz cuja ambição nunca igualou seu talento, e a atriz é incrivelmente compreensiva no papel. À medida que nos aproximamos da morte inevitável de Christine, entendemos que Christine não é um romance mórbido, mas um olhar compassivo sobre a desigualdade de gênero e a solidão. —Tim Grierson
23. Culpa!
Ano: 2017
Diretor: Hiroyuki Seshita
Estrelas: Sora Amamiya, Kana Hanazawa, Takahiro Sakurai
Gênero: Anime, Ficção Científica
Classificação: TV-14
Quando se trata de ficção científica industrial sombria, Tsutomu Nihei é um visionário. Treinado como arquiteto antes de seguir carreira como autor de mangá, a arte de Nihei é esparsa e labiríntica, seu corpo de trabalho definido por uma obsessão unificadora com espaços inventados. Fábricas bizantinas com sotaque gótico que se estendem por abismos impossíveis, povoadas por sintóides de pernas arqueadas e predadores macabros vendendo espadas de osso irregulares e pistolas de cartilagem pulsantes. Sua primeira e mais famosa série, Blame!, é considerado o texto-chave no legado estético de Nihei, chegando a inspirar tudo, desde videogames a música, e até arte e moda. Houve tentativas anteriores de adaptar a série para um anime, embora nenhuma tenha sido bem-sucedida. Isto é, até agora. Com o apoio da Netflix, Hiroyuki Seshita, da Polygon Pictures, entregou o tão esperado Blame! filme. Situado em um futuro distante, a Terra consumida por uma enorme superestrutura autorreplicante conhecida como ‚A Cidade‘, Blame!sigue a Killy, un solitario taciturno, que deambula por las capas del planeta en busca de un ser humano que posea el ‚gen terminal de la red‘, un rasgo esquivo que se cree que es el único medio para detener la expansión hostil perpetua de a cidade. Com roteiro escrito por Sadayuki Murai, famoso por escrever em séries como Cowboy Bebop e Perfect Blue de Satoshi Kon ., e supervisionado pelo próprio Nihei, o filme de Seshita abrevia muitos dos primeiros capítulos do mangá e simplifica a história em um caso muito mais narrativo e baseado em ação. O diretor de arte Hiroshi Takiguchi habilmente replica a estética distinta de Nihei, alcançando em cores o que antes era apenas monocromático, enquanto Yuki Moriyama aprimora habilmente os designs de personagens uniformes do original, transmitindo a seus atores características e silhuetas distintas e facilmente identificáveis que melhoram muito a capacidade de analisar a história. . . Falhar! é uma adaptação tão fiel quanto possível e uma introdução tão adequada à série quanto o próprio mangá. Falhar!constrói um argumento forte por ser não apenas um dos filmes de anime conceitualmente mais divertidos da memória recente, mas também por ser um dos, senão o melhor filme de anime original a enfeitar a Netflix em muito tempo. —Toussaint Egan
24. Gângster americano
Ano: 2007
Diretor: Ridley Scott
Elenco: Denzel Washington, Russell Crowe, Chiwetel Ejiofor, Cuba Gooding Jr., Josh Brolin
Classificação: R
Duração: 156 minutos
Com American Gangster , Ridley Scott remonta ao estilo mais comedido de filmagem evidenciado em seu documentário de ficção científica Blade Runner.. As habilidades de construção de mundo do diretor, sem dúvida, estão em plena exibição enquanto ele recria o Harlem de meados dos anos 70. Mas sua narrativa mais uma vez prioriza o personagem em vez da ação em ritmo acelerado. Denzel Washington e Russell Crowe, com a ajuda de um talentoso elenco de apoio, iluminam o papel deste ator, transformando o público em uma delícia após a outra. Washington é Frank Lucas, que já foi o braço direito de um criminoso do Harlem e, eventualmente, o traficante de heroína mais poderoso e independente da cidade de Nova York. Criminoso ou não, Lucas define o sonho americano. Crowe é Ritchie Roberts, um policial excessivamente honesto licenciado para criar uma unidade independente de drogas, e ele mergulha em Roberts, mostrando suas habilidades consideráveis em cada quadro. Enquanto isso, Josh Brolin, Chiwetel Ejiofor, Ted Levine e Armand Assante contribuem com força e credibilidade únicas. Scott até faz TI e RZA parecerem atores. Mas o filme pertence a Washington e Crowe; o primeiro frio e ameaçador, o segundo desmoronado e desgrenhado. Quando eles finalmente colidem, o filme dispara. Do início ao fim,American Gangster estala apenas com performances que fazem o cinema de gênero parecer arte. — Russ Fischer
25. Atena
Data de lançamento: 23 de setembro de 2022
Diretor: Romain Gavras
Estrelas: Dali Benssalah, Sami Slimane, Anthony Bajon, Ouassini Embarek, Alexis Manenti
Classificação: R
Duração: 97 minutos
Já se passou mais de uma década desde que Romain Gavras encheu seu corajoso videoclipe de „No Church in the Wild“ com Molotovs, cavalos roubados da polícia e escudos de choque derrubados, motivos visuais de heroísmo de protesto, e a única coisa que mudou é nossa familiaridade com as consequências. A raiva por trás dessas imagens ainda arde, mas conhecemos o frio consolo que permanece quando as brasas são finalmente apagadas. No entanto, tudo o que pode ser feito é reacender o fogo, o que Gavras faz na fascinante e vital Atena.. Um épico de guerra entre o povo e o estado, atravessa um movimento de resistência popular como um incêndio: ofuscante, perigoso, que tudo consome. A zona de guerra é Athena, um projeto habitacional francês, onde a tragédia reuniu uma comunidade, formada por uma família. Idir, de 13 anos e o caçula de quatro irmãos, Karim (Sami Slimane), Abdel (Dali Benssalah) e Moktar (Ouassini Embarek), foi espancado até a morte pela polícia. Alguém gravou no celular. Mas descobrimos isso em fragmentos salpicados de exposição, transformados em confete e flutuando no ar esfumaçado. Nossa atenção imediata está em Karim, liderando um grupo de vizinhos vestidos com agasalhos e jovens com interesses semelhantes, invadindo uma delegacia de polícia. A cena de abertura, o primeiro de muitos feitos incríveis de planejamento,A abertura de Athena é uma das melhores do ano, uma peça de ação implacável, que levanta os punhos, cerra os maxilares e causa arrepios que não para até que você esteja completamente radicalizado. É quando você começa a olhar através do estilo, vendo como ele reflete as personalidades de seus personagens em perspectiva. Há uma razão para Athena se sentir como um ataque cardíaco em movimento. Há dor e pânico. Sua frequência cardíaca não dispara só porque você está com pressa. Mas até percebermos isso, Karim e sua equipe estão estrelando um épico arrebatador em grande escala: um 1917 moderno, onde a horrível euforia da guerra voltou para casa. atenanão está aqui para sutilezas. Ele está aqui para tirar os tambores dos seus ouvidos, as pálpebras dos seus olhos, o chumbo dos seus sapatos. Com planos que começam em “fodidamente inacreditável” e vão até “im-fudidamente possível”, sua visão grandiosa visa definir um símbolo internacional da modernidade: o protesto como guerra. Mais gradientes políticos do que pessoas, Benssalah e Slimane nos guiam através da criação de mitos até compreendermos completamente o absurdo de Atena ser tanto o Deus da sabedoria quanto o Deus da guerra. Mas, como Frank Ocean canta em „No Church in the Wild“, o que é um Deus para um descrente? Atena ele acende brilhante e rápido, gravando seu inesquecível grito de guerra na tela por apenas 99 minutos. Sua ação idealista permanecerá com você por muito mais tempo. — Jacob Oller
26. Dick Johnson está morto
Ano: 2020
Diretor: Kirsten Johnson
Elenco: Kirsten Johnson, Dick Johnson
Gênero: Documentário
Classificação: PG-13
Se todo grande documentário é sobre a responsabilidade da observação, o Cameraperson de Kirsten Johnson também é sobre a fragilidade dessa observação. Com seu acompanhamento, Dick Johnson está mortoJohnson continua a questionar essa fragilidade, criando uma ode profundamente pessoal para o que ele não tem controle: a morte de seu pai. Ajuda o fato de Dick Johnson ser uma alma melíflua, um homem incessantemente caloroso e radiante cercado por amigos, colegas e conhecidos que o amam igual e genuinamente, mas desde as primeiras tomadas, Johnson deixa claro que a natureza maravilhosa de seu pai só irá tornar a despedida dele muito mais difícil. E o momento em que ele deve fazer isso se aproxima cada vez mais. Seu ímpeto, ele reconhece a contragosto, é em parte egoísta, pois ele decide ajudar seu pai a se familiarizar com o fim de sua vida, recriando em luxuosas vinhetas cinematográficas as muitas maneiras que ele poderia ter, desde a queda do aparelho de ar condicionado, até mesmo unhas recortadas. 2 × 4 no rosto, em sua queda normal da escada, repleta de pescoço quebrado. Quanto mais Johnson se perde no projeto, gastando mais esforço consultando dublês, diretores de arte e diversos membros da equipe do que seu próprio pai (sentado pacificamente no set, geralmente cochilando, sem ser um grande incômodo), mais ela percebe que pode ser explorando alguém que ela ama, alguém que está começando a mostrar sinais alarmantes de demência e não consegue mais compreender totalmente o alto conceito que ela aceitou, para aliviar sua própria ansiedade. À medida que a memória de seu pai desaparece junto com sua capacidade de cuidar de si mesmo, mais ele percebe que pode estar explorando alguém que ama, alguém que está começando a mostrar os sinais alarmantes de demência e não consegue mais compreender totalmente o alto conceito com o qual concordou, para aliviar sua própria ansiedade. À medida que a memória de seu pai se esvai junto com sua capacidade de cuidar de si mesmo, mais ele percebe que pode estar explorando alguém que ama, alguém que está começando a mostrar os sinais alarmantes de demência e que ele não consegue mais compreender totalmente o alto conceito que ele tem. uma vez acordado, para aliviar sua própria ansiedade. À medida que a memória de seu pai desaparece junto com sua capacidade de cuidar de si mesmo, À medida que a memória de seu pai se esvai junto com sua capacidade de cuidar de si mesmo, mais ele percebe que pode estar explorando alguém que ama, alguém que está começando a mostrar os sinais alarmantes de demência e que ele não consegue mais compreender totalmente o alto conceito que ele tem. uma vez acordado, para aliviar sua própria ansiedade. À medida que a memória de seu pai desaparece junto com sua capacidade de cuidar de si mesmo, À medida que a memória de seu pai se esvai junto com sua capacidade de cuidar de si mesmo, mais ele percebe que pode estar explorando alguém que ama, alguém que está começando a mostrar os sinais alarmantes de demência e que ele não consegue mais compreender totalmente o alto conceito que ele tem. uma vez acordado, para aliviar sua própria ansiedade. À medida que a memória de seu pai desaparece junto com sua capacidade de cuidar de si mesmo,Dick Johnson Is Dead satisfaz menos a necessidade de Dick de preservar algum senso de imortalidade do que a necessidade de sua filha, toda a nossa necessidade, de deixar ir. —Dom Sinaicola
27. tangerina
Ano: 2015
Diretor: Sean Baker Elenco
: Alla Tumanian, Mya Taylor, Karren Karagulian
Classificação: R
Duração: 87 minutos
Um dos melhores do cineasta Sean Baker, TangerineA fábula das profissionais do sexo natalinas navegando no amor e na perda em Hollywood é tudo pelo que o grande indie é conhecido: íntimo, caloroso, pateta, sincero e sujo o suficiente. Filmado inteiramente em iPhones, este filme subversivo de férias celebra a família encontrada em lojas de donuts, lavanderias e banheiros de bar. Isso nos lembra que às vezes o melhor presente de todos é um amigo que lhe empresta a peruca enquanto a sua está lavando. Kitana Kiki Rodríguez e Mya Taylor carregam o filme em toda a sua complexidade emocional e tonal, enquanto a preocupação compassiva de Baker por pessoas fora das margens faz com que o estilo guerrilheiro do cinema pareça mais amoroso do que explorador. Abordar seus assuntos com empatia e dar a eles o máximo de espaço para nos absorver em seu mundo, está completamente no espírito natalino, mesmo que um encontro sexual em um lava-rápido não seja tão saudável quanto algo de Jimmy Stewart. Mas para um certo tipo de pessoa, e paraO tipo de amizade muito confiante de Tangerine , „Feliz Véspera de Natal, vadia“, é tudo o que precisa ser dito. —Jacob Oller
28. Desculpe incomodá-lo
Ano: 2018
Diretor: Boots Riley
Estrelas: Lakeith Stanfield, Tessa Thompson, Armie Hammer, Stephen Yeun, Patton Oswalt, David Cross, Terry Crews, Danny Glover
Classificação: R
Duração: 105 minutos
Desculpe incomodá-lo tem tantas ideias saindo de cada costura, tanta ambição, tantas coisas que quer dizer com tanta urgência, que parece quase rude apontar que o filme termina gloriosamente fora de controle. Este é o primeiro filme do rapper/produtor Boots Riley, e mostra, de todas as formas possíveis (boas, ruins, incríveis, ridículas), como se ele não soubesse se poderia fazer outro, então ele apresentou todas as ideias que pôde. . Há momentos em Desculpe por incomodá-loisso vai fazer você querer pular vertiginosamente pelo teatro. Há também momentos que farão você se perguntar quem no mundo deu uma câmera a esse lunático. (Alguns desses momentos também são bastante vertiginosos.) O primeiro supera em muito o segundo. Lakeith Stanfield estrela como Cassius, um cara de bom coração que sente que sua vida está fugindo dele e então tenta sua sorte no telemarketing, e falha (em uma série de cenas fantásticas em que sua mesa cai literalmente nas casas de quem quer que seja ). está discando) até que um colega (Danny Glover, interessante até o filme descartar totalmente) o aconselha a usar sua “voz branca” nas ligações. De repente, Stanfield soa exatamente como David Cross em sua forma mais nasal e se tornou uma superestrela na empresa. que o leva “lá em cima”, onde “supercallers” como ele vão atrás dos líderes de Glengarry. Esse é apenas o ponto de partida: ao longo de tudo, conhecemos um empresário tipo Tony Robbins (Armie Hammer) que pode muito bem ser um traficante de escravos, a namorada artista radical de Cassius (Tessa Thompson), que usa brincos com tantos slogans que é um milagre que ela pode levantar a cabeça, e um colega de trabalho revolucionário (Stephen Yeun) que tenta irritar os trabalhadores para que se revoltem contra seus mestres. Existem muitas outras pessoas também, e apenas algumas delas são totalmente humanas. É um filme e tanto. Existem muitas outras pessoas também, e apenas algumas delas são totalmente humanas. É um filme e tanto. Existem muitas outras pessoas também, e apenas algumas delas são totalmente humanas. É um filme e tanto.— Will Leitch
29. RRR
Ano: 2022
Diretor: SS Rajamouli
Estrelas: NT Rama Rao Jr., Ram Charan, Ajay Devgn, Alia Bhatt, Shriya Saran, Samuthirakani, Ray Stevenson, Alison Doody, Olivia Morris
Classificação: NR
Duração: 187 minutos
Um épico télugo que rivaliza até mesmo com as travessuras exageradas dos sucessos de bilheteria anteriores do escritor/diretor SS Rajamouli (os dois filmes de Baahubali ), RRRO título cativantemente repetitivo e simples reflete uma brincadeira de três horas pela história colonial indiana, repleta das alegrias primordiais da fraternidade e da dança. Quase caricaturalmente política, sua história dos melhores amigos Alluri Sitarama Raju (Ram Charan) e Komaram Bheem (NT Rama Rao Jr.) se concentra em contrastes superficiais que mascaram semelhanças profundas. Baseado em dois revolucionários super-heróis que nunca, mas deveriam, ter salvado um menino saltando de bungee jumping simultaneamente em uma motocicleta e um cavalo amarrado em lados opostos de uma ponte, os heróis em conflito representam os pólos rural e urbano opostos aos colonizadores britânicos. Caricaturas do galã urbano e da nobre fera da floresta, as duas encarnações do orgulho cultural lutando contra bestas CGI, britânicos patetas e entre si, embora você não possa deixar de esperar que eles acabem se abraçando com força. (Eles fazem agachamentos enquanto andam de cavalinho. Vamos lá.) Sua amizade brilhantemente homoerótica vai e vem em uma corda bamba narrativa que é tensa, mas com a cinematografia maximalista do filme como sua trave de equilíbrio. Uma trilha sonora fenomenalmente vibrante e com palavras divertidas acompanha algumas das sequências de ação mais bombásticas do ano e cenas de dança encantadoras sem bagunçar o bigode. Os dois protagonistas musculosos e hipermasculinos abrangem a comédia muda, proezas musicais de música e dança e coreografia de luta elegante como o tipo de estrelas que fazem tudo que não temos mais nos Estados Unidos, pois seu caminho moralmente turbulento se enfurece contra o puro mal de opressores brancos cruéis, qualquer dúvida de que vamos lá.) Sua amizade brilhantemente homoerótica caminha em uma corda bamba narrativa tensa, mas com a cinematografia maximalista do filme como sua trave de equilíbrio. Uma trilha sonora fenomenalmente vibrante e com palavras divertidas acompanha algumas das sequências de ação mais bombásticas do ano e cenas de dança encantadoras sem bagunçar o bigode. Os dois protagonistas musculosos e hipermasculinos abrangem a comédia muda, proezas musicais de música e dança e coreografia de luta elegante como o tipo de estrelas que fazem tudo que não temos mais nos Estados Unidos, pois seu caminho moralmente turbulento se enfurece contra o puro mal de opressores brancos cruéis, qualquer dúvida de que vamos lá.) Sua amizade brilhantemente homoerótica caminha em uma corda bamba narrativa tensa, mas com a cinematografia maximalista do filme como sua trave de equilíbrio. Uma trilha sonora fenomenalmente vibrante e com palavras divertidas acompanha algumas das sequências de ação mais bombásticas do ano e cenas de dança encantadoras sem bagunçar o bigode. Os dois protagonistas musculosos e hipermasculinos abrangem a comédia muda, proezas musicais de música e dança e coreografia de luta elegante como o tipo de estrelas que fazem tudo que não temos mais nos EUA, pois seu caminho moralmente turbulento se enfurece contra o mal puro de opressores brancos cruéis Uma trilha sonora fenomenalmente vibrante e divertida acompanha algumas das sequências de ação mais bombásticas do ano e cenas de dança encantadoras sem bagunçar o bigode. Os dois protagonistas bonitões e hipermasculinos abraçam a comédia silenciosa, as proezas musicais de música e dança e a elegante coreografia de luta como o tipo de estrela faz-tudo que não temos mais nos Estados Unidos enquanto seguem seu caminho moralmente turbulento. pura maldade dos cruéis opressores brancos, qualquer dúvida de que uma trilha sonora fenomenalmente vibrante e com palavras divertidas acompanha algumas das sequências de ação mais bombásticas do ano e cenas de dança encantadoras sem bagunçar o bigode. Os dois protagonistas bonitões e hipermasculinos abraçam a comédia silenciosa, as proezas musicais de música e dança e a elegante coreografia de luta como o tipo de estrela faz-tudo que não temos mais nos Estados Unidos enquanto seguem seu caminho moralmente turbulento. pura maldade dos cruéis opressores brancos, qualquer dúvidaRRR é um mito moderno que desaparece nas sombras da selva. Cheio de símbolos, taquigrafia política e estereótipos de todos os tipos, RRR sobe, ruge e se revolta com poder cinematográfico bruto e densidade fascinante o suficiente para valer a pena assistir e discutir continuamente.— Jacob Oller
30. Não é mais um filme adolescente
Ano: 2001
Diretor: Joel Gallen
Elenco: Chris Evans, Jaime Pressly, Randy Quaid
Gênero: Comédia
Classificação: R
Chris Evans pode ter feito coisas maiores e melhores, mas seu desempenho extremamente modesto como um atleta enganado na paródia do subgênero Not Another Teen Movie foi um pico inicial para o Capitão América. Reforçado por muitas falas citáveis e uma estética habilmente cortada do diretor e comediante central Joel Gallen, Not Another Teen Movie é uma resposta hilária e contundente à onda de comédias sexuais adolescentes desonestas que se desenrolaram desde o lançamento dos anos 1980, 80 a 2001. . Este filme basicamente fez com as comédias românticas adolescentes o que Walk Hard: The Dewey Cox Story fez.feito com cinebiografias musicais – a paródia é tão boa que, depois de assisti-la, fica difícil levar a sério as entradas sérias. Ousado, mas afiado, o filme atravessa o baixo e o alto com muito sucesso, com uma Molly Ringwald irritada fechando tudo em uma participação especial perfeita. —Jacob Oller
31. Mirai
Ano: 2018
Diretor: Mamoru Hosoda Elenco
: Haru Kuroki, Moka Kamishiraishi, Gen Hoshino
Gênero: Anime, Fantasia
Classificação: PG
A maioria, se não todos, os filmes originais de Mamoru Hosoda produzidos na última década funcionam, em maior ou menor grau, como exercícios de autobiografia. Summer War , além de uma premissa mais ou menos reciclada da estréia na direção de Hosoda em 2000, Digimon Adventure: Our War Game! , foi a história frequentemente removida de Hosoda conhecendo a família de sua esposa pela primeira vez. Wolf Children de 2012 foi inspirado pelo falecimento da mãe de Hosoda, impulsionado em parte por ansiedades e aspirações com a perspectiva de sua própria paternidade iminente. O menino e a fera O ano de 2015 terminou logo após o nascimento do primeiro filho de Hosoda, produto de suas próprias perguntas sobre qual papel um pai deve desempenhar na vida de seu filho. Mirai , o sétimo filme do diretor, não é da própria experiência de Hosoda, mas sim filtrado pelas experiências de seu filho primogênito encontrando seu irmãozinho pela primeira vez. Narrado pela perspectiva de Kun (Moka Kamishiraishi), um menino que se sente deslocado e inseguro após o nascimento de sua irmã Mirai, Mirai é um belo drama de aventura e fantasia que leva o espectador a uma deslumbrante odisseia pela árvore genealógica. Kun, culminando em uma conclusão comovente que enfatiza a beleza do que significa amar e ser amado. mirai É o filme mais realizado de Hosoda, o vencedor da primeira indicação ao Oscar para um filme de anime não produzido pelo Studio Ghibli, e uma experiência tão edificante quanto um deleite de se ver. —Toussaint Egan
32. preguiçosos
Ano: 2018
Diretor: Sandi Tan
Gênero: Documentário
Classificação: NR
Duração: 96 minutos
Dar sentido ao passado pode ser uma tarefa para toda a vida e uma proposta espinhosa. Em Shirkers , a romancista Sandi Tan realiza o mais complicado dos empreendimentos, dirigindo um documentário sobre si mesma que não é enjoativo ou digno de vergonha. Muito pelo contrário, seu filme é agradavelmente sincero e autodepreciativo: ela pode ser a estrela do show, mas tem uma história para contar e a perspectiva certa para enquadrá-la adequadamente. Tan narra o documentário como um pedaço de memória, contando sua infância em Cingapura com sua melhor amiga Jasmine, onde eram as duas crianças legais em sua linda escola quadrada, sonhando em ser cineastas e deixar sua marca. Para promover essa ambição, eles colaboraram com outra amiga, Sophia, em um road movie surreal chamado Shirkers., que seria dirigido pelo mentor de Tan, um professor mais velho chamado Georges, que se comportava como alguém que sabe manusear uma câmera de cinema. No final da adolescência e talvez apaixonada por esse homem que lhe deu tanta atenção (o documentário é cauteloso sobre o assunto), Tan estava inebriada pela emoção de fazer um filme que ela escreveu e estrelaria. Então, como é que nunca o vimos? O documentário segue a estranha e misteriosa jornada do projeto, que foi invadido por Georges, que estava fugindo com os rolos de filme com a vaga promessa de terminar o trabalho. Isso nunca aconteceu e, 20 anos depois, Tan decide abrir aquelas velhas feridas, conectando-se com seus velhos amigos e tentando descobrir o que aconteceu com Georges. Cenas do filme inacabado aparecem em Shirkers, informando ao público o fato de que haverá uma feliz solução para a busca de Tan. Mas o documentário acaba sendo menos sobre vasculhar latas de filmes do que uma exploração da nostalgia, amizade e o fascínio de mentores. Tan é uma companhia animada e despretensiosa o tempo todo, sua voz tem o tom sardônico certo, mas suas visitas a Jasmine e Sophia são particularmente charmosas e esclarecedoras, sugerindo como amigos de longa data podem nos ver de maneiras que não podemos. —Tim Grierson
33. Sua casa
Ano: 2020
Diretor: Remi Weekes
Estrelas: Wunmi Mosaku, Sope Dirisu, Matt Smith
Gênero: Terror
Classificação: NR
Nada absorve a energia do terror como filmes que evitam o terror. Os filmes podem assustar o público de várias maneiras, é claro, mas o mínimo que um filme de terror pode ser é assustador em vez de foder. His House , de Remi Weekes, não mede palavras. O filme abre com uma tragédia, e em 10 minutos dessa abertura ele supera facilmente The Grudge deixando fantasmas espalhados pelo chão e nas escadas onde suas pistas podem tropeçar neles. Em última análise, este é um filme sobre a inescapável dor inata das histórias de imigrantes, uma peça que acompanha o cinema independente contemporâneo como Mediterranea de Jonas Carpignano., que captura os perigos que os imigrantes enfrentam na estrada e em seus destinos com brutal clareza neorrealista. Weekes está profundamente interessado em Bol e Rial como pessoas, de onde vieram, o que os levou a partir e, acima de tudo, o que fizeram para partir. Mas Weeks está tão empenhado em fazer seus espectadores pularem de sua pele. —Andy Crump
34. Os irmãos Sparks
Ano: 2021
Diretor: Edgar Wright
Gênero: Documentário
Classificação: R
Duração: 135 minutos
Os irmãos faíscas é uma avaliação e apreciação abrangente e encantadora de uma banda idiossincrática, e o maior elogio que pode ser dado é que ela compartilha uma sensibilidade com seus músicos inimitáveis. Não é uma tarefa fácil quando se trata de Ron e Russell Mael. Os irmãos californianos dirigem o Sparks desde o final dos anos 60 (sim, os anos 60), pulando de gêneros tão rápido quanto suas letras fazem e dispensando piadas. Glam rock, disco, pioneiros eletrônicos e, mesmo quando mergulham nos cantos mais experimentais e orquestrais de seus interesses musicais, eles mantêm um gênio power pop consistente reforçado pelas flautas de Russell e pelas teclas cativantes de Ron. É aqui, na incrível variedade mas personalidade solidificada de Sparks, que você rapidamente começa a entender que Os irmãos Sparks é o casamento de dois súditos perfeitos que compartilham uma missão. Especialistas em uma forma de arte de interesse mútuo, Ron e Russell se unem ao diretor Edgar Wright por um desejo irônico de se divertir e fazer arte também. One fez uma trilogia de paródias que se destaca em seus gêneros individuais (filmes de zumbis, filmes policiais, ficção científica). Os outros fizeram canções subversivas como „Music That You Can Dance To“ que conseguem igualar (e muitas vezes superar) os mesmos bops de fazer razz. Seus poderes combinados, os irmãos Sparkstorna-se um documentário musical autoconsciente e profundamente sério. Slapstick, com uma ampla gama de clipes de filmes antigos socando e caindo, e piadas visuais enervam suas impressionantes cabeças falantes toda vez que soltam um clichê de documentário musical mais mal-humorado. “Empurrar o envelope?” Espere ver um cabo de guerra postal entre os Maels. Esse senso de humor, que aprecia a fruta mais boba e a referência mais alta, vem da admiração dos irmãos por cineastas franceses sérios e pouco sérios como Jacques Tati (com quem Sparks quase fez um filme – lembre-se, eles adoram filmes) e de uma afinidade particularmente formativa para a música britânica. Não derruba completamente as fachadas, já que até as obras mais pessoais de Wright ainda transmitem emoção por meio de uma casca protetora de comédia física e referências, mas você tem uma noção do Mael como trabalhadores, irmãos, artistas e humanos em termos com os quais se sentem confortáveis. O filme de quase duas horas e meia é um épico, não há como negar. Você não precisará de outro filme do Sparks depois deste. É menos uma biografia definitiva, no entanto, do que um convite, apelando tanto para os novatos quanto para os ouvintes veteranos por meio de sua total compreensão e adoração de seus temas.— Você não precisará de outro filme do Sparks depois deste. É menos uma biografia definitiva, no entanto, do que um convite, apelando tanto para os novatos quanto para os ouvintes veteranos por meio de sua total compreensão e adoração de seus temas.— Você não precisará de outro filme do Sparks depois deste. É menos uma biografia definitiva, no entanto, do que um convite, apelando tanto para os novatos quanto para os ouvintes veteranos por meio de sua total compreensão e adoração de seus temas.—jacob oller
35. Apóstolo
Ano: 2018
Diretor: Gareth Evans
Elenco: Dan Stevens, Lucy Boynton, Michael Sheen
Gênero: Terror, Drama
Classificação: NR
Depois que as duas primeiras entradas em The Raid fizeram dele uma figura monolítica entre os viciados em filmes de ação, o Apóstolo funciona como a introdução mundial aos estilos viscerais de filmagem do diretor galês Gareth Evans. Enquanto seus primeiros filmes são quase trazidos à vida com a estética do videogame (eles são a coisa mais próxima de uma adaptação cinematográfica de Streets of Rage que você encontrará), o Apóstolo também pode representar o desejo de Evans de ser capturado. seriamente como diretor visual e autor. Para fazer isso, ele explorou um terreno bem trilhado na forma do rural „filme furtivo de culto“, fazendo comparações com The Wicker Man (ou mesmo The Sacrament , de Ti West ).) inevitável. No entanto, Apóstolo encontra seu caminho na conversa de final de ano para o melhor filme de terror de 2018 por meio de talento e entusiasmo. Cada quadro é lindamente composto, desde a chegada agourenta do personagem ardente de Dan Stevens ao complexo de culto da ilha, até o Grand Guignol fantasticamente repugnante do terceiro ato, no qual as entranhas fluem com abandono hedonista. Evans sabe exatamente quanto tempo deve cutucar o público com um mistério lento antes que as represas de sangue entrem em erupção; sua conclusão abrange tanto a loucura sobrenatural quanto a violência humana desconfortavelmente realista. Foi -se a precisão de combate de The Raid, substituído por um tipo mais desajeitado de selvageria desenfreada que é fortalecido não pela honra, mas pela fé desesperada. Evans conclui corretamente que essa forma de violência é muito mais assustadora. —Jim Vorel
36. O outro lado do vento
Ano: 2018
Diretor: Orson Welles
Elenco: John Huston, Peter Bogdanovich, Robert Random, Susan Strasberg, Oja Kodar
Gênero: Drama
Classificação: R
Tão marcante e inexplicável quanto seu título, O Outro Lado do Vento , porém, canta com a força de seu movimento sibilante além de seus limites. The Wind Blows: Orson Welles canaliza-o através de seu torpor infligido/auto-infligido no estúdio e, no processo, encontra uma melodia orgânica, ou melhor, jazzística. O documentário de maquiagem They’ll Love Me When I’m Dead , lançado pela Netflix para acompanhar este filme, o melhor momento da gigante do streaming, mostra um Welles desajeitado e incompleto descrevendo o que ele chama de „acidentes divinos“. Esses acidentes foram responsáveis por alguns dos melhores detalhes de sua obra (onde Deus reside), como a quebra do ovo em Touch of Evil .; eles eram algo que ele pretendia perseguir (como perseguir o vento) com este, seu projeto final, lançado várias décadas depois de ter sido filmado, quando a Netflix abriu seus cofres para abrir o caixão em que a filmagem bruta estava encerrada. Seus ex-parceiros de cinema, Peter Bogdanovich e Frank Marshall, cumprem seu antigo juramento ao mestre de terminar o filme para ele e, encontrando o espírito da coisa, nos entregam uma obra-prima que dificilmente merecemos. Um acidente divino. John Huston estrela como John Huston como Jake Hannaford, que também é Orson Welles, tentando terminar O Outro Lado do Vento , assim como Welles tentou terminar O Outro Lado do Vento., ao longo dos anos sem orçamento real e para o lugar-da-calça de todos. Em vez disso, o cenário do filme se desenrola ao longo de uma tarde e uma noite, Hannaford cercado por „discípulos“ e colegas que são convidados para uma festa para projetar algumas das filmagens do que o diretor espera que seja sua maior obra-prima, no que Welles esperava que fosse dele. O filme dentro do filme é um riff de arte, talvez com os acenos mais fortes para Michelangelo Antonioni e Zabriskie Point.. A vida imita a arte: a casa de Hannaford fica ao virar da esquina daquela que Zabriskie explodiu. Apropriadamente, essa casa é o cenário da maior parte do filme sobre Hannaford, ostensivamente construído a partir de imagens encontradas dos paparazzi do cineasta. A densidade é vertiginosa, o intelecto feroz. Em termos de filmografia de Welles, é como o último ato de Citizen Kane sentido por Touch of Evil , depois despojado e eviscerado pelo meta-punk de F for Fake . Nenhuma arte existe no vácuo, mas O Outro Lado do Vento , mais do que a maioria, sangra seu próprio contexto. Este é Orson Welles, mostrando-se. cometendo suicídio —Chad Betz
37. Uma voz silenciosa
Ano: 2016
Diretor: Naoko Yamada
Elenco: Miyu Irino, Saori Hayami, Megumi Han
Gênero: Anime, Drama
Classificação: NR
Em um meio que muitas vezes se sente restrito pela primazia das sensibilidades estéticas masculinas e saturado com representações hipersexualizadas de mulheres coloquialmente codificadas como “fan service”, a presença de Naoko Yamada é uma bem-vinda lufada de ar fresco, para não mencionar a qualidade inimitável de seus próprios filmes. Inspirado em personagens como Yasujiro Ozu, Alejandro Jodorowsky, Sergei Parajanov, Sofia Coppola ou Lucile Hadžihalilovic, Yamada é um realizador por excelência, capaz de captar a atenção e evocar a melancolia e a catarse agridoce através de composições delicadas de som hábil, montagem e cor rápidas. . paletas e personagens com vidas interiores ricas, cheias de lutas complicadas e relacionáveis. uma voz silenciosa, adaptado do mangá de mesmo nome de Yoshitoki Oima, é um excelente exemplo de todas essas sensibilidades em jogo. Quando Shoya Ishida conhece Shoko Nishimiya, uma estudante surda transferida, na escola primária, ele a intimida implacavelmente para a diversão de seus colegas de classe. Um dia, quando Shoya vai longe demais e força Shoko a se transferir novamente por medo de sua própria segurança, seus colegas o marcam como um pária e ele se retira para um estado de isolamento auto-imposto e auto-aversão. Anos depois, Shoya encontra Shoko mais uma vez, agora como adolescente, e tenta reparar os danos que ele infligiu a ela, enquanto luta para entender suas próprias motivações para fazê-lo. uma voz silenciosaé um filme de tremenda profundidade emocional: um retrato comovente de abuso adolescente, reconciliação e perdão pelo mal causado por outros e por nós mesmos. —Toussaint Egan
38. Caça à Natureza
Ano: 2016
Diretor: Taika Waititi
Estrelas: Sam Neill, Julian Dennison, Rima Te Wiata, Rachel House, Oscar Kightley, Tioreore Ngatai-Melbourne, Rhys Darby
Gênero: Comédia, Drama
Classificação: NR
O primeiro encontro de Bella (Rima Te Wiata) com Ricky (Julian Dennison), o novo menino adotivo que ela concordou em criar, não inspira confiança, especialmente com suas brincadeiras estranhas às custas de seu peso. Por sua vez, com a representante de serviços infantis Paula (Rachel House) pintando Ricky como uma criança selvagem e indisciplinada, teme-se a perspectiva de ver o menino pisar em cima dessa mãe possivelmente louca. Mas Bella usa bem. E Ricky acaba sendo menos durão do que aquilo que ele, com sua mania de gangsta rap e tudo o que isso envolve, tentou projetar inicialmente. Uma adaptação do romance Wild Pork and Watercress de Barry Crump , Hunt for the Wilderpeople de Taika Waititi Ela prospera derrubando noções preconcebidas. O diretor simpatiza com a inocência de Ricky, que se reflete no estilo de alta aventura do filme. Panoramas amplos e coloridos do diretor de fotografia Lachlan Milne e uma estrutura narrativa baseada em capítulos dão a Hunt for the Wilderpeople a sensação de uma fábula de livro de histórias, mas graças à dinâmica calorosa entre Ricky e Hec (Sam Neill), até os momentos mais caprichosos do filme transmitem uma sensação de dor subjacente real: ambos os personagens são estranhos, em última análise, buscando um lar para chamar de seu. —Kenji Fujishima
39. Estou pensando em terminar as coisas
Ano: 2020
Diretor: Charlie Kaufman
Estrelas: Jessie Buckley, Jesse Plemons, Toni Collette, David Thewlis
Classificação: R
Muitos espectadores vão pensar em acabar estou pensando em acabar com as coisasnão muito tempo depois de ter começado. Uma cascata de fotos grosseiras de dissolução cruzada detalha o interior de uma casa de campo ou apartamento, ou o interior de um interior. Uma mulher que ainda não vimos está praticamente no meio da narrativa, contando-nos algo para o qual não temos contexto. É uma sensação ruim, desagradável. Algo está errado. Não é assim que os filmes deveriam funcionar. Finalmente vemos a mulher, interpretada brilhantemente por Jessie Buckley. Ela está parada na rua enquanto os flocos de neve fofos começam a cair, como se estivéssemos dentro de um globo de neve tridimensional com ela. Ele olha para uma janela alguns andares acima. Vemos um velho olhando para baixo através de uma janela. Vemos Jesse Plemons olhando por uma janela. Vemos Jesse Plemmons na próxima cena pegando Jessie Buckley em seu carro surrado. A música do filme brilha e gira. Lucy ou Lucia ou Amy de Jessie Buckley está pensando em terminar as coisas com Jake de Jesse. As coisas não vão bem, parece ser o raciocínio. Jake dirige o carro e às vezes fala; seus comportamentos parecem bastante consistentes até que deixem de sê-lo, até que algum gesto ferva como um objeto estranho de outro eu. Louisa ou Lucy é uma fonte de personalidade, conhecimento e interesses. Mas às vezes ela desacelera, ou fica quieta, e de repente ela é outra pessoa que é a mesma, mas talvez com memórias diferentes, interesses diferentes. Às vezes ela é pintora, às vezes física, às vezes nenhum dos dois. Jessie e Jesse são ótimos. Suas performances e seus personagens são difíceis de descrever. O melhor filme de 2020 é péssimo para um „filme“. Ele não segue padrões, ritmos ou tropos comuns. Não está nem tentando ser um ótimo filme, na verdade, está apenas tentando dissecar a vida da mente um do outro e fazer isso por todos os meios cinematográficos possíveis. A autoconsciência do filme poderia ser insuportável, exceto que a consciência (e nossa experiência fragmentária dela) é inteiramente o ponto de tudo o que o filme envolve e é envolvido. Dizer que o filme aceita tanto a beleza quanto a feiúra da vida seria um lugar-comum que o próprio filme rejeita. Dizer que „o amor vence tudo“, ainda mais. Mas essas falsas verdades pairam na visão periférica do filme: ilusões ou fantasmas, mas seja bem-vindo. – exceto que a consciência (e nossa experiência fragmentária dela) é inteiramente o ponto de tudo em que o filme está envolvido e que está envolvido nele. Dizer que o filme aceita tanto a beleza quanto a feiúra da vida seria um lugar-comum que o próprio filme rejeita. Dizer que „o amor vence tudo“, ainda mais. Mas essas falsas verdades esvoaçam na visão periférica do filme: ilusões ou fantasmas, mas bem-vindos. – exceto que a consciência (e nossa experiência fragmentária dela) é inteiramente o ponto de tudo em que o filme está envolvido e que está envolvido nele. Dizer que o filme aceita tanto a beleza quanto a feiúra da vida seria um lugar-comum que o próprio filme rejeita. Dizer que „o amor vence tudo“, ainda mais. Mas essas falsas verdades esvoaçam na visão periférica do filme: ilusões ou fantasmas, mas bem-vindos. — mas bem-vindo. — mas bem-vindo. —chad betz
40. Fio Fantasma
Ano: 2017
Diretor: Paul Thomas Anderson
Elenco: Daniel Day-Lewis, Lesley Manville, Vicky Krieps
Classificação: R
fio fantasmaé um filme tão maravilhosamente feito, tão meticuloso em sua construção, tão profundamente sentido em sua execução, que você quase não consegue perceber o quão espinhoso e sombrio ele é. Este deve ser o filme mais delicioso de todos os tempos, tratando em grande parte de como o mundo dos relacionamentos pode ser egocêntrico e inflexível, de como podemos abrir mão de muito de nós mesmos e depender de nosso parceiro. para descobrir como lidar com isso, se quiserem. Este é um filme intransigente sobre duas pessoas intransigentes tentando viver juntas sem perder uma parte muito grande de si mesmas, e até onde, às vezes, elas irão para conseguir o que querem. Daniel Day-Lewis estrela como Reynolds Woodcock, uma costureira mundialmente famosa que veste celebridades, realeza e, às vezes, para seu desgosto, aos declasses ricos e vulgares. Praticamente qualquer coisa que não atenda aos seus padrões exigentes é vulgar, até que um dia, no interior da Inglaterra, Reynolds encontra uma garçonete chamada Alma (Vicky Krieps) que atende aos requisitos físicos de Reynolds (especificamente para que ele possa fazer vestidos para ela). e ela tem uma certa coragem que instantaneamente acha fascinante. os dois principaisPhantom Thread são absurdos e loucos à sua maneira, e uma das muitas emoções do filme é vê-los se chocando e depois colidindo novamente. É a historinha de amor mais estranha, tão estranha que nem tenho certeza se é sobre amor. Meu colega Tim Grierson disse isso primeiro , mas é uma observação boa demais para ser ignorada: Este filme é muito sobre a total incognoscibilidade dos relacionamentos de outras pessoas. Do lado de fora, não faz sentido que Reynolds e Alma tenham esse tipo de conexão um com o outro; é difícil dizer o que cada pessoa está ganhando com isso. Mas o que é insondável é também o que o torna tão poderoso. — Will Leitch
41. Roma
Ano: 2014
Realizador: Alfonso Cuarón Intérpretes
: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta
b>Género: Drama
Classificação: R
O filme mais intimista de Alfonso Cuarón é também o de maior distanciamento. A câmera se inclina para trás, em preto e branco, focada não nas crianças burguesas que representam o diretor de fotografia, roteirista e seus irmãos que cresceram na Cidade do México há várias décadas, mas na mulher indígena (Yalitza Aparicio) que cuida deles e da casa. Nem mesmo totalmente focado nela, talvez mais focado em suas composições classicistas de um lugar que não existe mais como Cuarón lembra. A câmera olha e se move em uma sequência transplanar, dando-nos elementos de primeiro plano, meio e fundo em total clareza digital. A mixagem de som é Dolby Atmos e surround. Mas a base estética e narrativa é Fellini, ou o neorrealismo mexicano perdido, ou o Playtime de Tati.mas com piadas visuais substituídas por preocupação social e devaneio pessoal. Reservado e imersivo, introspectivo e aberto, antigo e novo, alguns acusaram Roma de ser muito calculista no que tenta fazer, no ato de equilíbrio que tenta alcançar. Eles podem não estar errados, mas é para o imenso crédito de Cuarón como um técnico atencioso e contador de histórias que ele realmente consegue. O resultado é uma experiência cinematográfica singular, que recria algo que foi perdido e depois navega de forma a encontrar a história emergente e daí encontrar o impacto emocional. Para que quando chegarmos a esse ponto tarde em Roma, nem percebemos o processo lento e orgânico pelo qual nos envolvemos totalmente no filme; não estamos prontos para ser atingidos com tanta força como quando vêm os golpes e as ondas quebram. É quase insuportável, mas suportamos porque nos preocupamos com essas pessoas com quem nos envolvemos. E assim é a vida. —Chad Betz
42. O poder do cachorro
Ano: 2021
Diretor: Jane Campion
Estrelas: Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Genevieve Lemon, Keith Carradine, Frances Conroy
Classificação: R
Baseado no romance homônimo de Thomas Savage, de 1967, o tão esperado retorno de Jane Campion ao meio cinematográfico, após Bright Star de 2009 e seus anos subsequentes trabalhando na televisão, parece adequado para uma diretora que demonstrou proeza em criar uma atmosfera de grande preocupação. . E assim vai para O Poder do Cachorro., um filme com um traço perpétuo de espasmos, levado pela sensação sempre presente de que alguém pode estourar a qualquer momento, até que o faça. Em Montana de 1925, os irmãos Phil (Benedict Cumberbatch) e George Burbank (Jesse Plemons) são fazendeiros prósperos, mas irmãos incompatíveis. Phil é a imagem definitiva do machismo, andando pelo rancho sempre vestido com sua roupa de cowboy com uma espessa camada de sujeira no rosto, um cigarro enrolado pendurado no lábio inferior; um personagem que age desafiando o trabalho anterior de Cumberbatch. Phil se opõe tanto a qualquer coisa adjacente ao que possa ser considerado “feminino” que coisas como tomar banho, tocar um instrumento que não seja um banjo e apenas ser legal com as mulheres são os tipos de atividades que podem levar Phil a perguntar “Amigos, Ele é gay se…? No Twitter. Da castração dos touros no rancho de Burbank, ao status de Phil como a ovelha negra de sua respeitável família, à natureza da paisagem ocidental ligada ao desempenho da masculinidade de Phil, o subtexto é tão visualmente desajeitado que permanece subtextual apenas em virtude de não ser falado diretamente em voz alta. Mas a falta de jeito na abordagem do filme ao assunto é reforçada por atuações convincentes em geral, particularmente de Cumberbatch, cuja encarnação de um fazendeiro rude e sujo é a princípio ridiculamente inacreditável em relação às atuações que definiram a carreira inglesa do filme. Mas é, talvez, por causa desse contraste com seus papéis anteriores que Cumberbatch consegue encaixar o personagem de Phil de forma tão nítida, carregando consigo um desconforto e mal-estar inerentes à sua própria pele, apesar do terror que ela causa no coração de alguém como Rose. É acompanhado pela trilha sonora arrepiante, composta pelo inimitável Johnny Greenwood (The Master , Phantom Thread ) e a fotografia impecável de Ari Wegner ( Zola , The True History of the Kelly Gang ), formando um casamento perfeito de tensão, intimidade e isolamento em um filme onde o som de cada corte, corte e clicar nele evoca o mesmo sentimento angustiante, independentemente da fonte. O que significa ser um homem? O Poder do Cão considera a questão, mas nunca a responde. Em vez disso, ele está preocupado com um fenômeno atemporal: o sofrimento suportado pelo bem da masculinidade. —Brianna Zigler
43. Procissão
Ano: 2021
Diretor: Robert Greene
Classificação: R
Duração: 116 minutos
Em seus filmes, Robert Greene tentou trazer o passado alienado para o presente. Kate Plays Christine , de 2016, usa a preparação de Kate Lyn Sheil para interpretar Christine Chubbuck, a apresentadora que cometeu suicídio no ar 42 anos antes, em parte para navegar pelas responsabilidades de um ator ao tentar ressuscitar uma pessoa relegada ao folclore. Bisbee ’17 , 2018relatou a reconstituição, no 100º aniversário do evento, da remoção forçada e abandono de mais de 1.200 mineiros em greve de suas casas no deserto do Arizona. À medida que os membros da comunidade de Bisbee assumem o papel de bandidos corporativos e trabalhadores que exigem uma vida melhor, em muitos casos assumindo a persona de seus próprios ancestrais, eles entendem melhor a influência que a história ainda mantém hoje. mesmo em atriz, O retrato de Greene em 2014 de Brandy Burre voltando a atuar enquanto ela reinventa sua vida pessoal, reavaliando o passado é um ato de assumir o controle. Enquanto Burre retorna lentamente ao palco, interagindo com velhos amigos e com a emoção visceral de estar na frente de uma platéia, ela começa a afastar sua vida de um casamento tóxico e a se redefinir. Ela percebe que não é mais forçada a manter seu antigo eu. Procissão, o último filme de Greene e seu primeiro para a Netflix, está novamente tentando absolver o presente do passado. Tudo começa com uma coletiva de imprensa de 2018 em Kansas City, Missouri. A advogada Rebecca Randles se encontra com três dos sobreviventes e afirma que eles podem expor mais de 230 clérigos católicos conhecidos na área de Kansas City como parte de uma quadrilha de abuso sexual de longo alcance. Vendo isso, Greene abordou Randles com a ideia de usar a dramaterapia, guiada de perto pela terapeuta de drama registrada Monica Phinney, para dar a um pequeno grupo de sobreviventes a chance de transformar seus pesadelos em algo dramático, para potencialmente transformar seu trauma em algo sobrevivente. . . Procissãoapresenta esta abordagem: Seis homens escrevendo roteiros, storyboards, busca de locações e, finalmente, filmando suas piores memórias, como quiserem interpretá-las, intercaladas com os resultados completos. O jovem ator que protagoniza cada um dos segmentos, Terrick Trobough, passa grande parte do filme na companhia dos seis sobreviventes, ouvindo suas histórias e fazendo seu trabalho de maneira calma e profissional. Ele os vê chorar, bater nas coisas e se soltar, não porque sejam quebradiços, mas porque estão quebrados. Terrick responde que acredita em suas histórias. Mais tarde, com Dan (um dos sobreviventes), depois de um momento emocionante, Terrick pergunta: “Como vai você?” Talvez ele esteja apenas sendo educado, mas os pequenos gestos de empatia de Terrick brilham intensamente. Como Procissão, quando a beleza do cinema de Greene se encontra com a inteligência e a clareza de seus métodos. “Espero que a força que você demonstrou seja recompensada com paz e contentamento”, outro sobrevivente diz a si mesmo perto do final do filme, voltando décadas atrás. Um close de seu rosto permite que o público saiba se essa esperança foi resolvida. O cinema é muito bom. —Dom Sinaicola
44. Os Mitchells contra as Máquinas
Ano: 2021
Diretor: Mike Rianda, Jeff Rowe (codiretor)
Estrelas: Abbi Jacobson, Danny McBride, Maya Rudolph, Eric Andre, Fred Armisen, Beck Bennett, Olivia Colman
Gênero: Animação, Comédia, Ficção Científica
Classificação: PG
As divisões geracionais animadas nunca pareceram mais com um carnaval de ficção científica do que em The Mitchells vs. as Máquinas . A estréia no cinema do roteirista e diretor Mike Rianda (ele e o co-roteirista e diretor Jeff Rowe treinaram no excelente show assustador e bobo Gravity Falls) é em partes iguais absurdo, cativante e aterrorizante. É fácil se sentir perdido ou oprimido pelas luzes piscantes e visões emocionantes como a família central lutando em um lado da luta pelo título, mas é tão fácil sair com a alegria exausta do rescaldo de uma longa e cansativa excursão ao parque . temático. Sua família inserida no gênero explode em cada quadro desordenado e lotado como se estivesse tentando escapar (geralmente o fazem) e, no processo, cria a comédia animada mais enérgica e cativante até agora este ano. E sua premissa começa tão humildemente. A cineasta e apresentadora Katie (Abbi Jacobson) está saindo de casa para ir para a faculdade, e para chegar lá, ela tem que fazer uma viagem com sua família: Rick (Danny McBride), seu pai ludita ao ar livre; Linda (Maya Rudolph) sua mãe pacificadora; e Aaron (Rianda), seu irmão mais novo fanático por dinossauros. Você pode adivinhar que Katie e seu pai nem sempre concordam, mesmo quando os olhos de Katie não estão grudados em seu telefone ou laptop. Essa tecnocrítica, onde “tempo na tela” é uma frase obscena e a figura paterna que constrói uma cabana quer que sua família experimente o mundo real, pode ser tão maluca quanto a décima segunda temporada de uma sitcom de Tim Allen.Os Mitchell vs. as máquinas escapam desse perigo não apenas por meio de algumas nuances intencionais em sua escrita, mas também algumas grandes antinuances: no meio do caminho, empresas de tecnologia do mal estragam tudo e bots criados por telefones decidem atirar em todos os humanos no espaço. Este filme precisava de algo tão grande do ponto de vista narrativo para fazer backup de suas gloriosas imagens da pia da cozinha. O filme da Sony usa parte da mesma tecnologia que fez Spider-Man: Into the Spiderverse parecer tão nítido e único, adicionando sombreamento cômico ao seu CG expressivo. Na verdade, uma vez que alguns dos cenários mais estranhos decolam, você não ficaria surpreso ao ver Miles Morales intervir para salvar o dia. The Mitchells vs. the Machines A reviravolta na estética de Spidey vem de Katie, obcecada por memes e filmes, cuja imaginação muitas vezes encontra seu caminho para o mundo real e cujos rabiscos de néon estranhos e cheios de filtros já enfeitam a paleta. uma estranheza explosiva. Este estilo único e inteligente se encaixa bem com o pastelão maravilhosamente cronometrado de The Mitchells vs. as máquinas , quebrando e esmagando com violência inesperada, equilibrado com um pug realmente pateta e muitos visuais que tiram sarro de tudo o que está acontecendo . — jacob oller
45. A Besta do Mar
Ano: 2022
Diretor: Chris Williams
Estrelas: Karl Urban, Zaris-Angel Hator, Jared Harris, Marianne Jean-Baptiste, Dan Stevens, Kathy Burke
Classificação: PG
Quando os cartógrafos permitiam que seus sentidos de imaginação e autopreservação preenchessem as regiões inexploradas de seus mapas, eles frequentemente alertavam sobre criaturas como leões, elefantes e morsas. Criaturas além da compreensão, com dentes, trombas e presas fáceis de caricaturar em perigo. Mas, acima de tudo, lembramos que, quando você navega para o limite do conhecimento, existem dragões. A fera Marina afia habilmente esse antigo medo humano em uma ponta de lança afiada, atingindo a ignorância. Sua aventura de fanfarrão navega por um mar cheio de criaturas gigantescas que certamente despertarão o apetite das crianças por pirataria, filmes de Godzilla e animações empolgantes. O primeiro filme do clássico da história da Disney, Chris Williams, depois de sair de House of Mouse para Netflix, The Sea Beast.é, parafraseando Jared Harris ‚Ahab-like Captain Crow, todo mijo e vinagre. O fato de o filme até mesmo fazer alusão à frase e deixar cair algumas outras linhas levemente salgadas que você pode esperar de alguns cachorros-do-mar experientes é indicativo de sua separação com o gigante higienizado. A violência é vista nos olhos; ele não tem medo de cumprir suas ameaças. Tudo com razão. Contar uma história fantástica de caçadores, tripulações de mercenários financiados por uma coroa colonialista para derrubar os kaijus que povoam o oceano, não seria correto sem pelo menos um pouco de vantagem. Em nosso caminho para o mundo, a jovem Maisie (Zaris-Angel Hator) experimentou suas perigosas realidades em primeira mão: seus pais afundaram com um navio, deixando-a entre dezenas de caçadores órfãos. Mas isso não o impediu de exaltar sua família martirizada (algo explicitamente encorajado pela monarquia) e buscar sua própria glória. Escondida no navio de Crow, o Inevitável, ela e o competente Jacob (Karl Urban) enfrentam as lendárias ambições que construíram em suas próprias cabeças. Williams e a co-escritora Nell Benjamin imediatamente nos mergulham na busca de Inevitable para derrubar a baleia vermelha com chifres e dentes de Crow, apelidada de Red Bluster, com total confiança de que não há melhor momento do que o marítimo. Enquanto nossos olhos giram e se movem pelas ondas realistas de tirar o fôlego e nossos ouvidos tentam seguir o timoneiro meticulosamente detalhado, as cenas de caça nos prendem como a captura do dia. Entendemos a hierarquia da tripulação diversificada, o código de honra entre os caçadores, as táticas necessárias para derrubar criaturas imponentes que se parecem com Toho transformaram seus maiores sucessos em Pokémon. É uma escrita sábia e respeitosa, colocada em ação legível pela mão experiente de Williams, que confia que seu cenário e assunto sejam inerentemente excelentes e que seu público o siga avidamente. No momento em que as lanças voam, os canhões disparam e as criaturas morrem, não é? Você está tão profundamente viciado quanto qualquer pai assistindo.Mestre e Comandante . Uma encantadora desconstrução da nova escola da aventura romântica da velha escola que nunca compromete a exuberância do cenário, cor e emoção inerentes a este último, The Sea Beast sobe à frente das ofertas animadas da Netflix como uma maré alta. — Jacob
46. A bunda preta de Ma Rainey
Ano: 2020
Diretor: George C. Wolfe
Elenco: Viola Davis, Chadwick Boseman, Glynn Turman, Colman Domingo, Michael Potts
Gênero: Drama
Classificação: R
Apropriadamente, o papel final de Chadwick Boseman é sobre o blues. A aparição do falecido ator em Ma Rainey’s Black Bottom , da Netflix, adaptação de August Wilson do diretor George C. Wolfe e do escritor Ruben Santiago-Hudson, é uma mostra de atuação em partes iguais, elogio furioso e lamentação abrangente, fervidos juntos. uma sessão de gravação dos anos 20 em Chicago. Um conto multifacetado de ambição e eventuais pontos finais, Ma Raineygira em torno de quem orbita em torno de sua personagem principal (Viola Davis). Ele é uma lenda do blues no auge da carreira, finalmente apreciado (pelo menos em algumas partes do país) e pronto para ser explorado por homens brancos de terno. Como se ela os tivesse deixado. Ele está confortavelmente atrasado para gravar um álbum, deixando todo mundo para se levantar e atirar no verdadeiro estilo Wilson, com Santiago-Hudson encontrando a essência do trabalho de Wilson. A performance brutal de Davis, tornada ainda mais potente por sua avalanche de maquiagem e suor brilhante, define a cena perfeitamente. Ela, junto com gravatas soltas e ventiladores barulhentos, dá ao filme a temperatura e a gravidade desejadas para que Boseman e o resto dos membros de sua banda possam se mover como vaga-lumes no calor do verão. Com trágica serendipidade, Boseman nos deixa um presente: está pegando fogo. Inclinando-se, com posicionamentos de câmeras e adereços enfatizando seus membros desengonçados (há uma razão para ele empunhar um flugelhorn atarracado e achatado, um grampo do jazz que funciona melhor visualmente), Levee é um papel muito físico, apesar do material de origem falador: é tudo sobre chamar a atenção . , às vezes literalmente sapateando, com uma pitada de constrangimento misturado com energia ansiosa. Nervoso, nervoso e tenso por um monólogo de quase cinco minutos, Levee parece sentir a janela de seu sonho se fechando: o tempo está se esgotando. com uma pitada de vergonha invadida por uma energia ansiosa. Nervoso, nervoso e tenso durante um monólogo de quase cinco minutos, Levee parece sentir que a janela para seu sonho está se fechando: o tempo está se esgotando. com uma pitada de vergonha invadida por uma energia ansiosa. Nervoso, nervoso e tenso por um monólogo de quase cinco minutos, Levee parece sentir a janela de seu sonho se fechando: o tempo está se esgotando.Black Bottom de Ma Rainey é mais do que a performance de Boseman, é claro, com Davis e Colman Domingo chorando deliciosamente e as palavras de Wilson continuando a queimar e voar em igual medida. Mas a posse do filme por Boseman – um instantâneo digno de um Oscar de potencial e desejo – dá a uma tragédia encantadora e arrebatadora algo específico para cantar. —Jacob Oller
47. A Mão de Deus
Ano: 2021
Diretor: Paolo Sorrentino Elenco
: Filippo Scotti, Toni Servillo, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Luisa Ranieri, Renato Carpentieri, Massimiliano Gallo, Betti Pedrazzi, Biagio Manna, Ciro Capano
Classificação: R
Duração: 130 minutos
Paolo Sorrentino enquadra sua nova peça de amadurecimento, The Hand of God , com uma representação divina, passando cada momento reclamando do desfile interminável de decepções da vida. A humanidade é terrível. Tudo é um fracasso. A realidade é péssima. “Que merda de mundo é esse”, diz uma mulher por volta dos 45 minutos de filme. „Você vai comprar a sobremesa e quando volta, seu marido está preso.“ Os detalhes são irrelevantes. É o sentimento que aterra. O diálogo parece Sorrentino solilóquio por meio de seus personagens, expondo reclamação após reclamação sobre o efeito de aterramento de A Mão de Deus.A história de sua trama: ambientada na Nápoles dos anos 80, atendendo à rica e chata rotina que inclui as idas e vindas da família Schisa muito próxima: pai Saverio (Toni Servillo) e mãe Maria (Teresa Saponangelo). , e seus filhos, o mais velho Marchino (Marlon Joubert) e o jovem Fabietto (Filippo Scotti): Sorrentino constrói o filme com menos floreios surreais do que seus trabalhos modernos, a la Loro 2018, Juventud 2015 e La gran belleza de 2013, onde um homem faz uma girafa desaparecer. no ar no meio de um coliseu romano. Colocado ao lado dessas imagens, A Mão de Deus é absolutamente normal. A normalidade pode não satisfazer os personagens de Sorrentino, sejam princípios ou apoio, mas A Mão de Deus encontra abundância nas convenções italianas cotidianas: abundância de significado, abundância de beleza, abundância de comédia e, para evitar enterrar o lede, A Mão de Deus é consistentemente hilário durante a primeira hora ou mais (apesar de uma cena inicial de violência doméstica). A Mão de Deus não é escapismo, o que contradiz os objetivos de carreira de Fabietto em estágio avançado. é _um uivo divertido e um drama comovente que se suaviza em um exercício de luto em sua segunda metade, onde Fabietto distrai sua mente de uma importante tragédia fanboy sobre Capuano e se mete em problemas com Armando (Biagio Manna), a arma secreta de Sorrentino: um contrabandista de cigarros sociável cujo a veia selvagem desmente sua lealdade duradoura a quem ele chama de „amigo“. É impossível acompanhar. A Mão de Deus não tenta fazer isso. Em vez disso, guiado por Fabietto, o filme leva seu tempo. Veja. respira. Ele captura a vida com uma clareza que nem mesmo os melhores esforços de Sorrentino conseguiram, tornando-o seu melhor esforço até o momento.— Andy Crump
48. O corpo lembra quando o mundo se abriu
Ano: 2019
Diretores: Elle-Máijá Tailfeathers, Kathleen Hepburn Elenco
: Elle-Máijá Tailfeathers, Violet Nelson, Barbara Eve Harris
Gênero: Drama
Classificação: NR
Nada vale a pena em O corpo se lembra de quando o mundo se abriu . Cada detalhe narrativo, exigindo resolução, passa em grande parte despercebido: quando Rosie (Violet Nelson) tira dinheiro da bolsa de Áila (codiretora Elle-Máijá Tailfeathers), por exemplo, esperamos o tempo deles juntos, os 90 minutos mais ou menos, ele vai ensinar Rosie uma lição, ele vai incentivá-la a devolver os ingressos. Isso não acontece. Em vez disso, o corpo lembra quando o mundo se abriuconta o encontro casual entre duas mulheres das Primeiras Nações, divididas pela estabilidade socioeconômica, mas unidas porque ambas acabaram de sofrer estupro: a de Rosie é o último de uma série de incidentes de violência doméstica, enquanto a de Áila teve um DIU inserido em meio a um clima frio e impessoal. procedimento, ela foi filmada pelo diretor de fotografia Norm Li em 16 mm com o compromisso de capturar cada careta e careta quase traumatizada de Áila. Li segue Áila do escritório até a rua, onde vê Rosie descalça na chuva, talvez em estado de choque, e de lá os dois fogem do namorado enfurecido de Rosie para o loft seco e arejado de Áila. Li está sempre logo atrás, o resto do filme é editado em uma tomada contínua enquanto Áila tenta descobrir o que fazer para ajudar Rosie, e Rosie tenta descobrir como evitar ser vítima da virtude que distingue estranhos. O fato de Áila também ser uma mulher das Primeiras Nações pouco importa para Rosie; ela apenas parece a parte. É claro que, quando eles se separam, Rosie engole qualquer culpa que possa ter desenvolvido por roubar Áila dela, e os zeladores da casa segura lembram Áila quando Rosie não quer ficar que às vezes as pessoas levam sete ou oito vezes para ceder. e saia da sua situação abusiva. Aguardamos uma resolução, um sinal de que as coisas vão melhorar. Quando não o fazem, procuramos outros sinais e esperamos, só resta a paciência: observar, e nunca deixar de observar, e carregar o peso disso, para pagar o preço da empatia. e os guardiões da casa segura lembram a Áila que, quando Rosie não quer ficar, às vezes, as pessoas levam sete ou oito vezes para ceder e deixar sua situação abusiva. Aguardamos uma resolução, um sinal de que as coisas vão melhorar. Quando não o fazem, procuramos outros sinais e esperamos, só resta a paciência: observar, e nunca deixar de observar, e carregar o peso disso, para pagar o preço da empatia. e os zeladores da casa segura lembram a Áila que, quando Rosie não quer ficar, às vezes as pessoas demoram sete ou oito vezes para ceder e deixar sua situação abusiva. Aguardamos uma resolução, um sinal de que as coisas vão melhorar. Quando não o fazem, procuramos outros sinais e esperamos, só resta a paciência: observar, e nunca deixar de observar, e carregar o peso disso, para pagar o preço da empatia. um sinal de que as coisas vão melhorar. Quando não o fazem, procuramos outros sinais e esperamos, só resta a paciência: observar, e nunca deixar de observar, e carregar o peso disso, para pagar o preço da empatia. e os zeladores da casa segura lembram a Áila que, quando Rosie não quer ficar, às vezes as pessoas demoram sete ou oito vezes para ceder e deixar sua situação abusiva. Aguardamos uma resolução, um sinal de que as coisas vão melhorar. Quando não o fazem, procuramos outros sinais e esperamos, só resta a paciência: observar, e nunca deixar de observar, e carregar o peso disso, para pagar o preço da empatia. um sinal de que as coisas vão melhorar. Quando não o fazem, procuramos outros sinais e esperamos, só resta a paciência: observar, e nunca deixar de observar, e carregar o peso disso, para pagar o preço da empatia. e os zeladores da casa segura lembram a Áila que, quando Rosie não quer ficar, às vezes as pessoas demoram sete ou oito vezes para ceder e deixar sua situação abusiva. Aguardamos uma resolução, um sinal de que as coisas vão melhorar. Quando não o fazem, procuramos outros sinais e esperamos, só resta a paciência: observar, e nunca deixar de observar, e carregar o peso disso, para pagar o preço da empatia. para pagar o custo da empatia. e os zeladores da casa segura lembram a Áila que, quando Rosie não quer ficar, às vezes as pessoas demoram sete ou oito vezes para ceder e deixar sua situação abusiva. Aguardamos uma resolução, um sinal de que as coisas vão melhorar. Quando não o fazem, procuramos outros sinais e esperamos, só resta a paciência: observar, e nunca deixar de observar, e carregar o peso disso, para pagar o preço da empatia. para pagar o custo da empatia. e os zeladores da casa segura lembram a Áila que, quando Rosie não quer ficar, às vezes as pessoas demoram sete ou oito vezes para ceder e deixar sua situação abusiva. Aguardamos uma resolução, um sinal de que as coisas vão melhorar. Quando não o fazem, procuramos outros sinais e esperamos, só resta a paciência: observar, e nunca deixar de observar, e carregar o peso disso, para pagar o preço da empatia.—Dom Sinaicola
49. História de Casamento
Ano: 2019
Diretor: Noah Baumbach Elenco
: Scarlett Johansson, Adam Driver, Azhy Robertson, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty, Merritt Wever
Gênero: Drama
Classificação: R
A forma como Adam Driver termina „Being Alive“, que seu personagem em História de um Casamento acaba de cantar na íntegra (incluindo o diálogo além dos amigos do protagonista da Company ), é como vê-lo drenar o que resta de seu espírito no chão, em diante de seu pequeno público (que nos inclui). A apresentação começa um tanto boba, o garoto do teatro não convidado toma as rédeas para cantar um dos melhores shows da Broadway, mas depois, em outro aparte, ele diz: “ Eu quero um pouco… eu quero um pouco”.coisa…” Ele começa a entender. Ele começa a entender o peso da vida, a insatisfação da intimidade desperdiçada e o que pode significar finalmente se tornar um adulto: abraçar todas essas contradições, toda aquela alienação e solidão. Respire fundo após as notas finais, após a faixa final; ele finalmente percebe que precisa crescer, acabar com sua antiga vida, fazer algo novo. É muito parecido com viver na internet hoje em dia; a incapacidade de criar um “eu autêntico”, por mais insignificante que seja o termo, é composta por uma paisagem cultural que se recusa a admitir que “autenticidade” é uma performance tão inautêntica quanto qualquer outra coisa. Trabalhar através de identidades é doloroso e feio. Pode-se dizer que todos estamos trabalhando em como ser nós mesmos em relação aos que nos rodeiam. E é isso que Bobby,Empresa , está fazendo. A cena força o espectador a fazer conexões sobre sua humanidade, a arte que está experimentando e o mundo cada vez mais insensível em que tudo existe. Charlie pega o microfone, exausto, percebendo que precisa descobrir o que fazer a seguir, para recompor sua vida. Todos nós, estamos colocando isso junto também. Ou tentando, pelo menos. Isso conta para alguma coisa . —Kyle Turner
50. Bom
Ano: 2017
Diretor: Bong Joon-ho
Elenco: Tilda Swinton, Paul Dano, An Seo Hyun, Byun Heebong, Steven Yeun, Lily Collins, Yoon Je Moon, Woo Shik Choi
Gênero: Ficção Científica, Ação
Classificação: NR
Okja assume mais riscos criativos nos primeiros cinco minutos do que a maioria dos filmes em todo o seu período, e não para por aí. O que parece ser um ponto de discórdia para alguns críticos e público, especialmente os ocidentais, é o tom aparentemente errático, do sentimento ao suspense, ação acelerada, fantasia, horror e tudo o que Jake Gyllenhaal está fazendo. Mas isso é parte integrante do que torna os filmes de Bong Joon-ho, bem, os filmes de Bong Joon-ho: eles são sutis e complexos, mas não são exatamente sutis ou contidos. Eles têm atenção aos detalhes, mas não são exigentes no manuseio. Eles têm várias intenções e juntam essas intenções para improvisar . . São obras imaginativas que criam impulso por meio de alternâncias entre partes e contrapartes, e Okja é talvez o melhor exemplo até agora do movimento pendular selvagem da chave rítmica de um filme Bong. Okja também não é um filme sobre veganismo, mas é um filme que questiona como podemos encontrar a totalidade e, acima de tudo, como podemos agir humanamente em relação a outras criaturas, incluindo os humanos. As respostas que Okja obtém são simples e vitais e, sem dizê-las, isso realmente ajuda você a ouvir essas respostas por si mesmo, porque ela fez todas as perguntas certas e as fez de uma maneira intensamente envolvente. —Chad Betz